Revista del Programa de Pos-Graduación en Artes Escénicas - Universidad de São Paulo
Universidade de São Paulo. Escola de Comunicações e Artes
El autor se compromete, siempre que publique algún material referente al artículo publicado en la Revistas aSPAs, a mencionar la referida publicación de la siguiente forma: “Este artículo fue publicado originalmente por la Revista aSPAs en su volumen (colocar el volumen), número (colocar el número), en el año (colocar el año) y puede accederse a él en: http://revistas.usp.br/aspas ”
As artes da cena e os movimentos abolicionistas: pedagogias libertárias e espaços de imaginação política
Derechos de autor 2025 Nailanita Prette, Murilo Gaulês, Ashley Lucas, Vicente Concíio, Walidah Imarisha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O fim da fúria – um Pantera Negra na prisão promove um acerto de contas: a história de Russell Maroon Shoatz
Em 2014, na Pensilvânia, Estados Unidos (EUA), Russell Maroon Shoatz foi transferido de seu confinamento na solitária, após 22 anos consecutivos, para se juntar à população carcerária geral. Isto é 21 anos e 50 semanas a mais do que a duração da pena que os Estados Unidos consideram como tortura. Tendo passado tanto tempo em um espaço pequeno, ele contraiu problemas para caminhar e não podia subir as escadas para acessar a cantina. Ele se sentiu impactado pelas outras pessoas, de cuja presença ele sentiu uma desesperada falta por todos aqueles anos. Conhecido por seus apoiadores dentro e fora da prisão como um líder da liberdade negra, ele agora encontrava dificuldades físicas para ficar de pé. O fato de ele estar vivo era mais do que muitos, que o consideravam um assassino de policiais, queriam: acreditavam que sua punição deveria ter sido a morte.
Derechos de autor 2025 Ashley Lucas; Nícolas de Cordova Dorvalino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este ensayo propone una reflexión poético-teórica, a partir de la experiencia, sobre la potencia estética, política y epistemológica de la palabra capenga (algo parecido a cojo, renqueante o torcido). Teniendo como metodología de investigación la práctica artística, se busca desmenuzar y ampliar los significados de la palabra, convirtiéndola en un campo de creación que produce Danza Contemporánea – una danza que tropieza titubea, desconcierta, y que enfrenta la noción de la capacidad corporal obligatoria que aún impera en la propia Danza Contemporânea. Un experimento de escritura capenga. Un relato de cómo lo ordinario puede convertirse en una investigación de lenguaje. Un intento de traducir el afecto que se tiene por una palabra.
Derechos de autor 2025 Estela Lapponi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cultura DEF e acessibilidade nas artes da cena
Derechos de autor 2025 Amanda Justamante Handel Schmitz, Anna Theresa Kühl, Carlos Alberto Ferreira da Silva, Cintia Alves, João Paulo de Oliveira Lima, Luiza Marcato Camargo de Sousa, Marcia Berselli, Marie Araújo Auip, Rosa Adelina Sampaio Oliveira, Thais Ponzoni dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Arte em tempos ruidosos: diálogos entre as artes da cena e a democracia
Derechos de autor 2024 Adriana Perrella Matos, Douglas Ricci Rosa, Maíra do Nascimento https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Estética del oprimido y pedagogía de la liberación: el teatro como resistencia en el sistema socioeducativo
Este informe de experiencia presenta una intervención teatral con adolescentes que cumplen medidas socioeducativas en régimen cerrado, con el foco en la prevención del suicidio y la crítica al sistema punitivo. La propuesta se basó en el teatro del oprimido, de Augusto Boal, y en la pedagogía del oprimido, de Paulo Freire, mediante la articulación de prácticas estéticas y pedagógicas libertarias. A partir de la puesta en escena de El Mago de Oz, se trabajaron temas generadores que permitieron la expresión simbólica del sufrimiento, la reflexión crítica y la valorización de saberes marginalizados. La metodología incluyó encuentros semanales con círculos de diálogo, actuaciones y análisis colectivo de escenas, promoviendo el protagonismo juvenil y la imaginación política. La experiencia se inscribe en el campo de las artes escénicas como práctica abolicionista y de resistencia a la lógica del encierro.
Derechos de autor 2025 Guadalupe Rodrigues Braga, Janaína Bastos dos Santos, Adriana de Souza Medeiros Batista https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La construcción de una poética abolicionista mediante un atentado como lenguaje: el trabajo de la CiA dXs TeRrOrIsTaS con mujeres trans y travestis sobrevivientes del encierro
Este artículo forma parte de la investigación de Maestría en Artes Escénicas Teatro e cárcere: a dimensão pública da obra da CiA dXs TeRrOrIsTaS, realizada en la Escuela de Música y Artes Escénicas de la Universidad Federal de Goiás (Brasil). A partir del pensamiento abolicionista respaldado por Angela Davis y de la noción de precariedad abordada por la filósofa estadounidense Judith Butler, se propone reflexionar sobre qué caracteriza, en pleno siglo XXI, a una compañía abolicionista penal en Brasil y cómo el trabajo abolicionista se manifiesta en las creaciones artísticas de la CiA dXs TeRrOrIsTaS, en especial en la remontaje de la obra teatral Anjos de Cara Suja: o sol é ou deveria ser para todas.
Derechos de autor 2025 Thaisa Schmaedecke https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Performance Negrotério: 25 años de la masacre de Carandiru
El objetivo de este artículo es analizar cómo la experiencia performática puede activar memorias traumáticas del episodio conocido como la Masacre de Carandiru (1992), que culminó con la muerte de al menos 111 hombres encarcelados. Por eso, se explora el concepto de necropolítica, de Achille Mbembe, y la discusión sobre la transmisión de la memoria traumática a través de la performance investigada por Diana Taylor. A continuación, se analiza Negrotério: 25º Aniversario de la Masacre de Carandiru (2017), creada por el colectivo Coletiva Preta Performance.
Derechos de autor 2025 Rodrigo Severo dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La escalada de los muros de la prisión: un estudio de caso de There are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson
Desarrollado a partir de una investigación independiente impulsada por un encuentro fortuito con la obra de la performer estadounidense Rhodessa Jones, este ensayo tiene como objetivo realizar un estudio de caso sobre la obra There Are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson, presentada por el colectivo teatral estadounidense The Medea Project: Theater for Incarcerated Women en 1992, bajo la dirección de Rhodessa Jones. La representación fue la primera de una serie de trabajos teatrales creados por el colectivo de artistas amateur, todas ellas mujeres negras jóvenes que, en ese momento, cumplían condenas en el San Francisco County Jail, en California. Al examinar los orígenes y el proceso de fundación de The Medea Project, se explora cómo esta obra en particular aborda temas cruciales para comprender las intersecciones entre el arte y la realidad sociohistórica; el teatro entendido como un locus privilegiado de contrapunto utópico frente a los mecanismos sociales de vigilancia y castigo; y el teatro contrahegemónico como espacio instaurador de reflexiones y posicionamientos críticos en torno a la libertad, la raza y la clase.
Derechos de autor 2025 Patricia Freitas dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Entre muros y actos: el mapeo de dramaturgias brasileñas para fisurar la cárcel
Este trabajo investiga las intersecciones entre teatro y cárcel, y busca encontrar medios, a partir del análisis de cuatro diferentes dramaturgias brasileñas, para fisurar los muros del régimen penitenciario mediante el arte. También propone el uso del teatro como práctica liberadora a partir de la ficción visionaria de Walidah Imarisha. Con base en un análisis bibliográfico, se analiza el uso de la palabra como arma potente que rompe el sistema de (in)justicia y encuentra nuevas posibilidades de mundos.
Derechos de autor 2025 Pietra Bonet, Ianna Nogueira, Caroline Vetori https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Acto-espectáculo musical Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos: la política genocida del Estado, el encarcelamiento masivo y los movimientos sociales en escena
Este texto propone abordar temas y dinámicas del proceso creativo del montaje Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos, dirigido por Rogério Tarifa, que se representó en 2017 en el Teatro Laboratorio de la Universidad de São Paulo (USP). Se establecen aproximaciones con el teatro épico y las piezas didácticas de Bertolt Brecht, así como con la propuesta del proceso creativo en red, de Cecilia Almeida Salles. La temática central discute el sistema carcelario y las políticas genocidas del Estado, en relación directa con el encarcelamiento masivo y el exterminio de la población negra y periférica en Brasil. El montaje fue realizado en la Escuela de Arte Dramático de la USP, con estudiantes egresados de la Clase 66, y contó con la colaboración y participación de representantes del movimiento social Mães em Luto da Zona Leste y del grupo Mulheres Livres, originado en el Proyecto Voz Propia liderado por la cantante y profesora Carmina Juarez –proyecto en el que participaron más de 200 mujeres privadas de libertad en la penitenciaría femenina de la capital. Este texto también propone demostrar cómo las Artes Escénicas pueden fortalecer acciones, debates y transformaciones radicales que apoyan a personas que han estado o habían pasado por el sistema de justicia penal, así como a quienes han perdido seres queridos por la violencia armada del Estado.
Derechos de autor 2025 Raquel Parras, Walmick de Holanda https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Parodias en silencio: murmuraciones de las madres privadas de libertad en Pernambuco
Este artículo explora la experiencia teatral en la Colonia Penal de Mujeres de Recife como enfoque pedagógico para emancipar el sufrimiento de la maternidad en prisión. A partir de entrevistas semiestructuradas, observación participante y análisis documental, presenta un estudio de caso: la puesta en escena de la obra Vozes de mães privadas de liberdade. Revela que el teatro constituye una fisura en la estructura penitenciaria, aunque requiere inversión para expandir su potencial no reformista y transformador en el sistema penitenciario de Pernambuco.
Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires
Derechos de autor 2025 Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires, Raquel de Aragão Uchôa Fernandes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cuando a buenos programas les pasan cosas malas
Cuando se trata de la educación en artes carcelarias, la investigación académica resalta lo positivo: cursos de escritura creativa, talleres de teatro y programas de música son herramientas altamente efectivas y aparentemente libres de problemas que ayudan a guiar a las personas encarceladas hacia la rehabilitación y la reintegración. En realidad, los beneficios de los programas de arte en prisiones a menudo se ven minados por los numerosos obstáculos, reveses y retos que encuentran en la práctica. Si bien los resultados finales de su trabajo benefician a las personas encarceladas, muchos educadores artísticos en prisiones no reciben apoyo o remuneración y son invisibles para la comunidad en general. Esta investigación analiza a los diligentes y compasivos creadores de programas de arte carcelario en Canadá y alrededor del mundo para tratar de aprender cómo programas que son buenos no siempre pueden hacer el bien.
Derechos de autor 2025 Aimee Copping https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pedagogías libertarias en el encarcelamiento: ¿es posible educar hacia la libertad en espacios de privación de libertad?
Este artículo analiza los límites y las posibilidades de implementar prácticas pedagógicas libertarias en contextos de privación de libertad. A partir de una revisión sistemática de la literatura, se investiga cómo las prácticas educativas y culturales desarrolladas en el sistema penitenciario brasileño funcionan simultáneamente como estrategias de resistencia y como mecanismos de control. Los resultados demuestran que la efectividad de una educación emancipadora en la prisión está condicionada a su articulación con perspectivas abolicionistas y a la superación de las estructuras que sustentan la lógica punitiva.
Derechos de autor 2025 Tiago Negrão de Andrade, Maria Cristina Gobbi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Corralito PCD: reflexiones sobre la paradoja de la inclusión en las acciones culturales
Este artículo aborda la paradoja de la inclusión de personas con discapacidad en las acciones públicas y políticas institucionales internas de los equipamientos culturales. La accesibilidad en el sector, a menudo, se limita a espacios aislados y estereotipados, aquí denominados “Cercadinho PCD” (Corralito PCD). La historia de la discapacidad implica la exclusión e imposiciones hegemónicas que perpetúan estereotipos e impiden la participación plena en diversos ámbitos sociales. La accesibilidad cultural requiere la deconstrucción de narrativas normativas y la valoración de las experiencias y contribuciones de las personas con discapacidad en las artes, una interpretación crítica sobre los modelos de inclusión en vigor.
Derechos de autor 2025 Claudio Rubino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Espejos rotos y escenarios de resistencia: arte escénico, subjetividad y crítica al sistema penal a partir de O Espelho, de Machado de Assis
Este artículo explora la intrincada relación entre identidad, sistema penal y el potencial transformador de las artes escénicas, partiendo del cuento O Espelho: Esboço de uma nova teoria da alma humana, de Machado de Assis. La teoría de Jacobina sobre las “dos almas” –una interior y otra exterior, validada por el reconocimiento social– sirve como metáfora para comprender cómo se construye y puede desmantelarse la subjetividad, particularmente en el contexto carcelario. La prisión, actuando frecuentemente como un espejo deformante, niega sistemáticamente la individualidad y fragmenta el yo. En contraste, este trabajo argumenta que las artes escénicas (teatro y performance) en establecimientos penitenciarios pueden funcionar como “espejos críticos” y “escenarios de (re)existencia”. A partir del análisis de proyectos artísticos en Brasil y en otros países, junto con el diálogo con teóricos como Foucault, Mbembe, Ben-Moshe, Freire, hooks, Lucas y Nascimento, este estudio analiza cómo estas prácticas permiten a los individuos encarcelados desafiar narrativas estigmatizantes, reescribir sus propias historias y reconstruir sus subjetividades. El objetivo central es demostrar que las artes escénicas, cuando están imbuidas de pedagogías libertarias, pueden trascender el mero pasatiempo para convertirse en un acto político y existencial de resistencia, humanización y crítica social, y fomentar la descolonización de la mirada y la reivindicación de la plena humanidad dentro y fuera de los muros de la prisión. Este artículo concluye con la importancia de invertir en prácticas artísticas y pedagógicas que busquen no solo la “resocialización”, sino una transformación fundamental del sistema de justicia criminal hacia una sociedad más justa y menos punitiva.
Derechos de autor 2025 Felipe Barnabé Batista, Armando Soares de Castro Formiga, Jéssica Painkow Rosa Cavalcante https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Rutas de un barco a la deriva: la ética del cuidado en la performance del dolor
Basado en la experiencia de un cuerpo que, al moverse, es interrumpido por el dolor, este artículo analiza cómo el teatro contemporáneo aborda la vulnerabilidad del cuerpo en escena y los efectos desencadenados por su expectación. Para ello, emplea la alegoría de la nave de los locos, relatada en el Libro VI de la República, de Platón, como una metáfora para reflexionar sobre la escena. Dado que el impacto es una sensibilidad arraigada en la experiencia sensorial contemporánea, este artículo cuestiona cómo la fascinación por la performance del cuerpo en dolor en escena pone en riesgo la espectacularización del dolor, lo que puede llevar a la apatía del espectador. Para abordar este dilema, se propone una ética del cuidado que transforme la experiencia de expectación más allá del impacto.
Derechos de autor 2025 Giovanna Galisi Paiva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
El conocimiento invidente de la plasticidad: hacia una pedagogía del exceso
Este artículo propone reflexionar sobre la enseñanza de las visualidades en el teatro a partir de la experiencia pedagógica con Anchieta de Carvalho, estudiante ciego. Su presencia desafía los paradigmas visuales hegemónicos en las artes y revela el potencial de la ceguera como una fuerza creativa y crítica. Este texto cuestiona la centralidad de la visión en la pedagogía teatral y propone el concepto de plasticidad como una alternativa sensible, multisensorial e inclusiva al de visualidad. La plasticidad se entiende como un saber corporal, táctil y situacional, que se manifiesta en la relación entre cuerpo, espacio y espectador. Se critica la rigidez institucional de las definiciones tradicionales de las artes visuales y se defiende una pedagogía del exceso, orientada hacia lo sensible. La relación entre la enseñanza de la escenografía y Anchieta de Carvalho encarna esa plasticidad expandida como metodología. Este artículo propone una mirada ciega, que implica una percepción más allá de la visión. Se trata, en definitiva, de una defensa de pedagogías inclusivas y excesivas como potencia estética y epistemológica.
Derechos de autor 2025 Diego Landin, Anchieta de Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
El montaje y desmontaje de las políticas culturales en Brasil
Este texto surge de la investigación doctoral del autor defendida en 2019. El interés es desarrollar un análisis histórico y crítico del panorama de las políticas públicas de cultura en Brasil desde la era Vargas (1934-1945) hasta la actualidad. En este sentido, se busca dialogar con Albino Rubim para reflexionar sobre la inestabilidad de las políticas culturales, la ausencia del Estado y el autoritarismo. También se utiliza los aportes de Isaura Botelho, Fábio Monteiro y Carlos Eduardo do Carmo para ampliar la conversación y provocar otras perspectivas sobre las políticas culturales en Brasil.
Dossiê: Artes Cênicas e Democracia: atuando outros mundos de direitos e políticas do viver
Derechos de autor 2024 Lucas Valentim Rocha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Narrativas críticas: cuerpos y sexualidades DEF en una producción audiovisual brasileña
Este artículo explora la intersección entre sexualidad y discapacidad en los medios audiovisuales y se centra en el documental brasileño Assexybilidade (2023). Basado en la teoría crip/tullida, este ensayo cuestiona el capacitismo estructural y destaca cómo el arte puede implementar narrativas críticas, creando nuevas percepciones sobre las sexualidades, el derecho al placer y la accesibilidad para los cuerpos DEF. Se destaca la importancia de tullir las teorías y prácticas artísticas como contribución a la promoción y defensa de derechos.
Derechos de autor 2025 Louise Lima Storni Rocha, Giovanna Marafon https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Tejiendo telarañas y raíces: entremedios de la cultura DEF (Disca)
¿Qué puede hacer una criatura capaz de nacer y vivir en todas las ancestralidades y aún no pertenecer a ningún lugar? Este bordado-artículo busca pretenciosamente el diálogo entre la cultura DEF y su ancestralidad para discutir los posibles modos de pensar en la ancestralidad de un pueblo marginal que, en su mayoría, no tiene un árbol genealógico que coincida con su propia identificación, además de elaborar pensamientos deformados de lo que es la cultura de este pueblo. De manera aún más pretenciosa, pretende hablar del afecto hacia los cuerpos con discapacidad mediante un lenguaje audiodescrito del bordado.
Derechos de autor 2025 Isadora do Prado Ifanger https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Metodología de la oruga: la descapacidad como construcción de conocimiento en danza
En este artículo, a partir de la mirada del/la investigador/a encarnado/a, presento estrategias metodológicas desarrolladas en el espectáculo Judith quiere llorar, ¡pero no puede! que abarca los modos únicos de la discapacidad como una posibilidad para construir conocimiento en el campo de la danza. Me baso en mi tesis doctoral, al reproducir y reelaborar partes de su texto para reflexionar sobre la producción de artistas con discapacidades desde lo que llegamos a conocer como danza inclusiva hasta la actualización de la relación entre danza y discapacidad mediante el concepto de bipedalismo obligatorio.
Derechos de autor 2025 Carlos Eduardo Oliveira do Carmo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Doblar la lengua: la dramaturgia de Rotación y la accesibilidad como encuentro
A partir del análisis de la dramaturgia de la obra Rotação (2024), este artículo tiene como objetivo articular la noción de accesibilidad poética y estética propuesta por Carlos Silva y Gislana Vale con la noción de hacerCOM de Camila Alves como un modo de ampliar la percepción de la creación artística nutrida de un pensamiento de accesibilidad cultural. Con base en una sugerencia metafórica sobre “doblar la lengua” como ejercicio que genera otras perspectivas en la producción de conocimiento, la experiencia del encuentro con las diferencias sucederá a lo largo del texto para discutir el poder de creación artística desde esta perspectiva. Al considerar el análisis de la dramaturgia como metodología de investigación, este artículo indaga cómo el proceso de creación artística puede proponer otros modos de pensar la accesibilidad y cómo la cultura de la accesibilidad propone intervenciones y resignificaciones en los procesos de creación.
Derechos de autor 2025 Lívea Castro, Manoel Negraes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Accesibilidad cultural y diseño de vestuario inclusivo: un estudio de caso del espectáculo Mig Meg Mug
Este artículo analiza el proceso de creación del espectáculo Mig Meg Mug desde la perspectiva de la accesibilidad cultural y el diseño de vestuario inclusivo. La obra, dirigida por Maria Alice Possani y con traje diseñado por Anna Kühl, integra elementos de accesibilidad, como la audiodescripción incorporada en la dramaturgia y la creación de vestuarios táctiles que dialogan con los conceptos del espectáculo. Durante la pandemia, el proceso creativo colaborativo se adaptó a las restricciones, mediante el uso de herramientas a distancia para garantizar la comunicación y el desarrollo fluido de los figurines. Este estudio destaca cómo la accesibilidad puede integrarse como un lenguaje artístico innovador al transformar el teatro en una experiencia compartida para todos los públicos.
Derechos de autor 2025 Juliana Schmidt Tomazini https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La no binaridad como principio del programa performativo: la percepción del poder escénico del mundo a través de la transición de género
En un enfoque autoetnográfico, exploro mi transición de género como un punto de inflexión perceptivo y epistemológico, cuyas elaboraciones resultantes están en línea con los fundamentos de lo que Eleonora Fabião describe como un programa performativo. El objetivo es explorar una forma de contacto con esta noción transcéntrica, empírica y a priori de lo convencionalizado por el propio espacio de creación artística. Además, se trabaja la forma en que el paradigma, no sólo trans, sino específicamente no binario, es crucial para dicha discusión.
Oliver Olívia Lagua de Oliveira Bellas Fernandes
Derechos de autor 2024 Revista aSPAs https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Consideraciones sobre algunas metodologías de investigación en Artes Escénicas y su producción textual en el ámbito académico
El artículo presenta brevemente el contexto institucional de las universidades brasileñas a partir de la creación del área de Artes en el CNPq (Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico) en la década de 1980, así como algunas metodologías de Investigaciones en las Artes Escénicas presentes en los textos performativos del Volumen Especial en la Revista DAPesquisa, publicada en octubre de 2020. Entre las metodologías traídas están: Investigación basada en artes, práctica como investigación, investigación performativa, mitodología, cartografía etnografía, autoetnografía e investigación-creación, presentando sus principales exponentes como cuadro teórico. A partir de las reflexiones sobre metodologías de investigación, se busca evidenciar las posibilidades y variedad de la producción del área también en su producción escrita. Se cree que reflexionar sobre las escrituras de la investigación en Artes Escénicas es de suma importancia para comprender sus prácticas.
Creación-Investigación, Filosofía de la Praxis Teatral y producción de conocimiento: actor y espectador como sujetos de la Investigación Artística
Exponemos coordenadas básicas de investigación artística teatral en la línea de la investigación-creación o creación-investigación, a partir de la distinción de cuatro sujetos de producción de conocimiento: artista-investigador, investigador-artista, investigador participativo y equipo colectivo de colaboración formado por artista-investigador e investigador participativo. El marco teórico-metodológico lo provee la Filosofía del Teatro en una de sus líneas principales: la Filosofía de la Praxis Escénica. Nos detenemos específicamente en los sujetos actor-investigador y espectador-investigador. Nos interesa impulsar estas figuras de la investigación artística a través de la educación (la enseñanza y el aprendizaje), el “docenteatrar” y el “estudianteatrar” de actores y espectadores, ya desde la formación inicial.
Hacer-con la Práctica como Investigación: tejiendo experiencias colectivas de producción de conocimiento en las artes escénicas
El texto aborda la Práctica como Investigación (PaR) en las artes escénicas en diálogo con la experiencia del Grupo Práctica como Investigación: procesos de producción de la escena contemporánea, centro permanente de investigación creado oficialmente en 2014 en el Instituto de Artes de la Unicamp. Para ello, se centra en la relación entre práctica e investigación en la epistemología de la PaR, comparándola con las formas de hacer/saber con las que el grupo la ha interpelado a lo largo de sus diez años de existencia. Hacer-con la Práctica como Investigación ha sido una invitación para tejer caminos (im)posibles en colaboración simpoietica, produciendo conocimientos corporizados de manera colectiva y situada en las artes presenciales.
La Etnografía Performativa como metodología de investigación en artes escénicas
Este artículo presenta un delineamiento histórico y conceptual de la Etnografía Performativa como enfoque metodológico que propone, en la intersección de la etnografía con la performance, formas de compromiso ético y estético específicos para la realización de investigaciones en artes escénicas. Partiendo de un estado del arte de las investigaciones sobre el tema, en Brasil y en el extranjero, el artículo aborda enfoques como el “surrealismo etnográfico” y el “etnoteatro” para fundamentar esta propuesta, que prevé una radicalización de la clásica observación participante, mediante el intercambio de prácticas artístico-pedagógicas (performativas) que son, simultáneamente, proceso y producto, creación y reflexión.
La práctica como investigación: provocaciones desde un lugar oscuro y afromatizado
Este artículo busca compartir notas sobre el contexto de la práctica artística como investigación. Parte del supuesto de que el cuerpo afrodescendiente e indígena expresa un campo de resistencia poética a través de la producción de gestos que combaten la violencia histórica. Destaca el interés de la práctica como investigación en danza, guiada por una perspectiva afromatizada, como un fenómeno que desafía las herencias coloniales. Para ello, se discute el reposo como estrategia creativa y la desaceleración como propuesta estética de investigación. Además, se presenta la práctica artística Refluxo como proyecto vinculado a la reimaginación del mundo.