Revista del Programa de Pos-Graduación en Artes Escénicas - Universidad de São Paulo
Universidade de São Paulo. Escola de Comunicações e Artes
El autor se compromete, siempre que publique algún material referente al artículo publicado en la Revistas aSPAs, a mencionar la referida publicación de la siguiente forma: “Este artículo fue publicado originalmente por la Revista aSPAs en su volumen (colocar el volumen), número (colocar el número), en el año (colocar el año) y puede accederse a él en: http://revistas.usp.br/aspas ”
Trans[cena]: registrar para vislumbrarmos o que sempre esteve
Isto é um homem de verdade (2024), Homem Mato (2025), Mato Mastec (2025), Testostileno (2025)
La escritura cuerpo-mar como forma bixa de abandonarse en las artes escénicas
Los meandros de la investigación en artes escénicas plantean interrogantes al modo más tradicional de hacer en las academias; a su vez, las travas, bixas, sapas, boystrans y personas no binarias cuestionan las maneras de producir e investigar las artes escénicas. Este texto, que formó parte de mi trabajo de fin de grado en la licenciatura en teatro, hace presentes algunas de estas cuestiones en una escritura incómoda y extrañada. ¿Qué puede decir mi cuerpo bixa‑trans sobre el hacer investigación en artes escénicas? Posiblemente, nada. No obstante, hay algo por inventar por nosotres.
¿Se puede traducir un monstruo? Diálogos imagéticos sobre lo más-que-humano
¿Se puede traducir a un monstruo? Con esta pregunta comenzamos este breve ensayo, con la esperanza no de responderla, sino de imaginarla. Al reivindicar su derecho a ser un monstruo, la poeta trans sudaca Susy Shock parece cuestionar un ideal de humanidad promulgado por el humanismo, por los ideales de la antropología evolucionista, que establece la figura del Humano como la cúspide de la civilización. Traducir a un monstruo, entonces, no sería posible. Mientras que el lenguaje humano aspira a la totalidad – traducir todo –, ¿pueden ser traducibles los lenguajes monstruosos, o más-que-humanos?
Trávicas: corpas travestis, tragedia griega y una travecametodología devoradora de clásicos
El presente texto busca recorrer, registrar, transitar y elaborar el proceso de construcción del espectáculo Volúpia II. Tres actrices travestis protagonizan la obra, en la cual transitan por diferentes personajes de la mitología griega para contar la historia de Elena de Troya. El espectáculo tensiona el lenguaje trágico y griego con los cuerpos travestis y latinos de las actrices. ¿Cuáles son los posibles desdoblamientos de este encuentro? ¿Es posible un abordaje decolonial de un lenguaje que se ha vuelto hegemónico? ¿Se encuentran nuevos sentidos en los mitos cuando son enunciados por corporalidades destejidas de los hilos de la historia?
La fuerza colectiva de las travestis termitas: conversación con Anastasia María Benavente
Una conversación transfronteriza entre dos travestis sobre estrategias de supervivencia y construcción de futuro. Como travestis termitas, la táctica es actuar desde adentro. Desde la lengua hasta los archivos. Como arañas, tejemos nuevas redes, inventamos códigos y lenguajes, construimos memorias colectivas y alianzas afectivas. Nuestra fuerza está en la acción colectiva como único futuro posible.
Coreografías de género y prácticas de subversión: notas sobre la no binariedad y la improvisación en danza
Este artículo aborda la cisnormatividad a partir del concepto de coreografía, entendida como una lógica de organización de los cuerpos y las subjetividades. A partir de las contribuciones de Judith Butler sobre la performatividad de género y en diálogo con los debates contemporáneos del campo de la danza, propone comprender la cisnormatividad como un régimen social coreográfico que produce géneros inteligibles mediante la reiteración normativa. Sustentado en la epistemología de la Práctica como Investigación y articulando experiencias de improvisación en danza con la vivencia de la no binariedad, el artículo aproxima la improvisación y la no binariedad como prácticas de subversión de ese orden. Finalmente, sostiene que la noción de coreografía puede describir materialmente los procesos de producción normativa del género, poniendo de relieve el potencial analítico de las prácticas de la danza para pensar la constitución contemporánea de las subjetividades.
No doramos la píldora, contaminamos los espacios: un diálogo con Dance With Me, de Élle de Bernardini
Este artículo dialoga con la performance Dance With Me, de Élle de Bernardini, a partir de la noción de “mecanismos de aceptación y rechazo” elaborada por la propia artista. Al analizar cómo la obra negocia su inserción en instituciones artísticas, sostengo que la performance opera como agente múltiple, movilizando críticamente estrategias de pasabilidad y blanquitud, así como dinámicas de transplay, para tensionar las condiciones de hospitalidad institucional. En este movimiento, la obra interviene en la distribución de lo sensible, no solo mediante una redistribución de identidades, sino también mediante una redistribución de la violencia. El artículo forma parte de una investigación más amplia sobre prácticas artísticas de personas trans* brasileñas desde la década de 2010, que perturban normas de espacialidad y contaminan los espacios institucionales.
Un personaje, dos actores: la construcción del personaje Fanon a partir de la ontología travesti en la performance Piel Negra, máscaras blancas
Este artículo examina la performatividad del cuerpo Travesti negro y/o racializado, marcada por el fenómeno del anti-negro, desarrollando una perspectiva político-racial contemporánea para analizar y comprender la dinámica racial del mundo actual. Utilizando una investigación autoetnográfica como método de investigación académica y artística, mi objeto de análisis es mi experiencia en la creación del personaje Fanon en la obra teatral Piel Negra, máscaras blancas (2019), basada en el libro homónimo de Frantz Fanon y dirigida por Onisajé. Este artículo, por lo tanto, presenta un estudio centrado en una investigación artístico-política a través del prisma de la travestilidad para comprender el movimiento de disidentes de género racializados dentro del campo de las artes. También busca generar nuevos discursos sobre la producción escénica en los que los cuerpos trans y Travestis se movilizan para generar otras experiencias estéticas, aún no convencionales, en las artes escénicas.
Aberracirco: dramaturgias trans freak en la construcción de mundos (im)posibles
¿Es posible construir otros imaginarios sem ser aplastade por el lastre histórico, económico y social de la colonización? Partiendo de esta pregunta, discuto producciones dramatúrgicas de artistas circenses trans brasileires a partir de lo que denominé aberracirco, es decir, prácticas contemporáneas de circo freak. Analizo, en particular, Cabaret Delirium, un espectáculo escénico de variedades concebido por Lua Marques, artista no binarie, y realizado en Desterro en el período entre 2025 y 2026. En diálogo con Jota Mombaça, Donna Haraway, Isadora Ravena, Lucas Dilacerda y Frantz Fanon, examino cómo estas fabulaciones aberrantes desafían las nociones de humanidad, civilización y los límites de lo posible.
El nombre como travesía: cuirizar el lenguaje en escena
Este artículo investiga la práctica de cuirizar el lenguaje como operación estética y política en la escena contemporánea. Partiendo de la noción del nombre como tecnología histórica de separación y jerarquización, propone desplazarlo hacia el campo de la travesía, donde significante y significado dejan de coincidir de manera estable. Desde un enfoque teórico-práctico que articula reflexión conceptual y experimentación artística, se analizan tácticas como la improvisación, la repetición y el détournement. Se sostiene que la escena puede operar como un laboratorio de inestabilidad semántica, en el que el cuerpo tensiona y reinscribe regímenes de inteligibilidad.
As artes da cena e os movimentos abolicionistas: pedagogias libertárias e espaços de imaginação política
Derechos de autor 2025 Nailanita Prette, Murilo Gaulês, Ashley Lucas, Vicente Concíio, Walidah Imarisha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O fim da fúria – um Pantera Negra na prisão promove um acerto de contas: a história de Russell Maroon Shoatz
Em 2014, na Pensilvânia, Estados Unidos (EUA), Russell Maroon Shoatz foi transferido de seu confinamento na solitária, após 22 anos consecutivos, para se juntar à população carcerária geral. Isto é 21 anos e 50 semanas a mais do que a duração da pena que os Estados Unidos consideram como tortura. Tendo passado tanto tempo em um espaço pequeno, ele contraiu problemas para caminhar e não podia subir as escadas para acessar a cantina. Ele se sentiu impactado pelas outras pessoas, de cuja presença ele sentiu uma desesperada falta por todos aqueles anos. Conhecido por seus apoiadores dentro e fora da prisão como um líder da liberdade negra, ele agora encontrava dificuldades físicas para ficar de pé. O fato de ele estar vivo era mais do que muitos, que o consideravam um assassino de policiais, queriam: acreditavam que sua punição deveria ter sido a morte.
Derechos de autor 2025 Ashley Lucas; Nícolas de Cordova Dorvalino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este ensayo propone una reflexión poético-teórica, a partir de la experiencia, sobre la potencia estética, política y epistemológica de la palabra capenga (algo parecido a cojo, renqueante o torcido). Teniendo como metodología de investigación la práctica artística, se busca desmenuzar y ampliar los significados de la palabra, convirtiéndola en un campo de creación que produce Danza Contemporánea – una danza que tropieza titubea, desconcierta, y que enfrenta la noción de la capacidad corporal obligatoria que aún impera en la propia Danza Contemporânea. Un experimento de escritura capenga. Un relato de cómo lo ordinario puede convertirse en una investigación de lenguaje. Un intento de traducir el afecto que se tiene por una palabra.
Derechos de autor 2025 Estela Lapponi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cultura DEF e acessibilidade nas artes da cena
Derechos de autor 2025 Amanda Justamante Handel Schmitz, Anna Theresa Kühl, Carlos Alberto Ferreira da Silva, Cintia Alves, João Paulo de Oliveira Lima, Luiza Marcato Camargo de Sousa, Marcia Berselli, Marie Araújo Auip, Rosa Adelina Sampaio Oliveira, Thais Ponzoni dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Arte em tempos ruidosos: diálogos entre as artes da cena e a democracia
Derechos de autor 2024 Adriana Perrella Matos, Douglas Ricci Rosa, Maíra do Nascimento https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Trans-themonización: crear en mutación, cuidar en permanencia
Se propone la trans-themonización como método de creación que altera el proceso creativo y sostiene un espacio de cuidado para cuerpos trans en la escena amazónica. Con autoetnografía, práctica-como-investigación y documentación pública, describo procedimientos (pactos, tiempos, autoría compartida, protocolos de lenguaje y mediación) que reorganizan ensayo, (des)montaje, curaduría y circulación. En una sección específica, presento criterios de descentralización (territorio, circulación, gobernanza) para demostrar la vanguardia sin folclorizar, con rigor metodológico y compromiso ético.
Estética del oprimido y pedagogía de la liberación: el teatro como resistencia en el sistema socioeducativo
Este informe de experiencia presenta una intervención teatral con adolescentes que cumplen medidas socioeducativas en régimen cerrado, con el foco en la prevención del suicidio y la crítica al sistema punitivo. La propuesta se basó en el teatro del oprimido, de Augusto Boal, y en la pedagogía del oprimido, de Paulo Freire, mediante la articulación de prácticas estéticas y pedagógicas libertarias. A partir de la puesta en escena de El Mago de Oz, se trabajaron temas generadores que permitieron la expresión simbólica del sufrimiento, la reflexión crítica y la valorización de saberes marginalizados. La metodología incluyó encuentros semanales con círculos de diálogo, actuaciones y análisis colectivo de escenas, promoviendo el protagonismo juvenil y la imaginación política. La experiencia se inscribe en el campo de las artes escénicas como práctica abolicionista y de resistencia a la lógica del encierro.
Derechos de autor 2025 Guadalupe Rodrigues Braga, Janaína Bastos dos Santos, Adriana de Souza Medeiros Batista https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La construcción de una poética abolicionista mediante un atentado como lenguaje: el trabajo de la CiA dXs TeRrOrIsTaS con mujeres trans y travestis sobrevivientes del encierro
Este artículo forma parte de la investigación de Maestría en Artes Escénicas Teatro e cárcere: a dimensão pública da obra da CiA dXs TeRrOrIsTaS, realizada en la Escuela de Música y Artes Escénicas de la Universidad Federal de Goiás (Brasil). A partir del pensamiento abolicionista respaldado por Angela Davis y de la noción de precariedad abordada por la filósofa estadounidense Judith Butler, se propone reflexionar sobre qué caracteriza, en pleno siglo XXI, a una compañía abolicionista penal en Brasil y cómo el trabajo abolicionista se manifiesta en las creaciones artísticas de la CiA dXs TeRrOrIsTaS, en especial en la remontaje de la obra teatral Anjos de Cara Suja: o sol é ou deveria ser para todas.
Derechos de autor 2025 Thaisa Schmaedecke https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Performance Negrotério: 25 años de la masacre de Carandiru
El objetivo de este artículo es analizar cómo la experiencia performática puede activar memorias traumáticas del episodio conocido como la Masacre de Carandiru (1992), que culminó con la muerte de al menos 111 hombres encarcelados. Por eso, se explora el concepto de necropolítica, de Achille Mbembe, y la discusión sobre la transmisión de la memoria traumática a través de la performance investigada por Diana Taylor. A continuación, se analiza Negrotério: 25º Aniversario de la Masacre de Carandiru (2017), creada por el colectivo Coletiva Preta Performance.
Derechos de autor 2025 Rodrigo Severo dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La escalada de los muros de la prisión: un estudio de caso de There are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson
Desarrollado a partir de una investigación independiente impulsada por un encuentro fortuito con la obra de la performer estadounidense Rhodessa Jones, este ensayo tiene como objetivo realizar un estudio de caso sobre la obra There Are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson, presentada por el colectivo teatral estadounidense The Medea Project: Theater for Incarcerated Women en 1992, bajo la dirección de Rhodessa Jones. La representación fue la primera de una serie de trabajos teatrales creados por el colectivo de artistas amateur, todas ellas mujeres negras jóvenes que, en ese momento, cumplían condenas en el San Francisco County Jail, en California. Al examinar los orígenes y el proceso de fundación de The Medea Project, se explora cómo esta obra en particular aborda temas cruciales para comprender las intersecciones entre el arte y la realidad sociohistórica; el teatro entendido como un locus privilegiado de contrapunto utópico frente a los mecanismos sociales de vigilancia y castigo; y el teatro contrahegemónico como espacio instaurador de reflexiones y posicionamientos críticos en torno a la libertad, la raza y la clase.
Derechos de autor 2025 Patricia Freitas dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Entre muros y actos: el mapeo de dramaturgias brasileñas para fisurar la cárcel
Este trabajo investiga las intersecciones entre teatro y cárcel, y busca encontrar medios, a partir del análisis de cuatro diferentes dramaturgias brasileñas, para fisurar los muros del régimen penitenciario mediante el arte. También propone el uso del teatro como práctica liberadora a partir de la ficción visionaria de Walidah Imarisha. Con base en un análisis bibliográfico, se analiza el uso de la palabra como arma potente que rompe el sistema de (in)justicia y encuentra nuevas posibilidades de mundos.
Derechos de autor 2025 Pietra Bonet, Ianna Nogueira, Caroline Vetori https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Acto-espectáculo musical Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos: la política genocida del Estado, el encarcelamiento masivo y los movimientos sociales en escena
Este texto propone abordar temas y dinámicas del proceso creativo del montaje Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos, dirigido por Rogério Tarifa, que se representó en 2017 en el Teatro Laboratorio de la Universidad de São Paulo (USP). Se establecen aproximaciones con el teatro épico y las piezas didácticas de Bertolt Brecht, así como con la propuesta del proceso creativo en red, de Cecilia Almeida Salles. La temática central discute el sistema carcelario y las políticas genocidas del Estado, en relación directa con el encarcelamiento masivo y el exterminio de la población negra y periférica en Brasil. El montaje fue realizado en la Escuela de Arte Dramático de la USP, con estudiantes egresados de la Clase 66, y contó con la colaboración y participación de representantes del movimiento social Mães em Luto da Zona Leste y del grupo Mulheres Livres, originado en el Proyecto Voz Propia liderado por la cantante y profesora Carmina Juarez –proyecto en el que participaron más de 200 mujeres privadas de libertad en la penitenciaría femenina de la capital. Este texto también propone demostrar cómo las Artes Escénicas pueden fortalecer acciones, debates y transformaciones radicales que apoyan a personas que han estado o habían pasado por el sistema de justicia penal, así como a quienes han perdido seres queridos por la violencia armada del Estado.
Derechos de autor 2025 Raquel Parras, Walmick de Holanda https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Parodias en silencio: murmuraciones de las madres privadas de libertad en Pernambuco
Este artículo explora la experiencia teatral en la Colonia Penal de Mujeres de Recife como enfoque pedagógico para emancipar el sufrimiento de la maternidad en prisión. A partir de entrevistas semiestructuradas, observación participante y análisis documental, presenta un estudio de caso: la puesta en escena de la obra Vozes de mães privadas de liberdade. Revela que el teatro constituye una fisura en la estructura penitenciaria, aunque requiere inversión para expandir su potencial no reformista y transformador en el sistema penitenciario de Pernambuco.
Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires
Derechos de autor 2025 Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires, Raquel de Aragão Uchôa Fernandes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cuando a buenos programas les pasan cosas malas
Cuando se trata de la educación en artes carcelarias, la investigación académica resalta lo positivo: cursos de escritura creativa, talleres de teatro y programas de música son herramientas altamente efectivas y aparentemente libres de problemas que ayudan a guiar a las personas encarceladas hacia la rehabilitación y la reintegración. En realidad, los beneficios de los programas de arte en prisiones a menudo se ven minados por los numerosos obstáculos, reveses y retos que encuentran en la práctica. Si bien los resultados finales de su trabajo benefician a las personas encarceladas, muchos educadores artísticos en prisiones no reciben apoyo o remuneración y son invisibles para la comunidad en general. Esta investigación analiza a los diligentes y compasivos creadores de programas de arte carcelario en Canadá y alrededor del mundo para tratar de aprender cómo programas que son buenos no siempre pueden hacer el bien.
Derechos de autor 2025 Aimee Copping https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pedagogías libertarias en el encarcelamiento: ¿es posible educar hacia la libertad en espacios de privación de libertad?
Este artículo analiza los límites y las posibilidades de implementar prácticas pedagógicas libertarias en contextos de privación de libertad. A partir de una revisión sistemática de la literatura, se investiga cómo las prácticas educativas y culturales desarrolladas en el sistema penitenciario brasileño funcionan simultáneamente como estrategias de resistencia y como mecanismos de control. Los resultados demuestran que la efectividad de una educación emancipadora en la prisión está condicionada a su articulación con perspectivas abolicionistas y a la superación de las estructuras que sustentan la lógica punitiva.
Derechos de autor 2025 Tiago Negrão de Andrade, Maria Cristina Gobbi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Corralito PCD: reflexiones sobre la paradoja de la inclusión en las acciones culturales
Este artículo aborda la paradoja de la inclusión de personas con discapacidad en las acciones públicas y políticas institucionales internas de los equipamientos culturales. La accesibilidad en el sector, a menudo, se limita a espacios aislados y estereotipados, aquí denominados “Cercadinho PCD” (Corralito PCD). La historia de la discapacidad implica la exclusión e imposiciones hegemónicas que perpetúan estereotipos e impiden la participación plena en diversos ámbitos sociales. La accesibilidad cultural requiere la deconstrucción de narrativas normativas y la valoración de las experiencias y contribuciones de las personas con discapacidad en las artes, una interpretación crítica sobre los modelos de inclusión en vigor.
Derechos de autor 2025 Claudio Rubino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Espejos rotos y escenarios de resistencia: arte escénico, subjetividad y crítica al sistema penal a partir de O Espelho, de Machado de Assis
Este artículo explora la intrincada relación entre identidad, sistema penal y el potencial transformador de las artes escénicas, partiendo del cuento O Espelho: Esboço de uma nova teoria da alma humana, de Machado de Assis. La teoría de Jacobina sobre las “dos almas” –una interior y otra exterior, validada por el reconocimiento social– sirve como metáfora para comprender cómo se construye y puede desmantelarse la subjetividad, particularmente en el contexto carcelario. La prisión, actuando frecuentemente como un espejo deformante, niega sistemáticamente la individualidad y fragmenta el yo. En contraste, este trabajo argumenta que las artes escénicas (teatro y performance) en establecimientos penitenciarios pueden funcionar como “espejos críticos” y “escenarios de (re)existencia”. A partir del análisis de proyectos artísticos en Brasil y en otros países, junto con el diálogo con teóricos como Foucault, Mbembe, Ben-Moshe, Freire, hooks, Lucas y Nascimento, este estudio analiza cómo estas prácticas permiten a los individuos encarcelados desafiar narrativas estigmatizantes, reescribir sus propias historias y reconstruir sus subjetividades. El objetivo central es demostrar que las artes escénicas, cuando están imbuidas de pedagogías libertarias, pueden trascender el mero pasatiempo para convertirse en un acto político y existencial de resistencia, humanización y crítica social, y fomentar la descolonización de la mirada y la reivindicación de la plena humanidad dentro y fuera de los muros de la prisión. Este artículo concluye con la importancia de invertir en prácticas artísticas y pedagógicas que busquen no solo la “resocialización”, sino una transformación fundamental del sistema de justicia criminal hacia una sociedad más justa y menos punitiva.
Derechos de autor 2025 Felipe Barnabé Batista, Armando Soares de Castro Formiga, Jéssica Painkow Rosa Cavalcante https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Rutas de un barco a la deriva: la ética del cuidado en la performance del dolor
Basado en la experiencia de un cuerpo que, al moverse, es interrumpido por el dolor, este artículo analiza cómo el teatro contemporáneo aborda la vulnerabilidad del cuerpo en escena y los efectos desencadenados por su expectación. Para ello, emplea la alegoría de la nave de los locos, relatada en el Libro VI de la República, de Platón, como una metáfora para reflexionar sobre la escena. Dado que el impacto es una sensibilidad arraigada en la experiencia sensorial contemporánea, este artículo cuestiona cómo la fascinación por la performance del cuerpo en dolor en escena pone en riesgo la espectacularización del dolor, lo que puede llevar a la apatía del espectador. Para abordar este dilema, se propone una ética del cuidado que transforme la experiencia de expectación más allá del impacto.
Derechos de autor 2025 Giovanna Galisi Paiva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
El conocimiento invidente de la plasticidad: hacia una pedagogía del exceso
Este artículo propone reflexionar sobre la enseñanza de las visualidades en el teatro a partir de la experiencia pedagógica con Anchieta de Carvalho, estudiante ciego. Su presencia desafía los paradigmas visuales hegemónicos en las artes y revela el potencial de la ceguera como una fuerza creativa y crítica. Este texto cuestiona la centralidad de la visión en la pedagogía teatral y propone el concepto de plasticidad como una alternativa sensible, multisensorial e inclusiva al de visualidad. La plasticidad se entiende como un saber corporal, táctil y situacional, que se manifiesta en la relación entre cuerpo, espacio y espectador. Se critica la rigidez institucional de las definiciones tradicionales de las artes visuales y se defiende una pedagogía del exceso, orientada hacia lo sensible. La relación entre la enseñanza de la escenografía y Anchieta de Carvalho encarna esa plasticidad expandida como metodología. Este artículo propone una mirada ciega, que implica una percepción más allá de la visión. Se trata, en definitiva, de una defensa de pedagogías inclusivas y excesivas como potencia estética y epistemológica.
Derechos de autor 2025 Diego Landin, Anchieta de Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0