Revista do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade de São Paulo
Universidade de São Paulo. Escola de Comunicações e Artes
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Trans[cena]: registrar para vislumbrarmos o que sempre esteve
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Isto é um homem de verdade (2024), Homem Mato (2025), Mato Mastec (2025), Testostileno (2025)
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A escrita corpo-mar como forma bixa de abandonar-se nas artes da cena
Os meandros da pesquisa em artes da cena trazem questionamentos ao modo mais tradicional de fazer das academias, por sua vez, as travas, bixas, sapas, boystrans e não-bináries trazem questionamentos para as maneiras de produzir e pesquisar artes cênicas. Esse texto, que fez parte do meu trabalho de conclusão de curso na licenciatura em teatro, presentifica algumas dessas questões em uma escrita incomodada e estranhada. O que meu corpo bixa-trans pode dizer sobre o fazer pesquisa em artes cínicas? Possivelmente, nada. Contudo, há o que ser inventado por nós.
Direitos autorais (c) 2026 Luna Ferreira da Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pode-se traduzir um monstro? Diálogos imagéticos sobre o mais-que-humano
Pode-se traduzir um monstro? Com esse questionamento iniciamos este breve ensaio, na esperança não de respondê-lo, mas imaginá-lo. Ao reivindicar seu direito a ser um monstro, a poeta trans sudaca Susy Shock parece questionar um ideal de humanidade promulgado pelo humanismo e pelos ideais da antropologia evolucionista, que estabelece a figura do Humano como suprassumo da civilização. Traduzir um monstro, então, não seria possível. Se a língua humana almeja a totalidade – traduzir tudo –, línguas monstruosas, ou mais-que-humanas, podem ser traduzíveis?
Direitos autorais (c) 2026 Bruno Latini Pfeil, Cello Latini Pfeil https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Trávicas: corpas travestis, tragédia grega e uma travecametodologia engolidora de clássicos
O presente texto visa percorrer, registrar, transitar e elaborar o processo de construção do espetáculo Volúpia II. Três atrizes travestis protagonizam a peça, durante a qual transitam por diferentes personagens da mitologia grega para contarem a história de Helena de Troia. O espetáculo tensiona a linguagem trágica e grega com os corpos travestis e latinos das atrizes. Quais os possíveis desdobramentos desse encontro? É possível uma abordagem decolonial de uma linguagem que se tornou hegemônica? Novos sentidos são encontrados nos mitos, quando enunciados por corporalidades destecidas dos fios da história?
Direitos autorais (c) 2026 Lia Helena Moreira Marcolino, Allura Haillan, Ayanna Xavier https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A força coletiva das travestis termitas: conversa com Anastasia María Benavente
Uma conversa transfronteiriça entre duas travestis sobre estratégias de sobrevivência e construção de futuro. Como travestis termitas, a tática é agir por dentro. Desde a língua aos arquivos. Como aranhas, tecemos novas redes, inventamos códigos e linguagens, construímos memórias coletivas e alianças afetivas. Nossa força está na ação coletiva como único futuro possível.
Direitos autorais (c) 2026 Joanna Leoni, Anastasia María Benavente Esquivel https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Coreografias de gênero e práticas de subversão: notas sobre a não-binariedade e a improvisação em dança
Este artigo aborda a cisnormatividade a partir do conceito de coreografia, compreendida como uma lógica de organização de corpos e subjetividades. Partindo das contribuições de Judith Butler acerca da performatividade de gênero e articulando-as com discussões contemporâneas do campo da dança, propõe-se compreender a cisnormatividade como um regime social coreográfico que produz gêneros inteligíveis por meio da reiteração normativa. Com suporte da epistemologia da Prática como Pesquisa, confluindo experiências de improvisação em dança e a vivência da não-binariedade, este estudo aproxima improvisação e não-binariedade como práticas de subversão dessa ordem. Argumenta-se, por fim, que a noção de coreografia pode descrever materialmente os processos de produção normativa do gênero, evidenciando o potencial analítico das práticas da dança para pensar a constituição contemporânea de subjetividades.
Direitos autorais (c) 2026 Fetú Nicioli Cerioni https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Não douramos a pílula, contaminamos os espaços: um diálogo com Dance With Me, de Élle de Bernardini
Este ensaio dialoga com a performance Dance With Me, de Élle de Bernardini, a partir da noção de “mecanismos de aceitação e rejeição” elaborada pela própria artista. Ao investigar como a obra negocia sua inserção em instituições artísticas, argumento que a performance opera como agente múltipla, mobilizando criticamente estratégias de passabilidade e de branquitude, bem como dinâmicas de transplay, para tensionar as condições de hospitalidade institucional. Nesse movimento, a obra intervém na partilha do sensível, não apenas por meio da redistribuição de identidades, mas também da redistribuição da violência. O ensaio integra um diálogo maior com outras obras da artista, que, por sua vez, integra uma pesquisa mais ampla sobre práticas artísticas de pessoas trans* brasileiras, a partir da década de 2010, que perturbam normas de espacialidade e contaminam seus espaços.
Direitos autorais (c) 2026 Le E. Becker Savastano https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Um personagem, dois atuantes: a construção do personagem Fanon a partir da ontologia travesti no espetáculo Pele Negra, máscaras brancas
Este artigo examina a performatividade do corpo travesti negro e/ou racializado, marcados pelo fenômeno da antinegritude, que desenvolve uma perspectiva político racial contemporânea para analisar e entender as dinâmicas raciais do mundo atual. A partir da minha experiência como atriz, dramaturga e pesquisadora, dedico-me a uma investigação autoetnográfica tendo como base o espetáculo teatral Pele Negra, máscaras brancas baseado no livro homônimo de Frantz Fanon, e dirigido por Onisajé, com foco na criação da personagem Fanon, no processo criativo, na performatividade e na disrupção de normas perpetradas pela supremacia da branquitude nos processos de construção artística e social. Esta pesquisa, portanto, apresenta um importante objeto de estudo para entender a movimentação de pessoas racializadas dissidentes de gênero dentro do campo das artes.
Direitos autorais (c) 2026 Matheuzza dos Santos Xavier https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Aberracirco: dramaturgias trans freak na construção de mundos (im)possíveis
É possível construir outros imaginários sem ser esmagade pelo lastro histórico, econômico e social da colonização? Partindo dessa questão, discuto produções dramatúrgicas de artistas circenses trans brasileires a partir do que denominei aberracirco, isto é, práticas contemporâneas de circo freak. Analiso, em particular, Cabaret Delirium, um espetáculo cênico de variedades concebido por Lua Marques, artista não binárie, e realizado em Desterro no período entre 2025 e 2026. Em diálogo com Jota Mombaça, Donna Haraway, Isadora Ravena, Lucas Dilacerda e Frantz Fanon, examino como essas fabulações aberrantes desafiam as noções de humanidade, civilização e os limites do possível.
Direitos autorais (c) 2026 Juno Nedel Mendes de Aguiar https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O nome como travessia: queerizar a linguagem em cena
Este artigo investiga a prática de queerizar a linguagem como operação estética e política na cena contemporânea. Partindo da noção do nome como tecnologia histórica de separação e hierarquização, propõe-se deslocá-lo para o campo da travessia, onde significante e significado deixam de coincidir de modo estável. Em uma abordagem teórico-prática, articulando reflexão conceitual e experimentação artística, analisam-se táticas como improvisação, repetição e détournement. Argumenta-se que a cena pode operar como laboratório de instabilidade semântica, no qual o corpo tensiona e reinscreve regimes de inteligibilidade.
Direitos autorais (c) 2026 Alice Pacheco Nogueira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As artes da cena e os movimentos abolicionistas: pedagogias libertárias e espaços de imaginação política
Direitos autorais (c) 2025 Nailanita Prette, Murilo Gaulês, Ashley Lucas, Vicente Concíio, Walidah Imarisha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O fim da fúria – um Pantera Negra na prisão promove um acerto de contas: a história de Russell Maroon Shoatz
Em 2014, na Pensilvânia, Estados Unidos (EUA), Russell Maroon Shoatz foi transferido de seu confinamento na solitária, após 22 anos consecutivos, para se juntar à população carcerária geral. Isto é 21 anos e 50 semanas a mais do que a duração da pena que os Estados Unidos consideram como tortura. Tendo passado tanto tempo em um espaço pequeno, ele contraiu problemas para caminhar e não podia subir as escadas para acessar a cantina. Ele se sentiu impactado pelas outras pessoas, de cuja presença ele sentiu uma desesperada falta por todos aqueles anos. Conhecido por seus apoiadores dentro e fora da prisão como um líder da liberdade negra, ele agora encontrava dificuldades físicas para ficar de pé. O fato de ele estar vivo era mais do que muitos, que o consideravam um assassino de policiais, queriam: acreditavam que sua punição deveria ter sido a morte.
Direitos autorais (c) 2025 Ashley Lucas; Nícolas de Cordova Dorvalino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este ensaio propõe uma reflexão poético-teórica, a partir da vida vivida, sobre a potência estética, política e epistemológica da palavra “capenga”. Tendo como metodologia de investigação a prática artística, busca-se esmiuçar e ampliar os significados da palavra, fazendo dela um campo de criação que produz Dança Contemporânea – uma dança que tropeça, titubeia e desconcerta e que enfrenta a noção da capacidade corporal compulsória que ainda impera na própria Dança. Um experimento de escrita capenga. Um relato de como o ordinário pode se transformar em investigação de linguagem. Uma tentativa de traduzir o afeto que se tem por uma palavra.
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Cultura DEF e acessibilidade nas artes da cena
Direitos autorais (c) 2025 Amanda Justamante Handel Schmitz, Anna Theresa Kühl, Carlos Alberto Ferreira da Silva, Cintia Alves, João Paulo de Oliveira Lima, Luiza Marcato Camargo de Sousa, Marcia Berselli, Marie Araújo Auip, Rosa Adelina Sampaio Oliveira, Thais Ponzoni dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Arte em tempos ruidosos: diálogos entre as artes da cena e a democracia
Direitos autorais (c) 2024 Adriana Perrella Matos, Douglas Ricci Rosa, Maíra do Nascimento https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Trans-themonização: criar em mutação, cuidar em permanência
Afirma-se a trans-themonização como método de criação que altera o processo criativo e sustenta um espaço de cuidado para corpos trans na cena amazônica. Com autoetnografia, prática-como-pesquisa e documentação pública, descrevo procedimentos (pactos, tempos, autoria compartilhada, protocolos de linguagem e mediação) que reorganizam ensaio, (des)montagem, curadoria e circulação. Em seção própria, apresento critérios de descentralização (território, circulação, governança) para demonstrar a vanguarda sem folclorizar, mantendo rigor metodológico e compromisso ético.
Direitos autorais (c) 2026 Juliano Bentes Nascimento https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Estética do oprimido e pedagogia da libertação: teatro como resistência no sistema socioeducativo
Este relato de experiência apresenta uma intervenção teatral com adolescentes em cumprimento de medida socioeducativa em regime fechado, com foco na prevenção da ideação suicida e na crítica ao sistema punitivo. A proposta se baseou no Teatro do Oprimido, de Augusto Boal, e na pedagogia do oprimido, de Paulo Freire, articulando práticas estéticas e pedagógicas libertárias. A partir da teatralização da obra O Mágico de Oz, foram desenvolvidos temas geradores que permitiram a expressão simbólica do sofrimento, a reflexão crítica sobre a realidade e a valorização dos saberes marginalizados. A metodologia envolveu encontros semanais com rodas de conversa, encenação e análise coletiva das cenas, promovendo o protagonismo juvenil e a construção de espaços de imaginação política. A experiência se insere no campo das artes da cena como prática abolicionista e de resistência à lógica do encarceramento.
Direitos autorais (c) 2025 Guadalupe Rodrigues Braga, Janaína Bastos dos Santos, Adriana de Souza Medeiros Batista https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A construção de uma poética abolicionista através do atentado como linguagem: o trabalho da CiA dXs TeRrOrIsTaS com mulheres trans e travestis sobreviventes do cárcere
Este artigo foi desenvolvido a partir da pesquisa de mestrado em Artes da Cena Teatro e cárcere: a dimensão pública da obra da CiA dXs TeRrOrIsTaS, realizada na Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás. Propõe refletir, a partir do pensamento abolicionista endossado por Ângela Davis e da noção de precariedade abordada pela filósofa estadunidense Judith Butler, o que caracteriza, em pleno século XXI, ser uma Cia abolicionista penal no Brasil e como o trabalho abolicionista se presentifica nas criações artísticas da CiA dXs TeRrOrIsTaS, em especial na desmontagem do espetáculo teatral Anjos de Cara Suja: o sol é ou deveria ser para todas.
Direitos autorais (c) 2025 Thaisa Schmaedecke https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Performance Negrotério: 25 anos do massacre do Carandiru
O objetivo deste artigo é analisar como a experiência em performance pode ativar memórias traumáticas do episódio conhecido como Massacre do Carandiru (1992), que culminou na morte de pelo menos 111 homens encarcerados. Para tanto, exploramos o conceito de necropolítica de Achille Mbembe e a discussão da transmissão da memória traumática pela performance investigada por Diana Taylor. Em seguida, analisaremos a performance Negrotério: Aniversário de 25 Anos do massacre de Carandiru (2017), criada pela Coletiva Preta Performance.
Direitos autorais (c) 2025 Rodrigo Severo dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Transpor os muros da prisão: um estudo de caso de There are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson
Nascido de uma pesquisa independente, estimulada pelo contato fortuito com o trabalho da performer estadunidense Rhodessa Jones, este ensaio busca empreender um estudo de caso acerca do espetáculo There are Women Waiting: The Tragedy of Medea Jackson [Há mulheres esperando: a tragédia de Medeia Jackson], apresentado pelo coletivo teatral estadunidense The Medea Project: Theater for Incarcerated Women, em 1992, sob a direção de Rhodessa Jones. O espetáculo foi o primeiro de uma série de trabalhos teatrais assinados pelo coletivo de artistas amadoras, todas elas jovens mulheres negras que, à época, cumpriam pena de reclusão na Penitenciária do Condado de São Francisco, na Califórnia. Ao perscrutar as raízes e o processo de fundação do Medea Project, verificaremos como o espetáculo em questão tangencia temas cruciais para pensarmos os pontos de contato entre arte e realidade sócio-histórica; o teatro como lócus privilegiado de contraponto utópico aos dispositivos sociais de vigilância e punição; a cena contra-hegemônica como instância instauradora de reflexões e posicionamentos críticos sobre liberdade, raça e classe.
Direitos autorais (c) 2025 Patricia Freitas dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Entre muros e atos: o mapeamento de dramaturgias brasileiras para fissurar o cárcere
Este trabalho pesquisa as intersecções entre teatro e cárcere e busca, fazendo a análise de quatro diferentes dramaturgias brasileiras, encontrar formas de fissurar os muros do cárcere por meio da arte. O artigo também propõe o uso do teatro como prática libertadora a partir do conceito de ficção visionária, de Walidah Imarisha. Investiga-se, a partir de análises bibliográficas, o uso da palavra como arma potente que estilhaça o sistema de (in)justiça e encontra novas possibilidades de mundos.
Direitos autorais (c) 2025 Pietra Bonet, Ianna Nogueira, Caroline Vetori https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ato-espetáculo musical Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos: a política genocida do Estado, o encarceramento em massa e os movimentos sociais no palco
Este texto propõe abordar temas e dinâmicas do processo criativo da montagem Inútil Canto e Inútil Pranto pelos Anjos Caídos, dirigida por Rogério Tarifa, que estreou em 2017 no Teatro Laboratório da Universidade de São Paulo (USP). São estabelecidas aproximações com o Teatro Épico e as peças didáticas de Bertolt Brecht, bem como com a proposta do processo criativo em rede, de Cecilia Almeida Salles. A temática central discute o sistema carcerário e a política genocida do Estado, em relação direta com o encarceramento em massa e o extermínio da população negra e periférica no Brasil. A montagem foi realizada na Escola de Arte Dramática da USP, com alunos formandos da Turma 66, e contou com a colaboração e participação ativa de representantes do movimento social Mães em Luto da Zona Leste e do grupo Mulheres Livres, oriundo do Projeto Voz Própria, liderado pela cantora e professora Carmina Juarez — projeto do qual participaram mais de 200 mulheres privadas de liberdade na Penitenciária Feminina da Capital. Este texto também propõe demonstrar como as Artes Cênicas podem fortalecer ações, discussões e transformações radicais que auxiliam pessoas que estão ou passaram pelo sistema de justiça criminal, bem como aquelas que perderam seus entes queridos para a violência armWada do Estado.
Direitos autorais (c) 2025 Raquel Parras, Walmick de Holanda https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Esquetes no silêncio: murmúrios das mães privadas de liberdade em Pernambuco
Este artigo toma a experiência do teatro, na Colônia Penal Feminina do Recife, enquanto proposta pedagógica que se pretende emancipatória para tratar das dores da vivência da maternidade no cárcere. Baseada em entrevistas semiestruturadas, observação participante e análise documental, apresenta um estudo de caso, a encenação da peça Vozes de mães privadas de liberdade. Revela que o teatro constitui uma fissura na estrutura carcerária, ainda que demande investimento para ampliação do seu potencial não reformista e de mudança no cárcere de Pernambuco.
Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires
Direitos autorais (c) 2025 Allayni Suene de Medeiros Vasconcelos Pires, Raquel de Aragão Uchôa Fernandes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Quando coisas ruins acontecem com bons programas
Quando se trata de educação em artes em instituições de privação de liberdade, pesquisas acadêmicas enfatizam o lado positivo: cursos de escrita criativa, oficinas de teatro e programas de música são ferramentas altamente eficazes e aparentemente sem problemas que ajudam a orientar pessoas encarceradas em direção à reabilitação e à reintegração. Na realidade, os benefícios dos programas de artes em prisões são muitas vezes prejudicados pelos muitos obstáculos, contratempos e desafios que eles encontram na prática. Embora os resultados finais de seu trabalho beneficiem as pessoas em privação de liberdade, muitos educadores artísticos que atuam nessas instituições não têm apoio, não são remunerados e são invisíveis para a comunidade em geral. Esta pesquisa investiga os diligentes criadores de programas de artes em contextos de privação de liberdade no Canadá e ao redor do mundo e tenta aprender como programas que são bons nem sempre conseguem fazer o bem.
Direitos autorais (c) 2025 Aimee Copping https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pedagogias libertárias no encarceramento: é possível educar para a liberdade em espaços de privação de liberdade?
Este artigo investiga os limites e as possibilidades de implementação de pedagogias libertárias em contextos de privação de liberdade. Por meio de uma revisão sistemática da literatura, analisa-se como práticas educativas e culturais desenvolvidas no interior do sistema prisional brasileiro operam simultaneamente como estratégias de resistência e dispositivos de controle. Os resultados indicam que, embora existam experiências que tensionam a lógica punitiva, a efetivação de uma educação emancipadora permanece condicionada à articulação com perspectivas abolicionistas e à superação das estruturas que sustentam a racionalidade punitiva.
Direitos autorais (c) 2025 Tiago Negrão de Andrade, Maria Cristina Gobbi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cercadinho PCD: reflexões acerca do paradoxo da inclusão nas ações culturais
O artigo aborda o paradoxo da inclusão de pessoas com deficiência nas ações públicas e políticas institucionais internas dos equipamentos culturais. A acessibilidade no setor frequentemente se limita a espaços isolados e estereotipados, aqui denominados “Cercadinho PCD”. A história da deficiência é marcada por exclusão e imposições hegemônicas que perpetuam estereótipos impedindo a participação plena em diversos âmbitos sociais. A acessibilidade cultural exige desconstrução de narrativas normativas e valoração das experiências e contribuições das pessoas com deficiência nas artes, uma interpretação crítica sobre os modelos de inclusão vigentes.
Direitos autorais (c) 2025 Claudio Rubino https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Espelhos quebrados e palcos de resistência: arte cênica, subjetividade e crítica ao sistema prisional a partir de O Espelho, de Machado de Assis
Este artigo explora a intrincada relação entre identidade, sistema prisional e o potencial transformador das artes cênicas, a partir do conto de Machado de Assis O espelho: esboço de uma nova teoria da alma humana. A teoria das “duas almas” de Jacobina – uma interior e outra exterior, validada pelo reconhecimento social – serve como metáfora para compreender como a subjetividade é construída e pode ser desmantelada, particularmente no contexto carcerário. A prisão, frequentemente atuando como um espelho deformador, nega sistematicamente a individualidade e fragmenta o eu. Em contraste, este trabalho argumenta que as artes cênicas (teatro e performance) em instituições correcionais podem funcionar como “espelhos críticos” e “palcos de (re)existência”. Ao analisar projetos artísticos no Brasil e em outros países, e dialogar com teóricos como Foucault, Mbembe, Ben-Moshe, Freire, hooks, Lucas e Nascimento, este estudo investiga como essas práticas possibilitam que pessoas encarceradas desafiem narrativas estigmatizantes, reescrevam suas próprias histórias e reconstruam suas subjetividades. O objetivo central é demonstrar que as artes cênicas, quando imbuídas de pedagogias libertárias, podem transcender o mero passatempo, tornando-se um ato político e existencial de resistência, humanização e crítica social, fomentando a descolonização do olhar e a reivindicação da plena humanidade dentro e fora dos muros da prisão. A conclusão do artigo enfatiza a importância de investir em práticas artísticas e pedagógicas que visem não apenas a “reabilitação”, mas também uma transformação fundamental do sistema de justiça criminal em direção a uma sociedade mais justa e menos punitiva.
Direitos autorais (c) 2025 Felipe Barnabé Batista, Armando Soares de Castro Formiga, Jéssica Painkow Rosa Cavalcante https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Rotas de um barco à deriva: a ética do cuidado na performance da dor
A partir da experiência de um corpo que, ao se movimentar, é interrompido pela dor, o artigo investiga como o teatro contemporâneo lida com a vulnerabilidade do corpo em cena e os efeitos desencadeados de sua expectação. Para isso, o artigo se utiliza da alegoria da Nau dos loucos, relatada no livro VI da República de Platão, como metáfora para uma reflexão da cena. Devido ao fato de o choque ser uma sensibilidade radicada na experiência sensível contemporânea, o artigo questiona como o fascínio na performance do corpo em dor na cena põe em risco a espetacularização da dor, o que pode levar à apatia no espectador. Para enfrentar esse dilema, propõe-se uma ética do cuidado que transforme a experiência de fruição para além do choque.
Direitos autorais (c) 2025 Giovanna Galisi Paiva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O saber invisual da plasticidade: por uma pedagogia do excesso
Este artigo propõe uma reflexão sobre o ensino de visualidades no teatro a partir da experiência pedagógica com Anchieta de Carvalho, estudante cego. Sua presença desafia paradigmas visuais hegemônicos nas artes, revelando a potência da cegueira como força criativa e crítica. O texto questiona a centralidade da visão na pedagogia teatral, propondo o conceito de plasticidade como alternativa sensível, multissensorial e inclusiva ao de visualidade. A plasticidade é entendida como um saber corpóreo, tátil e situacional, que se manifesta na relação entre corpo, espaço e espectador. O autor critica a rigidez institucional das definições tradicionais de artes visuais e defende uma pedagogia do excesso, voltada ao sensível. A relação entre o ensino de cenografia e Anchieta de Carvalho encarnam essa plasticidade expandida como metodologia. O artigo propõe um olhar cego, que envolve percepção para além da visão. Trata-se, por fim, de uma defesa de pedagogias inclusivas e excessivas como potência estética e epistemológica.
Direitos autorais (c) 2025 Diego Landin, Anchieta de Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0