A Revista Sala Preta é uma publicação quadrimestral do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGAC) vinculado a Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Iniciada em 2001, a Revista é um dos primeiros periódicos brasileiros especializados em Artes Cênicas e atualmente é uma das revistas da área de Artes avaliada como “A1” pelo programa QUALIS/CAPES. Após dez anos de existência em versão impressa, a revista inaugurou em 2011 a sua edição eletrônica. A partir da edição número 11 de 2011 optou-se pela produção somente em suporte digital. Esta decisão editorial teve o intuito de tornar a revista mais ágil, facilitando tanto a colaboração quanto a leitura de pesquisadores e artistas interessados em temáticas instigantes e abordagens inovadoras no campo das artes cênicas. Com este novo suporte a revista pôde ter seu plano de distribuição alterado e passou a receber acessos e artigos de todas as partes do mundo. A partir de 2022, depois de um período de interrupção de sua publicação em 2021, a Revista Sala Preta se re-estrutura, aderindo a um formato de gestão horizontalizado, pensado e mantido por um novo grupo de editores, que também promoveram ajustes nos formatos e seções da revista, readequando-a para novos tempos. Atualmente, a Sala Preta aceita submissões de Artigos, Entrevistas, Críticas, Resenhas, e Traduções, tanto em fluxo contínuo como para dossiês temáticos, que serão publicados em três números por volume/ano.
Universidade de São Paulo, Escola de Comunicações e Artes
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Presentación del Cuerpo Editorial del v. 25, n. 1 de la Revista Sala Preta – editores responsables del dossier temático, editores ejecutivos y asociados, equipo técnico, consejo científico y los evaluadores que participaron en esta edición. Presentamos también los apoyos y financiamientos que hacen posible la publicación de la Revista.
Derechos de autor 2026 Corpo Editorial da Revista Sala Preta https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La performance como campo de enseñanza superior en artes escénicas en Brasil: Marcos Bulhões entrevista a Lucio Agra y Naira Ciotti
Con el fin de discutir la relevancia de la Performance como un área significativa en la educación superior en Artes Escénicas en Brasil, Marcos Bulhões entrevistó a Naira Ciotti y Lucio Agra, integrantes del equipo liderado por Renato Coehn que creó el programa Artes do Corpo en la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (PUC-SP). La reflexión sobre este experimento curricular pionero constituye el punto de partida para una conversación sobre los desarrollos individuales de este enfoque metodológico, que integra creación, aprendizaje y reflexión crítica.
Derechos de autor 2026 Marcos Bulhões, Lucio Agra, Naira Ciotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Derechos de autor 2026 Alessandra Montagner, Lucio Agra, Mara Leal, Marcos Bulhões Martins, Naira Ciotti, Vanja Poty https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Panorama de las relaciones entre el arte de la performance, los estudios de la performance y la universidad brasileña
La publicación presenta la transcripción de la intervención de Bia Medeiros en la mesa redonda «Panorama de las relaciones entre el arte de la performance y los estudios de la performance con la universidad brasileña», celebrada en la inauguración del I Coloquio Interinstitucional «La performance como área», el 5 de mayo de 2022. En esta edición de la revista Sala Preta, dedicada a la cuestión de la performance como área en Brasil, publicamos esta conferencia como homenaje póstumo a la artista, profesora e investigadora —fallecida el 28 de noviembre de 2024— y como reconocimiento a su inmensa contribución a la consolidación de este campo y del arte de la performance en nuestro país.
Derechos de autor 2026 Maria Beatriz de Medeiros (in memoriam) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
De la enseñanza a la transmisión: tres prácticas pedagógico-performativas para experiencias de performance en espacios de enseñanza y aprendizaje
Este artículo analiza tres prácticas pedagógico-performativas para la enseñanza de la performance, repetir, escuchar y elaborar, experimentadas en la asignatura ‘Práctica Docente en Arte Contemporáneo y Escena Expandida’, del programa de Artes Escénicas de la Universidade de Brasília. El análisis pone de relieve el carácter procesual, colectivo y abierto a lo inesperado de las prácticas performativas. Se argumenta que la performance implica la transmisión de un saber, transformando la clase en un programa y orientando la enseñanza por una ética de la creación y la experiencia.
¿Los estudios de performance son imperialistas?
En este texto, el teórico estadounidense Jon McKenzie examina lo que denomina como la estructura oculta que subyace los Estudios de Performance. McKenzie organiza dicha estructura a partir del análisis de comentarios y de percepciones de investigadores y artistas periféricos al eje Estados Unidos/Reino Unido —el cual sostiene el canon, las tendencias y la lengua dominantes en el área. La pregunta central del texto, ya anunciada en su título, refleja percepciones que también son ampliamente compartidas en el contexto brasileño, sobre el imperialismo de los Estudios de Performance. Así, esta traducción, en el momento actual de la investigación en performance en el país y en el contexto de este Dossier, busca contribuir con una mejor comprensión del lugar específico y de enfoques críticos para del campo de la performance en el Brasil.
Derechos de autor 2026 Jon McKenzie; Alessandra Montagner https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
«Odiar el teatro»: intersecciones de la performance en las obras teatrales de Marina Abramovic
Este artículo analiza cómo la trayectoria artística de Marina Abramovic complica la relación dicotómica entre performance y teatro que ella misma propuso. A partir del análisis de tres obras de Abramović (Biografía, Delirante y Siete Muertes de Maria Callas), se argumenta que la línea entre estos dos lenguajes es tenue y susceptible de transición. Se establecen paralelismos entre conceptos propios de la performance —performativo, orden de presencia y acontecimiento— y conceptos propios del teatro —teatralidad, personaje y orden de representación—, mostrando cómo estas categorías se interpenetran. La reflexión de Cohen destaca que esta hibridación también marca la práctica escénica brasileña. Se concluye que la oposición entre estos lenguajes es insuficiente para describir la complejidad de la práctica escénica, incluso la de la propia Marina Abramovic.
DOSSIÊ A QUESTÃO DA PERFORMANCE COMO ÁREA NO BRASIL
Ola negra: notas sobre el concepto de Performance Negra
Este artículo propone una reflexión teórica sobre el concepto de performance negra, desde una perspectiva contracolonial y crítica de la geopolítica del conocimiento. Metodológicamente, se orienta por el pensamiento de Diana Taylor y Leda Maria Martins, quienes entienden los estudios de la performance como una forma de producción de conocimiento. En este debate, reflexionar sobre el concepto de performance negra implica reconocer un conjunto de acciones artísticas, políticas y poéticas elaboradas por artistas que se autodefinen como personas negras (negras y pardas), cuyas creaciones dialogan con cuestiones étnico-raciales, situando al cuerpo negro como un lugar de producción de conocimientos críticos sobre la sociedad brasileña.
Derechos de autor 2025 Daniele Avila Small, Marcos Antônio Alexandre, Sofia Boito https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La institucionalización de la performance: sobre la inclusión de acciones en museos brasileños
Con el objetivo de contribuir a los estudios de performance, este artículo informa sobre el desarrollo de la Guía para la Preservación del Arte de Performance en Museos Públicos Brasileños (2025), lanzada por el Grupo de Investigación Musealización del Arte: Poéticas en Narrativas (UFBA/UnB) con financiamiento del Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico y distribuida por el Instituto Brasileño de Museos. Tras una breve reseña del cambio de mentalidad que permitió la adquisición de arte de performance por parte de las colecciones de arte y una descripción de los desafíos que enfrentaron los profesionales de museos capacitados en la preservación de arte material, se presenta un panorama general de las etapas del proyecto y el apoyo recibido, así como las lecciones aprendidas para la incorporación del arte de performance como campo académico en Brasil.
Derechos de autor 2026 Bianca Andrade Tinoco, Anna Paula da Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Las investigaciones pioneras de Renato Cohen: Grupo de Estudios de la Performance de la PUC/SP – persona, pedagogías y apuntes para el futuro
Este breve relato presenta la trayectoria del Grupo de Estudios de Performance de la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (PUC/SP, CNPq), creado en 2002 por Renato Cohen (1956-2003) en diálogo con los estudios de performance desarrollados en los ámbitos académico y artístico. El Grupo de Estudios ha tenido diversas configuraciones a lo largo de los años, abarcando líneas de investigación y formatos de encuentro tan diversos como el propio campo. El conocimiento producido se ha compartido a través de eventos académicos y artísticos, proponiendo un enfoque innovador para el proceso de enseñanza-aprendizaje de las Artes en la universidad. Específicamente, también aborda acciones en pedagogía de la performance, iniciadas en el Grupo de Estudios y continuadas a través de sus profesores y alumnos.
Pontificia Universidad Católica de São Paulo - PUC/SP
Derechos de autor 2026 Samira Brandão, Lucila Andreozzi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Performance en la lengua: entr’vistas - Fernanda Raquel y Maria Victoria Abdalla entrevistan Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Coletivo Parabelo y João Perci Schiavon
A través de entrevistas con los artistas e investigadores Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Coletivo Parabelo y João Perci Schiavon, este material presenta una instantánea del arte de performance en el sureste brasileño contemporáneo, ofreciendo pistas sin agotar las posibilidades de mapeo que surgen en este vasto territorio. Para ello, parte de preguntas sobre su denominación, qué lo define, cómo se forma una forma de arte de performance, cómo es posible pensarlo considerando territorios institucionales ya establecidos y dónde se encuentra hoy, ahora mismo, en Brasil. A través de una cartografía tejida desde perspectivas que operan en espacios heterogéneos, el arte de performance se constela en diversos lugares, como escuelas, clínicas psicoanalíticas, museos, el entorno doméstico y la ciudad.
Derechos de autor 2026 Fernanda Raquel, Maria Victoria Abdalla, Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Bárbara Kanashiro Mariano, Denise Pereira Rachel, Diego Alves Marques, João Perci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“Cuerpo postpandemia”: (re)significaciones de la relación cuerpo-espacio y del hogar
Este artículo aborda la relación entre el cuerpo y el espacio residencial durante la pandemia mundial de coronavirus. Desde entonces, los estudios sobre espacialidad en arquitectura se han mostrado urgentes para comprender cómo el confinamiento ha transformado las formas en que el cuerpo-sujeto percibe los espacios. Por lo tanto, se presentan discusiones sobre el impacto de este fenómeno en estudiantes de Danza de la Universidade Federal de Viçosa – Minas Gerais. La investigación cualitativa es un Estudio de Caso, realizado con prácticas corporales de sensibilización en danza, con el objetivo de discutir la percepción cuerpo-espacio de los participantes. Los resultados mostraron transformaciones corporales, como retracción de movimientos, la dependencia de entornos virtuales y la falta de flexibilidad en el entorno doméstico.
Derechos de autor 2026 Ronaldo Mansur, Andréa Bergallo Snizek, Matheus Menezes Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro del oprimido y la negritud: reflexión de una práctica pedagógica en el teatro negroreferenciado
El principal objetivo de este texto es presentar un relato de experiencia en Teatro del Oprimido (TO) a partir del tema de la Negritud, a partir de tres talleres realizados en Macapá (AP). Partiendo del supuesto de que la esencia del Teatro del Oprimido es abordar las cuestiones sociales y los procesos de opresión existentes en la sociedad, nos enfocamos en la perspectiva racial, insertando metodologías negroreferenciadas en la práctica llevada a cabo al comprender la necesidad de enfatizar la cuestión afrobrasileña, así como establecer ese conocimiento como elemento para una experiencia diferenciada y ampliada a la técnica en cuestión. Este trabajo reflexiona sobre la práctica de la TO con personas negras, además de brindar una breve trayectoria histórica de la relación entre Teatro del Oprimido y la Negritud, contextualizando ambientes y personas.
Caminos posibles para performar en (la) escuela
Este artículo presenta reflexiones sobre la presencia de la performance en el ámbito escolar a partir de experiencias desarrolladas en el aula. Las acciones propuestas buscan activar el espacio escolar, atribuyendo nuevos significados a través de los cuerpos de los estudiantes. A lo largo del texto, se discuten posibilidades de incorporación de la performance en las prácticas pedagógicas, especialmente en lo que se refiere a la noción del docente-performer y al potencial de la performance en el contexto educativo. Los resultados indican que la performance se constituye como una aliada fundamental de la práctica docente, potenciando procesos creativos y contribuyendo a la resignificación del espacio escolar.
El cuerpo-puente de una artista combativa: Patricia Freitas entrevista Micaela Cyrino
El siguiente texto presenta la transcripción de una entrevista reciente con la artista performática de São Paulo, Micaela Cyrino, cuyas obras están marcadas por el compromiso con cuestiones sociales, como la lucha por una salud pública de calidad y por la equidad de género y raza. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Cura (2015) y $OROPO$ITIVA (2019), presentados tanto en Brasil como en el extranjero, y que también están presentes en los archivos del Hemispheric Institute gestionado por la Performance School, afiliada a la Universidad de Nueva York. En esta conversación, Cyrino revela cuáles son sus principales influencias estéticas y éticas, así como señala los puntos fundamentales y los desafíos actuales del arte negro y contrahegemónico.
Encrucijada: performance negra y arte escénico con perspectivas sobre el cuerpo negro
El artículo analiza las confluencias entre la performance negra y el arte escénico, destacando el cuerpo como territorio de memoria, resistencia y creación. Los autores destacan cómo la performance negra, arraigada en la diáspora africana, afirma la humanidad, produce subjetividad y actúa como estrategia antirracista. Las prácticas artísticas negras —híbridas, ritualísticas o comprometidas— reafirman la oralidad, la ascendencia y denuncian la violencia colonial y contemporánea. En Brasil, experiencias como las de Lucimélia Romão, Priscila Rezende, Mônica Santana y otras artistas demuestran cómo estas performances desestabilizan las epistemologías eurocéntricas, exponen el racismo estructural y reivindican el derecho a la vida y al disfrute. El arte escénico, a su vez, surgió en la vanguardia del siglo XX y se consolidó como un lenguaje híbrido, pero al ser permeado por los cuerpos negros, adquirió una dimensión política específica.
Derechos de autor 2026 Monica Pereira de Santana, Lucimélia Aparecida Romão https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O Brasil como problema no teatro, o teatro brasileiro como problema histórico
Derechos de autor 2025 Luiz Paulo Pimentel de Souza, Mariana Soutto Mayor, Paulo Bio Toledo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La luz escénica engendrando bricolajes en el teatro infantil
Este artículo propone una reflexión sobre el papel de la luz escénica en el teatro infantil como un lenguaje poético, capaz de desarrollar la imaginación y fomentar múltiples interpretaciones. Fundamentado en los conceptos de bricoleur de Claude Lévi-Strauss y en los estudios de Gaston Bachelard sobre la imagen poética como fenómeno variacional, se entiende al espectador, especialmente al niño, como un agente activo en la construcción de significados, articulando fragmentos visuales con base en sus subjetividades. Apoyado también en los postulados de Lev Vygotsky sobre los mecanismos de la imaginación creativa, el estudio investiga cómo los procesos propios del desarrollo infantil son activados por el diseño de la luz, atribuyendo a este espectador una mirada de bricoleur ante la escena.
Derechos de autor 2025 Fernanda Guimarães Mattos Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Registro de las investigaciones y de los investigadores del programa de performances culturales en la Facultad de Ciencias Sociales – UFG
La presente investigación tuvo como objetivo registrar e inventariar las investigaciones desarrolladas en el Programa de Posgrado en Performances Culturales (PPGPC) de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Federal de Goiás (UFG). Fundamentada en una perspectiva interdisciplinaria de las performances como prácticas sociales, artísticas y políticas, a la luz de los aportes de Victor Turner, Robson Corrêia de Camargo y otros investigadores del área, se realizó un relevamiento en la base de datos institucional de la UFG. Una vez identificadas las tesis de maestría y doctorado, sus categorizaciones sirvieron como fuente de muestreo de los estudios en performances culturales.
Investigaciones en performances culturales
Investigadores en performances culturales
Derechos de autor 2026 José Henrique Rodrigues Machado, Vânia Dolores Estevam de Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El programa de posgrado en performances culturales de la UFG: formación de artistas y debate sobre Performances Negras
El Programa de Posgrado en Artes, Culturas y Tecnologías de la UFG se creó en 2012 en el área interdisciplinaria de CAPES, en la EMAC, como una opción de formación alternativa para profesionales de las artes en Goiânia. Se transfirió a la Facultad de Ciencias Sociales y, en 2025, al Media Lab/UFG, cuando pasó a denominarse Programa de Posgrado en Artes, Culturas y Tecnologías. A pesar de los cambios institucionales, su vocación interdisciplinaria y su contribución a la formación de artistas diversos son evidentes. Este artículo destaca el trabajo de investigadoras negras y la producción de estudios que articulan las Artes, la Cultura y la identidad negra, presentando una revisión bibliográfica y un panorama general de la constitución, las transformaciones y la permanencia del Programa en relación con la noción de Artes Negras.
La danza en tiempos de pandemia: vivencias y sentidos en el espacio virtual desde una perspectiva fenomenológica
Este artículo presenta un análisis fenomenológico de la experiencia vivida por jóvenes integrantes del Laboratorio de Estudios del Cuerpo (LEC) durante la pandemia de la covid-19, con énfasis en los efectos del aislamiento social sobre la práctica de la danza en entornos virtuales. Esta investigación se llevó a cabo mediante entrevistas en profundidad, registros visuales y diarios de clase, con el objetivo de comprender cómo los nueve participantes resignificaron el espacio doméstico y sus propios cuerpos mediante el desarrollo de nuevas formas de expresión y resistencia corporal. El análisis de los datos se realizó a partir del enfoque fenomenológico para captar los sentidos atribuidos por los participantes a sus vivencias. Los resultados revelan que la danza se constituyó como una estrategia de afrontamiento emocional, reinvención de vínculos afectivos y fortalecimiento de la corporeidad, incluso frente a las restricciones técnicas y espaciales impuestas por el contexto pandémico. Se concluye que, a pesar del distanciamiento físico, la práctica artística fue preservada al reafirmar la potencia del cuerpo en movimiento como forma de resiliencia y superación.
Derechos de autor 2025 Kaio César Cellli Mota, Michele Viviene Carbinatto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Derechos de autor 2025 Henrique Rochelle, José Veríssimo, Marilia Velardi, Suzana Schmidt Viganó https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El estiramiento de las formas dramatúrgicas en las propuestas para un público-participante: Un estudio de las obras Manifesto Transpofágico, Azira’i – um musical de memórias y Hoje não saio daqui
La premisa de este estudio es investigar formas dramatúrgicas que incluyan en sus estructuras juegos performativos, aperturas de la experiencia escénica al azar, teniendo en cuenta la relación con un público participante corresponsable de la escena. Estas propuestas se analizarán a partir de tres obras brasileñas contemporáneas: Manifesto Transpofágico (2021), de Renata Carvalho, Azira’i – um musical de memórias (2024), de Zahy Tentehar y Duda Rios, y Hoje não saio daqui (2020), de Cia Marginal y Jô Bilac. Los textos fueron escritos por actores-autores en su mayoría para sus propios cuerpos teniendo en cuenta sus identidades disidentes. Partiendo de presupuestos autoficcionales y fabulación crítica, estas voces acceden a estructuras sociales más amplias al contribuir a la escena decolonial.
Derechos de autor 2025 Juliana Pamplona https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dramaturgia del encuentro: la planificación de clase como práctica dramatúrgica
Este artículo propone comprender la planificación de clases de teatro como una práctica dramatúrgica. Basado en la noción contemporánea de dramaturgia como composición de lo sensible, este texto introduce el concepto de “dramaturgia del encuentro” para desplazar la planificación de su función prescriptiva y normativa hacia un gesto creativo, sensible y colectivo. A partir de una lectura crítica de las reformas curriculares y de la centralidad actual de las habilidades y competencias, se investiga cómo habitar la contradicción del presente sin renunciar a la creación. En esta perspectiva, planificar es construir estéticamente atmósferas, campos de presencia y zonas de latencia, en que la clase se configura como una escritura provisional de mundos posibles.
Derechos de autor 2025 Filipe Brancalião Alves de Moraes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Os Ossos do Barão, de 1963: recuerdos del encuentro entre Jorge Andrade y Maurice Vaneau
A partir de trazos de texto y de escena teatral, este artículo pretende proponer un retorno al inicio de la década de 1960 para echar un vistazo a los creadores de uno de los montajes teatrales más exitosos del período: Os Ossos do Barão, de 1963. Escrita por Jorge Andrade, la pieza fue puesta en escena por Maurice Vaneau en el Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). El encuentro resultó en una producción que permaneció en escena durante algunos años y atrajo a espectadores y críticos, y, actualmente, nos ayuda a comprender la presencia de directores extranjeros en Brasil y una forma de producir teatro que consolidó la presencia de directores/directoras en las décadas siguientes.
Derechos de autor 2025 Luiz Humberto Martins Arantes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dramaturgias negras: sobre inscribir el color y el cuerpo como texto
Este artículo es resultado de la investigación doctoral, con el objetivo de analizar las dramaturgias negras –término utilizado en plural para designar tanto el texto escrito como el performado– como escrituras pulsantes implicadas en instaurar otras realidades mediante la aprehensión po[ética] de los procesos sociorraciales brasileños; reelaborar estéticamente las experiencias negras; y visibilizar epistemologías de la escena que muestran la negrura en su diferencia, creatividad y relevancia. A partir de las dramaturgias de Grace Passô y Anderson Feliciano, se pretende reflexionar sobre cómo estos artistas inscriben el color y el cuerpo como texto para producir efectos de lenguaje que, en un proceso de concepción formal, piensan en las contradicciones de la sociedad y de la experiencia teatral, y tejen capas múltiples y fabulares de la persona negra.
Derechos de autor 2025 Soraya Martins Patrocinio https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Violencia y racialidad en la dramaturgia contemporánea
Este artículo parte del concepto de “necronarrativa”, desarrollado por Aldri Anunciação, para analizar cómo se articulan la violencia y la racialidad en la dramaturgia contemporánea brasileña. Este estudio se enfoca en obras que tratan del genocidio y del encarcelamiento masivo de la juventud negra y periférica, como Buraquinhos ou o vento é inimigo do picumã (Jhonny Salaberg), Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos (Dione Carlos) y Cavalos pretos são imensos (Bárbara Esmenia). Estas piezas amplían las perspectivas raciales y de género al subvertir estereotipos y proponer nuevas poéticas que confrontan un imaginario históricamente construido por dramaturgos blancos. Este artículo se deriva de la tesis doctoral “Martes sin teatro: blackface, agencia y representaciones negras en la dramaturgia contemporánea”, defendida por mí con el apoyo de una beca de la CAPES.
Derechos de autor 2025 Marcos Nogueira Gomes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro brasileño moderno: Tradiciones interpretativas y vectores de difusión conceptual
Este artículo presenta un panorama teórico de las principales interpretaciones en torno a la idea de teatro moderno e identifica algunas cuestiones relacionadas con su difusión. Para ello, se analizan las perspectivas que observan el fenómeno mediante el surgimiento de la puesta en escena y de las innovaciones dramatúrgicas, para, luego, examinar su inserción en el contexto brasileño y sus vectores básicos de difusión conceptual. El objetivo es, por tanto, comprender los procesos históricos e intelectuales que hicieron posible su construcción y usos.
DOSSIÊ: TEATRO BRASILEIRO COMO PROBLEMA HISTÓRICO, O BRASIL COMO PROBLEMA NO TEATRO
Derechos de autor 2025 Henrique Brener Vertchenko https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Danza contextual y mediación cultural en el proyecto “Piel”: acciones entre el Teatro Municipal de São Paulo y las calles de la ciudad
Con el objetivo de problematizar cómo la arquitectura y las reglas de funcionamiento de los teatros tradicionales pueden perpetuar valores colonialistas y generar relaciones violentas de poder basadas en la segregación, esta investigación se centra en la danza contextual, en el Theatro Municipal de São Paulo y en las calles a sus alrededores. A partir del rescate de la historia del Theatro Municipal de São Paulo, este artículo discute las creaciones artísticas y acciones de mediación cultural desarrolladas durante el proyecto “Piel: entre el cuerpo, la calle y el Teatro”, al reflexionar sobre cómo las acciones de infiltrar, tensionar, dar la vuelta y bordear pudieron actuar en las grietas de las sólidas paredes de su edificio, ampliando los puntos de contacto entre el interior del Theatro y las calles a su alrededor.
Derechos de autor 2025 Laila Renardini Padovan https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0