Sobre a revista A revista Ars é uma publicação do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo que reúne trabalhos relevantes no debate da arte produzidos no meio universitário e fora dele. Propõe um foco ampliado na abordagem conforme, ademais, as exigências da própria produção artística contemporânea. Com isso, objetiva contribuir no debate cultural para além dos muros da universidade e interrogar as próprias perspectivas da arte no contexto contemporâneo. Ao mesmo tempo, valoriza a área teórica e a contribuição de disciplinas mais antigas, como a filosofia, a estética e a história da arte, ainda que frequentemente se trate de confrontar ou apontar os limites dessa tradição em face dos desafios da situação contemporânea. Ars tem interesse em divulgar, ao lado dos trabalhos dos artistas, críticos, historiadores de arte e alunos de pós-graduação do Departamento de Artes Visuais colaborações de pesquisadores, artistas, intelectuais e outros profissionais do meio artístico, favoráveis à experimentação e à pesquisa teórica especializada.
Universidade de São Paulo. Escola de Comunicações e Artes
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O texto aborda as relações entre a História da arte no Brasil e seus diversos tipos de apagamento social. A reflexão está pautada pela iniciativa de compilar análises sobre o papel da crítica na década de 1970, reunidas em livro por Fernanda Torres e Martha Telles, mas também é atravessada por falas proferidas nas palestras do próprio seminário organizado no Museu de Arte do Rio (MAR). São levados em consideração os papéis e os limites da crítica de arte frente às urgências sociais.
Dossiê Deslocamentos da História e da Crítica de Arte: 1970-2020
(c) Copyright Marcelo Campos 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O ensaio narra a observação de fotografias de família a partir da experiência do luto, recorrendo a um corpo de imagens constituído entre as décadas de 1950 e 2010. A obra investiga a interação entre fotografia, narração e memória, explorando a sinergia entre palavra e imagem. O percurso parte de memórias íntimas e segredos familiares — revelados por fotografias cortadas e arquivos descobertos após a morte — para alcançar uma reflexão crítica sobre as tecnologias de inteligência artificial generativa, propondo diálogos com imagens ritualísticas como os retratos de Fayum.
Dossiê Grupo de Pesquisa em Impressão fotográfica (GPIF)
(c) Copyright Andre Leite Coelho 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dossiê Grupo de Pesquisa em Impressão Fotográfica (2010-2026)
Apresentação do Dossiê Grupo de Pesquisa em Impressão fotográfica (GPIF)
(c) Copyright Andre Leite Coelho, João Luiz Musa, Lucas Eskinazi, Celina Yamauchi 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
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Crítica de arte: um modo singular de produção de escrita
O texto examina o ocaso contemporâneo da crítica de arte, gênero literário ao qual a modernidade do século XIX havia conferido extraordinária potência crítica, nascido sob os auspícios de uma nascente cultura de massas e tendo alcançado plena maturidade cultural entre os anos 1930 e 1970. Argumenta que os primeiros sinais desse ocaso teriam vindo à tona no último quartel do século XX, e que eles estariam ligados ao surgimento de um onipresente sistema da arte e da cultura, que desde então se teria firmado como uma nova esfera pública da arte. O recuo da crítica de arte (ao menos nos termos em que a modernidade a forjara) estaria, conforme aduz a autora, crucialmente ligado ao desaparecimento do modo de produção do próprio trabalho de arte tal como se forjara na modernidade. A saída de cena dessa modalidade de escrita ensaística notavelmente influente na arte do século XX estaria ainda associada, conforme conclui a autora, à profissionalização e cerrada institucionalização do ambiente artístico e cultural encetadas naquele período, fatores graças aos quais a produção artística passara a emergir imediatamente para uma nova e onipresente esfera da cultura, com sua constelação lábil e diversificada de novos atores que doravante se introduziam como mediadores entre essa produção e o público.
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O corpo em pedaços – o fragmento como metáfora da modernidade
Originalmente apresentado como conferência e posteriormente editado em formato de livro ilustrado, cuja publicação completou trinta anos em 2024, o texto analisa imagens de diferentes momentos da história ocidental nas quais o fragmento, por meio de estratégias de recorte, mutilação, fracionamento e separação, expressa a experiência da perda de totalidade e da desagregação. Linda Nochlin investiga os efeitos da modernidade sobre a representação do corpo e da subjetividade, desde a desintegração da tradição artística da Antiguidade, passando pelos processos modernos de fragmentação, até a desestabilização da ideia de um sujeito unificado e de identidades de gênero inequívocas nas linguagens artísticas das décadas de 1970 e 1980.
(c) Copyright Leonardo Nones; Linda Nochlin 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
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Da heterogeneidade à hegemonia: a arte dos Estados Unidos nas primeiras Bienais de São Paulo
Este artigo investiga a participação dos Estados Unidos nas duas primeiras edições da Bienal de São Paulo, analisando a relação entre arte, política e diplomacia cultural no contexto da Guerra Fria. O texto examina as estratégias de promoção da arte norteamericana, destacando o papel do Museum of Modern Art (MoMA) na organização e curadoria, bem como a atuação da United States Information Agency (USIA) e de Nelson Rockefeller. Por meio de fontes primárias, explora as dinâmicas e tensões entre autonomia artística e interesses geopolíticos do governo dos Estados Unidos. Nesse contexto, a Bienal funcionou como palco crucial para a diplomacia cultural americana, projetando uma imagem de liderança na arte contemporânea e promovendo valores de liberdade e inovação. Em suma, a Bienal consolidou-se como um espaço estratégico para a arte e a construção de alianças, mas também de disputa e negociação de significados.
(c) Copyright Dária Jaremtchuk 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O senso de realidade e o virtual no diálogo entre Vilém Flusser e o pintor Samson Flexor
O artigo tematiza o diálogo entre Vilém Flusser (1920-1991) e o pintor romeno-francobrasileiro Samson Flexor (1907-1971). Procura trabalhar o senso de realidade, o campo virtual e a latência de figuras relativas a tal diálogo em outros momentos da produção flusseriana. Tais conceitos (senso de realidade, virtual e latência) são discutidos com apoio nas obras de Hans Ulrich Gumbrecht, Paul Zumthor, Aby Warburg e do próprio Flusser. Os autores do artigo valem-se de montagens texto-visuais e do estilo ensaístico, uma vez que adotam a “proxêmica” flusseriana como método de pesquisa em História da Arte. São apresentadas passagens de ensaios de Flusser sobre Flexor, datados de 1967 a 1972, e imagens do acervo familiar do pintor.
(c) Copyright Erick Felinto, Mario Cascardo 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
In this essay, I explore the forms of education, government, and socialization of children and teenagers in the post-apocalyptic TV show The Walking Dead. I use the concepts of complex narrative, necropolitics, and unconscious/desiring-production to answer the following question: how does our collective unconscious imagine the problem of government and socialization of children and teenagers for the end of the world? The inquiry points to a pedagogy of image centered on economic rationality, an identification between war and politics, in which the survival of communities depends on the physical elimination of others.
(c) Copyright Lou Guimarães Leão Caffagni 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este ensaio analisa o apagamento e a restauração da figura de Bélizaire, jovem negro retratado por Jacques Amans em 1837. Com base em tratados artísticos do século XIX e leituras críticas contemporâneas, discute-se a lógica estética e ideológica da invisibilidade racial na pintura de costumes do Sul dos Estados Unidos.
(c) Copyright Luiz Armando Bagolin, Magali Reis 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O machado esquece, a árvore recorda: arte, alegoria e ancestralidade na produção de Denis Moreira
A partir da reflexão sobre a obra Manuel Querino Dan (2024), do jovem artista paulista Denis Moreira, o texto propõe um estudo sobre a produção de Moreira tendo como diretrizes, por um lado, determinados aspectos da arte afrodiaspórica no Brasil e, por outro, a utilização por parte de artistas contemporâneos de procedimentos alegóricos para a produção de suas obras.
(c) Copyright Tadeu Chiarelli 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La puissance de lancer des mondes dans le monde : corps insurgés et le régime esthétique des arts selon Rancière
Cet article revisite le concept de régime esthétique des arts de Jacques Rancière et cherche à discuter ses potentialités et ses limites en ce qui concerne le débat, de plus en plus présent dans l’art contemporain, sur l’affirmation des identités. Alors que l’expérience esthétique émancipe en redistribuant le sensible, sa promesse d’universalité rencontre des limites historiques, notamment pour les femmes et les sujets marginalisés. Des corps qui ont été plus des personnages que des auteures cherchent désormais à s’insérer dans le canon, ou plutôt, à le déplacer et à le multiplier. Nous souhaitons repenser le lien entre esthétique et politique en intégrant les dilemmes éthiques contemporains, sans pour autant réduire l’art à une fonction représentative.
Jacques Rancière ; Esthétique ; Politique ; Féminisme
(c) Copyright Luiz Camillo Osorio, Lucia Barros 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
"Travail d'indien" à la 13e Biennale de São Paulo ? Aritana Yawalapíti dans la Sala Xingu Terra (1975)
Com a recente virada representacional efetuada nos espaços expositivos de arte, a Sala Xingu Terra (1975) tornou-se referência constante, embora nunca aprofundada, por configurar a primeira presença indígena em uma Bienal de São Paulo. O cruzamento de fontes arquivísticas, bibliográficas e entrevistas realizadas pela autora buscou suprir essa lacuna ao traçar um percurso historiográfico crítico, cuja ênfase recai sobre a construção da presença indígena naquele evento, bem como sobre o estatuto artístico das produções indígenas frente ao corpus consolidado da arte ocidental. Alterações paradigmáticas — tanto no regime de autoria quanto no regime de representação — convocam a uma leitura a contrapelo da participação de Aritana Yawalapíti na 13ª Bienal, que ocorreu sob chave tutelar e foi marcada por ambiguidades e alianças afetivas.
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O método errático: uma conversa com João Luiz Musa sobre a sua prática artística e o ensino da fotografia na universidade
João Luiz Musa (1951, São Paulo, Brasil) é uma referência para a fotografia latino-americana. Sua atuação intelectual une prática, teoria e ensino. Como fotógrafo e professor, contribuiu na formação de gerações de profissionais e pesquisadores. Na Universidade de São Paulo, estabeleceu os laboratórios de fotografia analógica e digital, criou os currículos para disciplinas de fotografia e coordena o Grupo de Pesquisa de Impressão Fotográfica. Expôs seu trabalho em museus, galerias e publicou inúmeros livros. Na entrevista, realizada em 2024 por Lucas Eskinazi e Marcelo Schellini, Musa faz reflexões sobre a sua trajetória como artista, a linguagem fotográfica e seu ensino na Universidade, os conflitos em manter a prática artística e a docência e os desafios da transmissão do conhecimento.
(c) Copyright Lucas Eskinazi, Marcelo Schellini 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Coreografias da crítica na 35ª Bienal de São Paulo
A partir da discussão introdutória do conceito comumente chamado de “era das bienais” e das peculiaridades da forma-bienal contemporânea, o artigo volta-se à 35ª Bienal de São Paulo, Coreografias do impossível, de 2023, com o objetivo de investigar alguns dos principais elementos disseminados pela concepção, estrutura e organização da bienal que apresentam uma pretensão à criticidade. Visamos caracterizar, em suas grandes linhas, o conceito e o alcance desses componentes para a formatação da crítica no contexto dessa bienal (e, no limite, da própria forma-bienal contemporânea em geral).
(c) Copyright Daniel Pucciarelli, Fernando Tôrres Pacheco 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O texto apresenta a trajetória da artista Iole de Freitas desde os anos 1960, destacando suas experimentações em body art, vídeo e fotografia, seu envolvimento com movimentos feministas, bem como suas reflexões sobre a inseparabilidade entre arte e ética e seu papel na transformação social.
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Transcrição da fala de Ronaldo Brito no seminário Arte no Brasil 1970-2020: deslocamentos da crítica e da história da arte, realizado no Museu de Arte do Rio, em 8 de maio de 2024. O texto levanta importantes questões a respeito da atual situação da arte e da crítica de arte com a ascensão das mídias digitais e informacionais e a representação de marcadores sociais que problematizam os discursos hegemônicos da cultura ocidental. O autor discute as transformações da experiência artística e da noção de opinião pública no mundo globalizado, e destaca a noção de consciência histórica diretamente associada à crítica.
(c) Copyright Ronaldo Brito 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Em duplo eixo: entre a sensação e o conceito
Tomando como referência algumas questões colocadas em minha entrevista no livro O Papel da Crítica na Formação de um Pensamento Contemporâneo de Arte no Brasil na Década de 1970 (2023), porém em conexão direta com a posição desenvolvida enquanto artista nas últimas décadas, problemas da crítica e da teoria da arte serão aqui organizados a partir das relações concretas e materiais envolvidas na produção dos trabalhos, sob a perspectiva de uma ação que é ao mesmo tempo sensorial e conceitual. Serão desdobrados, entre outros tópicos: as relações entre problemas do circuito de arte dos anos 1970 e 1980; o “desaparecimento” do crítico frente ao curador; as mutações do circuito de arte no final do século XX e início do século XXI; e o investimento em uma imagem do artista que compreende esse agente como além do mero produtor de obras de arte.