Fundada en 1990, la REVISTA MÚSICA, ISSN 2238-7625 (Online) es una publicación semestral del Programa de Posgrado en Música de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de Sao Paulo (ECA/USP). La Revista publica principalmente artículos originales resultantes de investigación científica, incluyendo también otros tipos de contribuciones significativas para el área (traducciones, entrevistas, reseñas). Las contribuciones deben ser del área de investigación en Música, contemplando también sus diversas interfaces. Las reseñas deben ser de libros publicados hace menos de dos años. Las traducciones deben ser, preferencialmente, de textos clásicos del área, con innegable interés académico. Serán analizados artículos y otros trabajos inéditos en portugués, español, inglés y francés. Los autores deben consultar las normas en: https://www.revistas.usp.br/revistamusica/about/submissions Las contribuciones pueden ser encaminados continuamente a través del Open Journal System (OJS). Para mayores informaciones escriba a: revistappgmus@usp.br
Universidade de São Paulo. Escola de Comunicações e Artes
Autores que publicam nesta revista concordam com os seguintes termos: Autores mantém os direitos autorais e concedem à revista o direito de primeira publicação, com o trabalho simultaneamente licenciado sob a CC Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 que permite o compartilhamento do trabalho com reconhecimento da autoria e publicação inicial nesta revista. Autores têm autorização para assumir contratos adicionais separadamente, para distribuição não-exclusiva da versão do trabalho publicada nesta revista (ex.: publicar em repositório institucional ou como capítulo de livro), com reconhecimento de autoria e publicação inicial nesta revista. Autores têm permissão e são estimulados a publicar e distribuir seu trabalho online (ex.: em repositórios institucionais ou na sua página pessoal) a qualquer ponto antes ou durante o processo editorial, já que isso pode gerar alterações produtivas, bem como aumentar o impacto e a citação do trabalho publicado (Veja O Efeito do Acesso Livre).
Apresentação: Dossiê Temático: Reverberações do som em outras artes - narrativas permeáveis
A ideia deste dossiê nasceu da parceria entre as editoras convidadas em aulas experimentais ministradas conjuntamente nas semanas de Cultura e Extensão da ECA USP, nas quais tratamos das vanguardas artísticas pensando em confluências entre Música e Artes Visuais. A cada ano dessa atividade, percebemos o enriquecimento mútuo de nosso diálogo: de modo mais nítido, um campo refletia-se no outro, e nos lançamos a falar musicalmente sobre o que se vê e experimentar visualmente o que se escuta. Expandindo a ideia inicial e abrindo a conversa, surge o dossiê Reverberações do som em outras artes: narrativas permeáveis como um convite às colaborações e às ressonâncias de saberes entre as artes. Neste dossiê encontraremos portanto trabalhos que apontam para a colaboração, saberes e entrelaçamentos que nascem da integração entre as artes com o foco nas transformações dos sons nesses processos. As possibilidades são inúmeras, e os artigos deste volume trazem contribuições diversificadas, abarcando transformações conceituais, históricas, formativas e artísticas que derivam dessas conversas. Em linhas gerais, serão discutidas iniciativas que abordam a Música Popular e suas difusões na mídia; a Música e a corporeidade em entrelaçamentos pedagógicos; as aproximações da Música com a Literatura; os diálogos entre Música, Criação e Artes Visuais; a construção de trilhas sonoras no Cinema e, por fim, os desdobramentos da relação entre a Música e o Teatro.
Derechos de autor 2025 Ana Luisa Fridman, Liliane Benetti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Performance da sonoridade como prática de uma Poética da Relação
O propósito deste artigo é mostrar brevemente alguns apontamentos sobre uma possível Poética da Relação, como proposta por Édouard Glissant[1], concebida e realizada no contexto de processos colaborativos de criação musical, através de experiências de improvisação livre e composição, a partir de memórias coletivas, trazidas pela experiência intersubjetiva dos corpos em estado performativo.
Derechos de autor 2025 Fabio Cintra https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imagem-movimento, imagem-tempo: filosofia das imagens, tecnologia e seus atravessamentos na criação sonoro-visual
Este artigo apresenta o relato do processo criativo de Peça x, peça acusmática espelhada em experimentações visuais em desenho e pintura. O relato vem acompanhado de reflexões teóricas que passam pela filosofia das imagens, desenvolvida por Gilles Deleuze e retomada por Anne Sauvagnargues, com foco nos conceitos de imagem-movimento e imagem-tempo. Filosofia, tecnologia, imagens sonoras e imagens visuais se contaminam, delineando o que entendo como o processo de criar uma obra. A composição é compreendida como um agenciamento de múltiplas imagens que se esbarram e transformam mutuamente, estruturando um percurso rizomático de criação. As imagens visuais que acompanham o texto não são ilustrativas, mas constituem discurso não verbal paralelo à palavra e ao som. A composição é feita como colagem, combinação e recombinação de imagens que são picotadas, comprimidas, esticadas e sobrepostas. Assim como com a filosofia, conceitos técnicos que provém de literatura que trata especificamente do áudio digital aparecem ao longo do texto, contextualizando certos procedimentos utilizados, especialmente o recurso de timestretch. A intenção aqui, no entanto, não é apresentar um estudo técnico das ferramentas, e sim demonstrar como alguns poucos recursos contém em si possibilidades criativas variadas, bem como são alimento para a poética. O foco da pesquisa está no caminho: trajetória ramificada, que extrapola os limites do e deste texto, sendo as constantes descobertas feitas no percurso o motor para o movimento criativo.
Dossiê Temático - Reverberações do som em outras artes: narrativas permeáveis
Derechos de autor 2025 Giovanna Lelis Airoldi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Transcrição musical e tradução literária: levantamento bibliográfico para um diálogo promissor
O diálogo interdisciplinar entre a transcrição musical e a tradução literária tem contribuído para um crescente refinamento conceitual das práticas de transcrição. Esses desenvolvimentos são fortemente influenciados pelas abordagens inovadoras propostas pelas teorias da tradução e por suas amadurecidas tradições críticas e artísticas. O artigo busca contribuir para a consolidação desse campo de pesquisa ao apresentar um levantamento bibliográfico comentado que delineia sua trajetória de complexificação crescente e o aprofundamento das interações entre música e literatura. A revisão também abrange desenvolvimentos centrais relacionados à interpretação, à expressão e à criação, identificando tendências emergentes que podem favorecer o avanço contínuo das pesquisas nessa área.
tradução literária e transcrição musical
Derechos de autor 2025 Flavio Terrigno Barbeitas, Ricardo Marçal de Souza e Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ensinando escutas: pedagogias sonoras entre Murray Schafer e a Arte Sonora
Este artigo traça uma aproximação entre a Arte Sonora e a educação musical, especialmente a de R. Murray Schafer, aproximadas a partir da centralização da escuta que ambas compartilham como marca fundamental. Mobilizamos, para formular essa aproximação, os conceitos de educação sonoro-musical (LATORRE, 2014), pedagogia sonora (TINKLE, 2015) e pedagogia da escuta, que indicam um caráter pedagógico interno à obra artística que consistiria em ensinar escutas. Partimos inicialmente da discussão da Sonologia em torno das vanguardas musicais do século XX e do conceito de musicalização do som (KAHN, 1999), que aponta criticamente para a cisão do mundo sonoro entre som musical e ruído, e identifica o paradigma musical como fundado em uma concepção de som e escuta que exclui dimensões significativas e relacionais. Em seguida, exploramos as propostas educacionais de Murray Schafer através de sua formulação da ecologia acústica e da educação sonora, destacando sua formulação de uma escuta moralista baseada na dicotomia entre silêncio e ruído e as limitações pedagógicas decorrentes dessa concepção. Por fim, abordamos a Arte Sonora posicionando seus métodos de pedagogia sonora como um possível ponto de abertura para o ensino de escutas plurais, investigando a diversidade de seus entendimentos de som e escuta que engendraria aquilo que chamamos de escutas relacionais. Concluímos propondo que a Arte Sonora poderia contribuir para o desenvolvimento de uma pedagogia da escuta que expande o âmbito e as interrelações do som e da escuta, consequentemente expandindo as condições de escuta que poderiam ser pedagogicamente trabalhadas por uma educação sonoro-musical.
Derechos de autor 2025 Lucca Perrone Totti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A pulsação do adeus em A Tempestade, da Legião Urbana (e de Shakespeare)
O artigo se propõe a analisar o álbum A Tempestade, último disco da Legião Urbana, lançado pouco antes do falecimento de seu compositor e vocalista Renato Russo. O objetivo central do presente texto é trazer à luz o diálogo da obra em questão com diversas artes, incluindo a última peça de Shakespeare, que parece ter inspirado seu título, bem como outros setores da produção cultural, como a literatura e o cinema. Antes, as condições de produção do trabalho musical em questão foram discutidas tendo em vista as contribuições de Pierre Bourdieu para a sociologia da cultura.
Derechos de autor 2025 Rafael de Oliveira Bragança, Thaís Sant'Anna Marcondes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El flujo de trabajo en el sonido audiovisual: Relatos de dos maestras universitarias
Este trabajo busca, por un lado, presentar de forma introductoria cómo se desarrolla el proceso de creación de sonido audiovisual, describiendo las funciones y procesos tal y como ocurren en la realidad del mercado cinematográfico. También se busca enfatizar el potencial creativo del sonido y presentar metodologías que no necesariamente sean predominantes, pero que puedan favorecer un papel activo del sonido en la construcción narrativa y dramática. En este sentido, traeremos dos relatos de procesos creativos sonoros: la autora X hablará de su trabajo en XXXX (xxx), donde fue parte de la creación del diseño sonoro y realizó la grabación del sonido directo; y la Autora Y informará sobre su participación en YYYY (yyyy), en la que es directora de sonido, habiendo participado en la concepción del diseño de sonido y realizado la edición de sonido. La discusión está permeada por la relación entre la práctica docente y la práctica audiovisual, así como reflexiones sobre ser mujer en el mercado audiovisual y en el área sonora en particular.
Derechos de autor 2025 Kira Santos Pereira, Marina Mapurunga Ferreira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Karajan versus Niebeling: a contenda entre o maestro e o diretor de cinema para além da tela
O presente artigo tem como ponto de partida o descontentamento de Hebert von Karajan com o trabalho do diretor de cinema Hugo Niebeling na gravação de vídeo da Sinfonia N. 6, Pastoral, de Beethoven, evidenciado no documentário Karajan: maestro for the Screen (2009). Nosso objetivo é fazer uma análise da estética das imagens de Niebeling e especular sobre questões mais profundas que vão além daquela que é apontada no documentário como a principal razão do conflito entre maestro e diretor: uma provável sobreposição da música pelas imagens. Para tanto, serão fundamentais os trabalhos de Taylor (2012, 2013) e Zumthor (1993, 2002), cujas teorias sobre performance dão centralidade às imagens, gestos e corporalidades na construção de sentido musical atuando em complementaridade à dimensão sonora. Também nos valeremos de uma análise da performance de Karajan regendo o primeiro movimento da Sinfonia No. 4 de Schumann em duas situações: em ensaio e concerto. Nesse caso, um recuo para um gestual consideravelmente mais enxuto em concerto, comparativamente com uma prática corporal bastante eloquente em ensaio, teria em sua base uma questão comum à insatisfação com o trabalho imagético de Niebeling: uma visão tacanha de performance por parte de Karajan.
Derechos de autor 2025 Marcos Antônio Silva Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Melodrama de Xianxia: Música en la serie de televisión The Untamed
El melodrama es a la vez un género dramático (BROOKS, 1985) y un procedimiento musical y dispositivo compositivo (VAN DER VEEN, 1955; NEUMEYER, 1995; PISANI, 2006) empleado en la creación de música escénica en el contexto occidental. Este estudio analiza cómo la serie de televisión The Untamed (2019) articula la estética y la ética del melodrama con elementos de la amplia tradición cultural china, que abarca desde la literatura de aventuras y fantasía, la música tradicional y la ópera, hasta el cine y otras producciones realizadas en el contexto digital y sociocultural del Asia Oriental contemporánea. La investigación adopta un enfoque intercultural, examinando tanto la dimensión estética como los factores políticos, económicos e ideológicos que permean el contexto de la producción de la obra (KAPLAN, 1993). Basándose en la idea de audiovisión (CHION, 2008), se puede ver que The Untamed hace uso explícito de técnicas melodramáticas occidentales a la vez que valora los sonidos y conceptos clásicos del país asiático. La serie también presenta a la propia música como elemento central en la trama, cambiando el rumbo de la narrativa, ya sea como enunciación amorosa o como arma sónica que desestabiliza los cánones del género wuxia.
Derechos de autor 2025 Thaís Amorim Aragão https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Construindo um cinema sensorial: música, voz e efeitos sonoros além de fronteiras
Este artigo analisa a dissolução de fronteiras entre música e sound design no cinema, incluindo a fala, ao longo de 100 anos. A metodologia utilizada é a revisão narrativa. Dividido em três seções, o texto demonstra como limitações tecnológicas e a divisão de trabalho em Hollywood separaram a produção do som cinematográfico em três departamentos independentes. Diretores como Rouben Mamoulian, Alfred Hitchcock, Sergio Leone, Lucrécia Martel, Darren Aronofsky e outros contribuíram para dissolver essas fronteiras, em filmes como Ama-me esta noite (1932), Um condenado à morte escapou (1956), Os pássaros (1963), Era uma vez no oeste (1968), O pântano (2001) e mãe! (2017), entre outros. Tecnologias como o Dolby Atmos têm intensificado o caráter imersivo, consolidando o conceito de trilha sonora integrada (Kulezic-Wilson, 2019), e promovendo sonoridades orgânicas que mobilizam o corpo do espectador de forma holística. Assim, o som no cinema parece evoluir para uma arte sensorial, unificando música, voz e efeitos em experiências táteis e imersivas.
Derechos de autor 2025 Rodrigo Carreiro https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cidade Sonora: interface entre arquitetura, música e artes visuais
Este artigo propõe uma investigação do uso de partituras gráficas como um meio de intersecção entre as áreas de música, artes visuais e arquitetura. Analisamos a peça musical Cidade Sonora – composta em 2022, sobre as fachadas de bairros da cidade de São Paulo – como um exemplo de criação e interpretação sinestésica, que traz diferentes possibilidades de notação musical, em uma metodologia de transposição simbólica do plano gráfico para o sonoro/gestual, associado aos gestos de Conduction (MORRIS, 2017), o Soundpainting (THOMPSON, 2006) e o Ritmo y Percusión con Señas (VÁZQUEZ, 2013).
Derechos de autor 2025 Pedro de Grammont e Souza, Gabriel Rossetto Amorim, Guilherme Peluci de Castro https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“Ano novo, revista nova”: a Revista do Rádio como um exemplo de legitimação da música popular brasileira
A música popular brasileira consolidou-se, mesmo antes da sigla MPB, desde as primeiras décadas do século XX, como uma expressão cultural ligada ao desenvolvimento da indústria fonográfica e aos meios de comunicação de massa. No contexto da chamada Era de Ouro do Rádio, entre as décadas de 1940 e 1950, essa consolidação deu-se por meio de um circuito integrado que unia gravações, radiodifusão e imprensa ilustrada. Este artigo investiga como a Revista do Rádio, lançada em 1948, colaborou para a legitimação da música popular urbana ao converter vozes em imagens e repertórios em valor simbólico. A partir de edições iniciais, realiza-se uma análise qualitativa de editoriais, capas e colunas fixas, observando como o periódico articulou a promoção fonográfica, a construção de celebridades e a retórica nacional-popular. Conclui-se que a revista não apenas espelhou o sucesso do rádio, mas operou como dispositivo editorial ativo na consolidação de um imaginário musical de alcance nacional.
Derechos de autor 2025 Caio Vitor Priori-dos-Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mão e matéria: o corpo em descobertas, explorações sonoras e espacialidades
Este artigo trata dos objetos percussivos – termo nosso para materiais naturais ou objetos do cotidiano utilizados sob uma atuação musical percussiva – e seus desdobramentos extramusicais, em aspectos investigativos de corporeidade, materialidade e espacialidade em nossas práticas artísticas e educativas. Assim como em aproximações e interseções com a dança – em aspectos de movimento e consciência corporal em aplicações artísticas e pedagógicas; e com a pós-produção sonora de cinema na prática do foley ou ruído-sala – em aspectos de percepção sonora e tatilidade. Através desse estudo, abordaremos como os objetos percussivos e o desenvolvimento de uma percepção sonora percussiva podem contribuir em questões formativas para estudantes, artistas e educadores de diversas áreas. Além de favorecer a criatividade coletiva e o trabalho em grupo a partir da escuta, da pesquisa sonora do entorno e do equilíbrio entre todas as vozes envolvidas. Trata-se de um trabalho resultante de um Mestrado em Processos de Criação Musical: Música e Educação e de um Doutorado em andamento na mesma linha de pesquisa com foco nos diálogos interdisciplinares entre Música e Dança.
Derechos de autor 2025 Igor Caracas de Souza Maia https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
The Classical Guitar in Spain, Portugal, Italy and Germany. A general Approach to Its History. E-book de Martín-Gil Damián (editor)
A história do violão recebe agora uma nova publicação, no idioma Inglês, de autoria de diversos professores-violonistas atuantes em quatro países: Alemanha, Espanha, Itália e Portugal. A ideia do e-book surgiu de um evento acadêmico-artístico continuado que reuniu jovens estudantes para formar conjuntos de violões e, como conteúdo adicional, conhecer a história do violão em palestras realizadas pelos professores do evento. A resenha apresenta os destaques do texto, focando no que há de novo e/ou pouco divulgado.
Derechos de autor 2025 Teresinha Rodrigues Prada Soares https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Autoria feminina nas trilhas musicais do cinema brasileiro: um panorama entre os anos 1995 e 2019
Este artigo apresenta os resultados de uma pesquisa voltada ao mapeamento da presença feminina na composição de trilhas musicais para o cinema brasileiro, com o objetivo de dar visibilidade a essas profissionais e valorizar suas contribuições artísticas, historicamente invisibilizadas. A investigação buscou não apenas identificar quem são essas compositoras, mas também dimensionar a desigualdade de gênero presente nesse campo específico da produção cinematográfica. O recorte temporal abrange os filmes lançados comercialmente entre 1995 e 2019, período que se inicia com a chamada retomada do cinema brasileiro e vai até o ano anterior à pandemia de Covid-19, momento marcado por um crescimento progressivo na produção cinematográfica, estimulado por políticas públicas e leis de incentivo. Mais do que a evidente iniquidade de gênero, os resultados indicaram que poucas compositoras conseguem assinar trilhas musicais de forma individual ou consolidar uma trajetória contínua nessa função, o que colabora para um apagamento em relação à participação das mulheres na criação musical para filmes.
Derechos de autor 2025 Suzana Reck Miranda, Geórgia Cynara Coelho de Souza, Debora Regina Taño https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente texto tem como objetivo apresentar uma análise crítica e reflexiva acerca de uma atividade pedagógica realizada previamente e conduzida em ambiente acadêmico, direcionada a discentes da graduação e pós-graduação do Departamento de Música da Universidade de São Paulo. A investigação busca estabelecer conexões sobre a proposta didática e a intersecção entre mediação tecnológica, estado de presença, bem como a relação desses elementos com a espacialidade circundante. Dessa forma, pretende-se evidenciar como a experiência sonora, quando mediada por tecnologias digitais, pode influenciar a percepção do espaço e do tempo, promovendo novas formas de engajamento sensorial e cognitivo no contexto educacional.
Derechos de autor 2025 Thayná Aline Bonacorsi Xavier, Caio Conti Milan, Fernanda Vaidergorn https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
MUSICS, et al: ressonâncias entre música e artes experimentais em Londres, 1975-1979
A partir do estudo do acervo da publicação independente MUSICS (1975-1979), ligada ao London Musicians’ Collective, o artigo propõe debater a cena artística interdisciplinar do período seguindo três eixos de análise: o contexto da revista e das produções que contempla, ligadas a uma “segunda geração” da improvisação musical londrina; as redes de contato entre esses músicos, que compartilhavam sede e eventos com a London Filmmakers’ Co-operative, entre outros; os processos criativos interdisciplinares de certos artistas, documentados pela revista. O artigo busca compreender o acervo da MUSICS tanto como arquivo quanto como um dos agentes catalizadores de interações entre práticas artísticas experimentais do período, em Londres, inserindo-o no repertório das poéticas expandidas da arte dos anos 1970.
Derechos de autor 2025 Rodrigo Faustini dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Notas sobre la pérdida: Sonoridades de luto en los filmes-ensayo Elena y Heart of a dog
Heart of a dog (Laurie Anderson, 2015) y Elena (Petra Costa, 2012) son filmes-ensayo que tejen reflexiones sobre la muerte del otro, guiadas por las subjetividades de sus propias realizadoras. Considerando que, en estas obras, las sonoridades se mantienen mayoritariamente apartadas de las visualidades, se observa que los elementos acústicos adquieren protagonismo en la construcción discursiva. Este artículo se dedica, por lo tanto, a investigar los usos y los principales aspectos de las sonoridades en filmes ensayísticos atravesados por la experiencia del duelo. Los procedimientos analíticos se basan en los materiales y en los modos de composición de las películas para, posteriormente, articular posibles diálogos teórico-conceptuales, con el objetivo de examinar tanto las similitudes como las divergencias presentes. Se concluye que las sonoridades desempeñan un papel relevante en la composición de estos duelos cinematográficos, al intensificar el carácter fragmentario y dialógico del ensayo como forma, además de conformar estrategias retóricas capaces de acoger las complejidades enunciativas que envuelven la elaboración de la pérdida.
Derechos de autor 2025 Ana Paula de Aquino Caixeta https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O fonograma como objeto em disputa: escuta, plataforma e insurgência na etnomusicologia digital
Este artigo propõe uma reflexão crítica e etnográfica sobre o fonograma na era digital, compreendendo-o como um objeto técnico, afetivo, econômico e político em constante disputa. Partimos das definições jurídicas internacionais e brasileiras que ainda ancoram o fonograma em modelos materiais, mesmo diante de sua transformação em fluxo digital, algorítmico e desmaterializado. Ao mobilizar autores como Gilbert Simondon, Jonathan Sterne, Brian Massumi, Steven Feld, Georgina Born e Christopher Small, buscamos evidenciar que o fonograma não apenas contém som, mas produz escuta, relação e presença. A partir da etnomusicologia e de inserções autoetnográficas, analisamos como fonogramas se tornam veículos de memória, territorialidade e afeto, ao mesmo tempo em que são submetidos às lógicas de apagamento, anonimização e hierarquização promovidas pelas plataformas de streaming. Discutimos as economias do fonograma no regime das plataformas, denunciando a concentração de capital simbólico e financeiro em poucas corporações, e a desautoria estrutural que afeta especialmente artistas independentes, LGBTQIAPN+ e racializados. Defendemos a escuta como gesto epistemológico e político: uma prática sensível que permite mapear mundos, resistir ao silêncio imposto pelos algoritmos e reconstituir os vínculos rompidos pela lógica mercadológica da música. A etnomusicologia, nesse contexto, emerge como campo de enfrentamento e criação de outras possibilidades de escuta e de existência. O fonograma, mesmo digital, continua sendo um arquivo de vida e um lugar de insurgência.
Derechos de autor 2025 Ollivia Maria Gonçalves https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Práticas com música para os jogos teatrais de Augusto Boal
Este artigo é um recorte de uma pesquisa de doutorado, realizada na Universidade de São Paulo, que tratou sobre práticas de performance em Música, associando-as às atuações de professores de instrumento musical, mais especificamente, do violoncelo. Essas práticas foram abordadas conforme os pontos de vista artísticos e antropológicos. Este artigo tem o objetivo de apresentar as ideias que constituíram um dos referenciais teóricos do trabalho, mais precisamente, as concepções de Augusto Boal (1982; 2009) sobre as práticas do Teatro do Oprimido. O texto também indica 10 propostas práticas recolhidas do livro do autor intitulado 200 Exercícios e Jogos para o Ator e o Não Ator com Vontade de Dizer Algo Através do Teatro (1982), e adaptadas para práticas com música. Essas ideias foram discutidas em diálogo com o pensamento de Paulo Freire, Richard Schechner e Christopher Small. Como principais considerações do trabalho, acreditamos que as propostas dos jogos de Boal adaptadas para práticas com música são instrumentos capazes de desmanchar certas estruturas musculares a elas relacionadas e possibilitam a construção de formas distintas de expressão. Consideramos que tais abordagens são caminhos de uma Educação Musical Libertadora.
Derechos de autor 2025 Marta Macedo Brietzke, Fabio Soren Presgrave, Mário André Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Seetha, a serpente, a tumba, tiki pop and surf rock: o “Orientalismo” na trilha musical
Este artigo analisa a representação do Oriente na cultura midiática ocidental por meio da música tomando, como estudo de caso, a cena da dança de Seetha no filme Sepulcro Indiano (Fritz Lang, 1959). A trilha original faz uso de arranjos orquestrais associados ao exotismo para construir uma paisagem sonora que evoca mistério e sensualidade. A análise se apoia no conceito de contrato audiovisual de Chion (1990), revelando como som e imagem se articulam para produzir sentido. Em contraponto, a substituição da trilha por Misirlou, em arranjo de Martin Denny, insere a estética tiki pop e altera significativamente a atmosfera da cena, esvaziando sua dramaticidade e intensificando o aspecto kitsch. O artigo aborda como o "Oriente" é sistematicamente representado como exótico, de forma estereotipada, pelo viés do Ocidente. Apoiado na semiótica da cultura de Iuri Lotman (1981), considera-se a incorporação da canção Misirlou como exemplo de “movência” da obra (Zumthor, 2005), possibilitando a incorporação de extrínsecos a uma dada cultura. A persistente estetização do exótico, em contextos midiáticos, cria paisagens sonoras que, embora descontextualizadas, permanecem no imaginário ocidental. Tendo como referenciais teóricos, os conceitos de tópicas musicais, canção das mídias, nomadismo, pergunta-se: Que elementos estão nelas presentes que levam ao conceito assimilado pelo imaginário do ouvido ocidental, elaborado pelos arranjadores? A presença de elementos capturados –e filtrados- pela cultura do Ocidente, mantêm-se como componentes de um “Oriente” genérico e impreciso: a adoção da escala Hijaz (frígio dominante) e timbres específicos apontam que sistemas modais ainda causam estranhamento, dada a falta de hábito de escuta.
Derechos de autor 2025 Heloísa de Araújo Duarte Valente, Paulo César Baptista https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Música, palavra e sentido no Lied romântico: uma análise da canção Waldesgespräch, de Robert Schumann
Neste artigo apresentamos uma análise da canção Waldesgespräch (op. 39, n. 4), composta por Robert Schumann (1810-1856) a partir do poema de Joseph von Eichendorff (1788-1857), tendo como objetivo verificar a relação entre música e texto na construção de sentido da obra. Partimos da consideração de questões estéticas ligadas ao gênero lied no romantismo alemão, bem como das próprias reflexões de Schumann presentes em seus escritos críticos. Em seguida, são analisados os diversos aspectos musicais (como harmonia, rítmica, dinâmica e textura) à luz dessas reflexões, buscando compreender como eles se relacionam com o sentido depreendido do poema. Por fim, concluímos que, mais do que meramente refletir o significado das palavras, a música é responsável por agregar novos sentidos, indo além do que expressa o texto.
Derechos de autor 2025 Beatriz Stervid, Jonathan Morais https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
É com prazer que apresentamos este novo número da Revista Música. Depois de um processo de retomada do ritmo de publicações após a estabilização da pandemia da Covid-19, tivemos um aumento notável de submissões. Isso nos incentivou a fazer pequenas mudanças no processo editorial visando uma otimização da avaliação dos textos recebidos, tornando o processo mais criterioso, buscando manter a boa qualidade dos textos apresentados. Este número traz vários artigos sobre aspectos diferentes da cultura musical brasileira, abordando temas como a capoeira, o samba, o carnaval, a cultura dos cocos e do bumba meu boi. Esse bloco se complementa com uma análise dos fã-clubes na projeção da popularidade de uma artista. Um segundo bloco é composto de quatro textos voltados para a composição. Dois dos artigos trazem reflexões sobre a prática da criação contemporânea. Na sequência, outros dois textos promovem uma abordagem musicológica do campo. O primeiro traz a questão da retórica e da teologia na música Bach, enquanto o segundo coloca a produção de Villa-Lobos em perspectiva. Fechando este número, temos uma instigante entrevista com Aylton Escobar, um dos músicos brasileiros mais criativos da sua geração. Desejamos a vocês uma excelente leitura!
Derechos de autor 2024 Fernando Iazzetta https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ressonâncias das encruzilhadas: Lorenzo Dow Turner e o Grupo de Capoeira Angola Estrela do Norte
Nas últimas décadas, os arquivos sonoros de instituições da Europa e da América do Norte emergiram como fontes abundantes de pesquisa para etnomusicólogos, folcloristas e antropólogos, oferecendo registros únicos das práticas musicais do Sul Global. Embora etnomusicólogos tenham explorado a possibilidade de repatriar esses arquivos, abordando um legado colonial destes, certos aspectos dessa abordagem de pesquisa diminuem a agência e a subjetividade dos colaboradores participantes no processo de repatriação. Este artigo investiga o diálogo entre o passado e presente ao colaborar com o Grupo de Capoeira Angola Estrela do Norte, liderado por Mestre Iuri Santos, com sede em Bloomington, Indiana, para criar um álbum musical de capoeira. O álbum se inspira em entrevistas com praticantes contemporâneos de capoeira e nos arquivos sonoros de capoeira produzidos pelo linguista afro-americano Lorenzo Dow Turner em 1940 e 1941 em Salvador, Bahia, armazenados nos Archives of Traditional Music (ATM) da Universidade de Indiana. O estudo, baseado em dois anos de trabalho de campo, inclui entrevistas semiestruturadas, observação participante das aulas de capoeira, sessões de audição atenta à coleção de Lorenzo Dow Turner, e o processo de pré-gravação, gravação e pós-produção do álbum. Este artigo introduz uma abordagem teórico-metodológica inovadora aos arquivos sonoros, apresentando uma modalidade diferente de pesquisa acadêmica que justapõe o arquivo e o repertório, estabelecendo um diálogo na etnomusicologia centrada na performance, com foco em pesquisa participativa baseada no som.
Derechos de autor 2024 Caio de Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Villa-Lobos’s Nonetto (1923): a savage’s music?
Composed during his first trip to France, Heitor Villa-Lobos' Nonetto (1923) is intended to be a link between French musical taste between the two wars and a Brazil teeming with popular music. Influenced by the model of Igor Stravinsky and Edgar Varèse, this nonet received an enthusiastic reception from the Parisian public. The piece has a single movement of about thirteen minutes. It contains many singularities of construction that this article aims to analyze. Its unusual formation, the presence of a mixed choir, strangely underused, the extreme fragmentation of the discourse, the incantatory melodies, the abrupt accentuations, the rhythmic scansion, the rhapsodic and composite structure: everything seems to indicate that this is music for "savages", according to the criteria understood as such in interwar France, eager for exoticism and a change of scenery. Unlike the young European nations, sometimes cultivating a quest for purity in national expression, like the ethnographic work of Béla Bartók, Villa-Lobos restores the perception of a multiplicity of influences, which the Nonetto and other scores of the same period such as Uirapurú (1917) or Amazonas (1917) manifest by a relative juxtaposition of the way in which communities often very separate live: Portuguese-speaking immigrants (or not), descendants of slaves, Amerindians. It will be a question of putting into perspective the characteristics of the "savage" in France throughout history and then showing, through musical analysis, how the Brazilian composer integrated them to his advantage in this work, which constitutes a decisive milestone in his rich musical production.
Derechos de autor 2024 Etienne Kippelen https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Por um esboço do som: o estudo como gênero poético da performance musical
Este artigo propõe uma investigação acerca do gênero ‘estudo’ enquanto espaço de experimentação criativa, buscando compreender a partir dessa perspectiva a realização do processo composicional na música. Num primeiro momento, recorremos à noção de esboço no pensamento do filósofo francês Denis Diderot, relacionando-o com a concepção do rascunho na obra do compositor brasileiro Silvio Ferraz e a concepção do ensaio em Adorno. Posteriormente, buscamos em Mikhail Bakhtin a fundamentação teórica sobre a intertextualidade presente no estudo, entendendo-o como um gênero discursivo primário que, a partir da incorporação na performance, é reelaborado enquanto gênero secundário. Finalmente, sugerimos algumas aplicações da discussão no âmbito da performance e suas possibilidades criativas, com foco na elaboração de estudos para viola caipira, relatando tal processo criativo.
Derechos de autor 2024 William Teixeira, Lucas Mateus Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O Maestro Duda e sua relação com a música tradicional maranhense
No presente trabalho é demonstrada e realizada uma reflexão acerca do contato do Maestro Duda com a música tradicional maranhense, que ocorreu, primeiramente, nos anos de 1993 e 1994 em São Luís do Maranhão. Para esse fim, buscou-se compreender em que contexto a Suíte Monette (1994) foi escrita, uma vez que a referida obra pôde ser identificada como a primeira composição brasileira para metais escrita com elementos oriundos da música tradicional maranhense. Buscou-se ainda relacionar o quarto movimento da Suíte Monette, o Boi Bumbá, com o Bumba meu Boi praticado no Maranhão, através da identificação dos elementos rítmicos contidos no movimento em questão. Por fim, demonstrou-se outros trabalhos artísticos realizados pelo Maestro Duda como regente, orquestrador e instrumentista em São Luís do Maranhão entre os anos de 1996 e 1998.
Derechos de autor 2024 Daniel Moraes Cavalcante, Paulo Adriano Ronqui https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Contextualización sociopolítica de Cocos: pasado, presente y futuro
El objetivo de este artículo es ofrecer una breve reseña histórica de la relación entre los Cocos y la sociedad. En este recorrido presentamos el origen de esta manifestación popular, nombrando sus principales características, atravesamos episodios de persecución y seguimos el camino de popularización del genero con la llegada de la radio. Se esbozan las principales iniciativas de investigación académica e institucional sobre los Cocos, se presentan las primeras impresiones de un estudio de campoen el Coco de Tebei y se destaca la necesidad de avanzar hacia la patrimonialización del Coco. Las conclusiones refuerzan la necesidad de transformar la relación entre los Cocos y la sociedad a través de acciones concretas en diferentes ámbitos.
Derechos de autor 2024 Ísis Arrais Padilha, Renata Pompêo do Amaral, Sayonara Sousa Pereira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Continuidades Carnavalescas: algumas agremiações e suas confluências
O presente artigo discute a criação e/ou permanência de algumas agremiações carnavalescas que surgiram ou que se mantiveram no período compreendido entre as décadas de 1950 e meados de 1980. Tal período é conhecido por um suposto arrefecimento do carnaval de rua carioca, principalmente quando se toma por base a região central da cidade. Em contraste com a segunda metade do século XIX e primeira metade do XX (períodos muito bem discutidos, principalmente pela história social do carnaval carioca) tal recorte histórico ainda não recebeu a devida atenção da historiografia, de forma que o objetivo do artigo é contribuir para o esforço de melhor compreender tal período. As noções de continuidades das práticas negras no espaço central e do mesmo território enquanto área de confluência da população negra, principalmente no carnaval, são argumentos centrais do texto. Elabora-se, ainda, um contraponto aos conceitos de revitalização” e de “retomada” do carnaval de rua carioca.
Derechos de autor 2024 Thiago de Souza Borges https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
BWV 245 – Johannes-Passion: musicando a Paixão de Cristo
Este artigo se concentra no oratório sacro Johannes-Passion, BWV 245, para explorar como a música barroca, especialmente nas Paixões de Johann Sebastian Bach, visa evocar emoções coletivas. O estudo destaca o uso da retórica musical por Bach para expressar os afetos na poesia teológica, especificamente a Doutrina dos Afetos. Analisamos como Bach conecta elementos musicais a estados emocionais específicos, buscando compreender sua abordagem estilística pedagógica na transmissão da fé ao integrar música, texto bíblico e poesia espiritual. Esta perspectiva destaca a habilidade singular deste compositor barroco em transitar entre as dimensões do texto sagrado e a expressão dramática e emocional na música.
Derechos de autor 2024 Odilon Duffeck, Marcelo Ramos Saldanha, Fernando Batista de Campos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0