Rapsódia, um almanaque de filosofia e arte que procura mostrar as diferentes manifestações do que se costuma chamar estética. Nos seus fascículos, ao lado de artigos sobre cinema, poética, literatura, artes plásticas, música, arquitetura e mídia eletrônica - com especial atenção à análise de fenômenos artísticos nacionais - encontram-se entrevistas, traduções, ensaios fotográficos, ficção, poesia, gravuras. Tendo sido concebida e realizada por pós-graduandos em Filosofia da Universidade de São Paulo, rapsódia procura veicular e reunir pesquisas, contribuindo assim para uma visão de conjunto da nossa produção acadêmica em matéria de filosofia e arte. Mas a invenção artística irrompe de todos os lados, e talvez a maioria não brote em solo universitário.
Universidade de São Paulo. Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas
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Algumas considerações sobre a crítica de arte em J.-K. Huysmans
A captura da fugacidade moderna em Hoffmann, Poe e Baudelaire
O presente artigo objetiva analisar a literatura do século XIX, a começar por Ernst Theodor Amadeus Hoffmann e seu pioneirismo em tematizar a modernidade e suas transformações econômicas, sociais e culturais decorrentes da passagem de uma sociedade feudal para uma sociedade capitalista. Em seguida, com Edgar Allan Poe e Charles Baudelaire, observa-se um aprofundamento dos dilemas da modernidade em toda sua beleza embriagante: a velocidade angustiante das transformações e exigências que o capitalismo impõe, a desorientação e desenraizamento do ser humano, os avanços e luxos do ambiente cosmopolita, assim como suas desigualdades. Nesse contexto, é possível compreender como as diferenças entre as cidades de Berlim, Londres e Paris influenciaram as escritas de cada um: por ser o berço da Revolução Industrial, Londres mecaniza a subjetividade do ser humano de maneira mais forte, enquanto Paris ainda permite o vagar despropositado do flâneur, e Berlim, mais incipiente, fixa sua observação na diversidade de uma feira.
A carnavalização e o trickster em Macunaíma, na montagem de Antunes Filho
Neste artigo, discorremos sobre a montagem teatral de Macunaíma, do grande diretor brasileiro, Antunes Filho, baseada na obra de Mário de Andrade. Discutimos o conceito de carnavalização, criado por Mikhail Bakhtin, baseado na obra de François Rabelais, assim como o conceito de trickster, de Carl Gustav Jung. Estes conceitos estão presentes tanto no texto quanto na montagem.
O corpo na produção de subjetividade e a experimentação de outras ecologias
Este estudo busca investigar algumas concepções propostas pela filosofia da diferença de Deleuze e Guattari sobre os modos de produção de subjetividade, sob a ótica de seus atravessamentos nos corpos. Trazemos algumas interpretações de proposições de autores relacionados a esta perspectiva como o devir, alteridade, a micropolítica da transformação molecular e a ecosofia, para pontilhar entrecruzamentos no sentido de fortalecer linhas de escape dos endurecimentos experimentados na contemporaneidade dentro da sociedade hegemônica. Através de uma experimentação cartógrafa, buscamos reforçar as proposições que instigam aberturas para a criação de modos de experimentação da corporeidade e da subjetividade que resistam e que questionem esses processos de subjetivação capitalísticos. Além disso, apresentamos na última sessão uma ponte para a proposta de experimentação de outras ecologias como formas de tecer relações transgressoras com a alteridade, engendrando sabedorias ancestrais e inaugurando novos pulsos a elas.
Cancionista pulsional: um estudo psicanalítico sobre duas canções de Luiz Amargo
O presente artigo propõe uma interpretação psicanalítica de duas canções do álbum Amor de mula (2024), de Luiz Amargo. Parte-se da segunda teoria pulsional e dos conceitos de narcisismo e identificação para exemplificar o modo como o sujeito investe e se desliga dos objetos de desejo. A análise das canções considera a metodologia proposta pelo professor Luiz Tatit a respeito do cancionista e a entoação como aspecto fundante da união entre texto e melodia, bem como a divisão entre canções predominantemente de tensão passional e de tensão temática. Enquanto a canção Corpo do amor, de tensão passional, foca no processo de luto e desligamento objetal, a canção Quando o fogo vem, de tensão temática, enfatiza o caráter incontrolável das moções pulsionais e os aspectos prazeroso e desprazeroso da experiência amorosa. Ambas, entretanto, apresentam uma saída da lamentação para a aceitação, onde há implicação do sujeito em suas relações libidinais e aproximação entre Eu e o Isso.
O dilema da escolha na sociedade contemporânea e a busca por significado: uma análise do filme A pior pessoa do mundo
Este estudo objetiva analisar a obra de Joachim Trier A Pior Pessoa do Mundo e o retrato que faz da sociedade contemporânea enquanto esta batalha pela própria adaptação a uma perspectiva de liberdade de escolha sem precedentes, com o escopo de provocar uma reflexão acerca do cansaço, confusão e infelicidade que parecem definir a geração millenial. Tal análise é feita tomando-se por referência os estudos e os conceitos de identidade de Stuart Hall, a metáfora da liquidez da modernidade e dos laços humanos de Zygmunt Bauman, e o paradoxo da liberdade da sociedade de desempenho de Byung-Chul Han. A investigação procedida neste artigo, utilizando o método bibliográfico, constatou a crise identitária particular da última geração face a um presente e futuro antecipadamente promissores que se contrapõem à sua inabilidade de navegar as situações e de encontrar felicidade e satisfação, rendendo numa busca permanente por significado.
Verdade extática e imagens excessivas no cinema de Werner Herzog
O artigo pretende estabelecer uma reflexão estética e filosófica sobre o cinema do diretor alemão Werner Herzog. Para tanto, propomos a hipótese de que é na abertura constitutiva da imagem (seu aspecto “obtuso”, segundo Barthes) que Herzog apresenta uma reconciliação possível para as várias oposições sob os quais seu cinema opera (como ficção/realidade, homem/natureza, subjetivo/objetivo, verdade/ mentira etc.), e o faz mediante a figuração da própria fratura que expõe a relação antagônica entre esses domínios, conservando a dimensão de excesso e de alteridade inerente a ambos. Para defender essa hipótese, partimos da análise de um conjunto de filmes do diretor que serão considerados em relação com o conceito de “verdade extática”, formulado por Herzog em sua “Declaração de Minnesota” (1999). Buscamos, por fim, refletir sobre os vários pressupostos filosóficos que subjazem tanto o conceito de “verdade extática”, quanto o conjunto de seus filmes (especialmente os documentários), aproximando-os das ideias propostas pelo filósofo Friedrich Nietzsche.
Experiência e linguagem na filosofia alemã do século XVIII
Neste texto, propõe-se uma aproximação de um fragmento do livro “As palavras”, contido em Novos ensaios sobre o entendimento humano (1765), de Gottfried Wilhelm Leibniz (1646-1716), a uma passagem análoga do Capítulo I, do Ensaio sobre a origem da linguagem (1772), de Johann Gottfried Herder (1744-1803). Em ambos os textos, os autores abordam de maneiras distintas a linguagem falada a partir da experiência, buscando mostrar que, ao menos residualmente, é possível identificar alguma motivação na linguagem. Em outros termos, significa identificar como o princípio da harmonia pré-estabelecida de Leibniz é incorporado por analogia à teoria da origem da linguagem de Herder, sem que com isso se incorpore necessariamente outros argumentos estranhos ao debate sobre linguagem humana, desdobrando-se em duas noções presentes que se tornam caras à modernidade: corpo e subjetividade.
Herder, Shakespeare e a filosofia: a experiência da obra de arte entre o classicismo e o pré-romantismo
O artigo comenta, em um primeiro momento, a relação entre a interpretação que Herder empreendeu das obras de Shakespeare, a partir de seu ensaio homônimo publicado em 1773, e a recepção classicista da obra do dramaturgo inglês. Em um segundo momento, se discute a inserção desta interpretação em um contexto cultural mais amplo, o qual envolveu o então incipiente conceito de história (Geschichte).
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Considerações sobre o valor político da arte na estética alemã em torno de 1800
O artigo investiga algumas características distintivas da dimensão política da estética alemã por volta de 1800. Diversas posições da época – como as de F. Schiller, F. Schlegel, F. Hölderlin e G. W. F. Hegel - são examinadas através da lente interpretativa da noção de "dissonância", enfatizando seu aspecto profundamente político. Emerge aqui uma genuína filosofia política da arte, cujos problemas, ferramentas teóricas e soluções são extensivas aos debates atuais.
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Vinicius Berlendis de Figueiredo (1965-2025)
O artigo aproxima inicialmente o Werther da dramaturgia de Goethe, em especial de Götz von Berlichingen, a fim de examinar o tema do querer no drama moderno e na sua relação com Shakespeare. Paralelamente, percorre a noção de querer na estrutura interna do romance, perguntando se essa vontade persistente e íntegra exibiria a mesma qualidade do drama moderno. Enquanto no drama moderno predomina um querer ilimitado, no Werther opera um querer finito, que corresponde a um mundo instável, no qual muda a relação da arte com o público. No romance, diferentemente, o caráter do herói não segue modelos, pois é incomparável: uma subjetividade que se constitui não mais com base em uma ação dirigida para o exterior, mas no dobrar-se do indivíduo sobre si mesmo. Examinando a poesia e outros ensaios de Goethe, o artigo sugere que, embora efetue uma inclinação trágica, o que constitui a singularidade histórica do romance é esta noção do querer que, entrelaçando os múltiplos conflitos, constitui-se como negatividade radical: uma linguagem da recusa, que é uma crítica moderna dos limites do mundo.
Resenha: Icônico. Cultura Visual, Arte, Moda e Feminismo, por Emily Newman
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O jazz e a implosão da concepção adorniana de obra de arte
Neste artigo, temos como objetivo traçar os limites e potencialidades da crítica ao jazz empreendida por Theodor Adorno, a fim de compreender o que levou o autor a recusar em bloco o jazz como uma música de arte. Em um primeiro momento, trataremos da polêmica que sua posição suscitou, abordando as principais críticas feitas ao frankfurtiano e indicando em que medida tais posições se sustentam. Em seguida, analisaremos as limitações empíricas de sua análise, jogando luz sobre o jazz em suas diferentes fases e tendências, com foco nas profundas transformações sofridas nesse cenário a partir do pós-guerra e da ascensão do bebop, do cool jazz e do free jazz. Neste ponto, defenderemos a tese de que parte do jazz ultrapassa a crítica adorniana, tornando-a deficitária diante da transformação profunda do objeto. Assim, argumentaremos que a recusa de Adorno ao jazz não diz respeito a uma recusa moral, ao seu gosto musical ou a um suposto desconhecimento da cena musical. Na realidade, defenderemos que os limites da crítica de Adorno ao jazz dizem respeito aos limites de sua estética.
Teoria material da forma: sobre um novo conceito formal de Theodor W. Adorno em sua “fisionomia musical” de Gustav Mahler
A interpretação de Theodor W. Adorno da obra de Gustav Mahler nos traz a oportunidade de pensar um novo conceito de forma musical. A sua “teoria material da forma” propõe desenvolver uma reflexão sobre o que é pensar em forma na música instrumental de concerto. Em um terreno discursivo de tensão permanente entre estética e teoria da música, entre funcionalidade formal e hermenêutica musical, esse artigo tem o intuito de refletir sobre essa ideia de forma musical tentando fazer uma aproximação do discurso filosófico e do discurso do desenvolvimento conceitual da forma, dentro da tradição da teoria musical, chamando atenção para o método fisionômico como um forma de análise extremamente original e atual da arte dos sons, para além do paradigma de autonomia musical.
Édouard Manet e o abismo entre artista e Salão
Este artigo apresenta algumas reflexões em torno da crítica direcionada ao trabalho do pintor impressionista Édouard Manet e os conflitos na instituição do Salão. No decorrer do texto fazemos um percurso pelas principais características das obras do pintor, que foram interpretadas como um desvio às normas da Belas Artes, compondo o todo do trabalho de Manet, como o aspecto do “quadro-objeto”, a antiteatralidade e a materialidade da pintura destacada em sua fatura. Para isso, tomamos como referência teórica os comentários de Michael Fried, Michel Foucault, Georges Bataille, Pierre Bourdieu e Maurice Merleau-Ponty.
A estetização da burocracia em Huysmans e sua relação com Kafka
O presente ensaio analisa a pequena novela La retraîte de Monsieur Bougran, como a única manifestação artística cujo objeto refere-se explicitamente ao tema da vida burocrática, na obra do escritor J.-K. Huysmans. Nessa obra, pretendemos analisar as visões estéticas da burocracia, principalmente no que se refere à questão da linguagem, da influência de Schopenhauer em relação à aparência versus essência, mas, sobretudo, ao conteúdo estético que pode ser extraído de sua análise. Para isso, é necessário mobilizar conceitos como o da própria educação estética do homem e, principalmente, de heterotopia. Com isso, será possível cotizar o conteúdo estético de La retraîte... com o espectro burocrático inserido na obra de Kafka, naquilo que se pode considerar como uma literatura menor, conforme proposto por Gilles Deleuze e Félix Guattari.
A estética do sublime segundo Lyotard: a tensão entre prazer e dor
Este artigo pretende analisar como a dualidade entre prazer e dor constitui o sentimento do sublime, no interior das considerações estéticas de Jean-François Lyotard. Com base em O inumano e em O pós-moderno explicado às crianças, destacamos a especificidade do vínculo entre as vanguardas pictóricas e o sublime na constituição da noção lyotardiana de “estética da presença material”. Assim, segundo as concepções sobre o sublime expressas por Edmund Burke e por Immanuel Kant, Lyotard mostra-nos que tal sentimento povoou o imaginário das artes do século XIX e XX, de sorte que a empreitada sobre “presentificação do impresentificável” teria despontado de maneira singular. No entanto, é sobretudo a partir de Barnett Newman, que o sublime, tal como interpretado por Lyotard, adquire os contornos próprios da imbricação entre determinada fruição estética e a pergunta sobre o acontecimento.
A natureza das formas e as formas da natureza: elementos do pensamento morfológico de Goethe
Pretendemos apresentar alguns traços do “pensamento morfológico” de Goethe, tendo em vista suas modulações nos âmbitos da ontogênese, da organização e desenvolvimento do ser vivo individual, e da filogênese, da geração das formas das espécies.
Ao abordar a estética de Diderot à luz da passagem das metafísicas do belo ao protagonismo discursivo da dimensão técnica das artes na história das ideias, o texto desenvolve-se em três momentos distintos. Primeiro, situa-se a particularidade da contribuição diderotiana no debate histórico sobre a questão do belo desde o século XVII. Segundo, aborda-se em Diderot o questionamento da arte desde um ponto de vista mais concreto, voltado para a relação entre os objetos no interior do processo artístico, mas balizada com a perspectiva do belo herdada do empirismo. Terceiro, a fim de ilustrar o procedimento diderotiano, propõe-se um estudo sobre a questão da moral em seu romance, A religiosa. O intuito é mostrar como Diderot manipula conjugadamente, por meio de inúmeros “desvios” e “combinações” de caracteres, tanto o conflito tematizado entre os códigos europeus de conduta quanto as várias instâncias do plano das relações humanas, das linhas de força “técnicas” nestas atuantes.
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Orelha de gaveta a um livro de Franklin de Mattos
“O Corpo Dandy”: tradução do Capítulo X do livro Sartor Resartus: a vida e opiniões do Herr Teufelsdröckh, de Thomas Carlyle
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Depoimento: caminhos poéticos da artista indígena Karajá Kássia Borges
O samba nas nuvens: um disco de Paulinho da Viola (1971)
Este ensaio analisa o primeiro álbum lançado por Paulinho da Viola em 1971. O começo dos anos 70 é o auge da repressão da ditadura militar e vive-se o milagre econômico. Paulinho da Viola (1942-) é um compositor da música popular brasileira que sempre fez questão de deixar clara a importância da tradição do Samba para a sua obra. Uma escuta atenta deste álbum sugere um comportamento filosófico do eu lírico: espanto e perplexidade (thaumázein) diante de problemas concretos seguidos pela busca racional por um conceito que possibilite a compreensão destes problemas. Para aprofundar a discussão sobre este álbum e entender quais seriam estes problemas, este ensaio tenta relacionar a tradição filosófica ocidental com o Samba, ritmo negro de resistência coletiva.
Comunidade impossível, exumação das formas e “presença corrosiva”
Um excurso no romance de John Updike torna tangível a face sombria da abstração americana, expondo um ethos predatório que consagra e, ipso facto, aniquila seu artista emblemático. Empresta virulência política à crítica de Danto à estética formalista de Greenberg, exumando a “forma pura” que insula a arte. Contudo, essa “pureza” remonta a crenças obscuras da formação colonial, reiteradas pela supremacia branca e protestante. Minando bases da sociabilidade, do “ser-com”, reencena a conflagração da comunidade, a “comunidade impossível”, que faz Nancy repensar sua negatividade como “inoperante”, espaço negativo da relação ao outro. A contrapelo da racionalidade da forma, Sonia Gomes revoga uma ordem excludente e ilegítima que confiscou o espaço da diferença, das memórias e histórias afrodescendentes, para configurar uma imageria do gesto, antes háptica que visual, implodindo a unidade insidiosa do design.
Esse artigo tem como foco central a análise das rasgaduras e aparições, e do paradoxo entre o modo de presença das coisas em relação à percepção que delas podemos ter. Isto é, o modo da presença ausente que revela ser o processo perceptivo marcado pela ambiguidade. Para tanto, me debruço sobre a apropriação dos espaços arquitetônicos pelo sujeito na construção de um lugar singular, tomando como estudo de caso o projeto do escritório japonês SANAA para o Campus Vitra (2006) em Weil am Rhein na Alemanha, por sua configuração única. Com vistas a dar conta dessa narrativa, visitei o Campus Vitra, com o intuito de experimentar, vivenciar e comprovar se a prática projetual e construtiva de Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa, opera de fato em sentido contrário ao mainstream, e, como sua arquitetura pode ou não transformar a relação e a percepção do fruidor com o entorno. Como fortuna crítica remeto às reflexões do arquiteto finlandês Juhani Pallasmaa (1936), relacionada a apreensão psíquica da arquitetura obtida a partir do conceito de atmosfera – como um espaço sintonizado composto por um conjunto de elementos indefinidos e espacialmente distribuídos – e ao conceito da fenomenologia focada na atmosfera sob o ponto de vista do filósofo alemão Gernot Böhme. Para o filósofo, a atmosfera não se refere a características espirituais, mas a uma atitude reflexiva e crítica relacionada à consciência da corporeidade e da percepção do indivíduo.
Da iconoclastia ao iconoclash, de Bruno Latour
Em texto introdutório ao catálogo da exposição Iconoclash: Beyond the Image Wars in Science, Religion, and Art, curada por Bruno Latour e Peter Weibel, realizada no Centro de Arte e Mídia Karlsruhe (ZKM), Alemanha, em 2002, Latour cunha o termo iconoclash para pensar a ambiguidade de gestos iconoclastas, que não só produziriam um efeito imediato de destruição, mas também de produção de novas imagens, no campo da religião, da ciência e das artes. À luz dessa nova interpretação, o artigo retoma algumas das análises no campo das artes produzidas por autores que colaboraram para o catálogo da exposição, nas quais se evidencia a ambiguidade das estratégias iconoclastas. A potência produtiva de tal gesto é especialmente destacada em relação à arte moderna e contemporânea, em que inúmeras intervenções e transformações, seja no plano material das obras, seja no plano conceitual ou simbólico, são observadas, colocando em questão sua capacidade de representação e mediação do real e apontando para o esgotamento de certas narrativas históricas.
Inteligência artificial como phármakon: a arte algorítmica entre o remédio e o veneno
Este ensaio visual apresenta imagens da série Venenosas, Nocivas e Suspeitas, de minha autoria e em processo. Desenvolvida com recursos de inteligência artificial, a série foca plantas proibidas pelo processo “civilizador” colonial devido ao seu uso em rituais sagrados e poderes alucinógenos e afrodisíacos, contradizendo o cânone do homem branco europeu idealmente moral e fisicamente superior. O projeto aborda criticamente os modelos baseados na chamada Linguagem natural, que criam imagens a partir de textos e outras imagens em um processo quase intersemiótico de tradução. O título da obra é emprestado de um manual científico do século XIX, publicado na Inglaterra pela Sociedade Científica Cristã, de autoria de Anne Pratt (1857). Por meio do contraponto entre veneno e remédio, que constituem a ambivalência do phármakon, questiona-se como a inteligência artificial reforça pressupostos colonialistas e antropocêntricos, ao mesmo tempo em que abre possibilidades para novas alteridades entre humanos e não humanos.