A Revista Sala Preta é uma publicação quadrimestral do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGAC) vinculado a Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Iniciada em 2001, a Revista é um dos primeiros periódicos brasileiros especializados em Artes Cênicas e atualmente é uma das revistas da área de Artes avaliada como “A1” pelo programa QUALIS/CAPES. Após dez anos de existência em versão impressa, a revista inaugurou em 2011 a sua edição eletrônica. A partir da edição número 11 de 2011 optou-se pela produção somente em suporte digital. Esta decisão editorial teve o intuito de tornar a revista mais ágil, facilitando tanto a colaboração quanto a leitura de pesquisadores e artistas interessados em temáticas instigantes e abordagens inovadoras no campo das artes cênicas. Com este novo suporte a revista pôde ter seu plano de distribuição alterado e passou a receber acessos e artigos de todas as partes do mundo. A partir de 2022, depois de um período de interrupção de sua publicação em 2021, a Revista Sala Preta se re-estrutura, aderindo a um formato de gestão horizontalizado, pensado e mantido por um novo grupo de editores, que também promoveram ajustes nos formatos e seções da revista, readequando-a para novos tempos. Atualmente, a Sala Preta aceita submissões de Artigos, Entrevistas, Críticas, Resenhas, e Traduções, tanto em fluxo contínuo como para dossiês temáticos, que serão publicados em três números por volume/ano.
Universidade de São Paulo, Escola de Comunicações e Artes
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Apresentação do Corpo Editorial do v. 25, n.1 da Revista Sala Preta – ditores responsáveis pelo dossiê temático, editores executivos e associados, equipe técnica, conselho científico e os pareceristas atuantes nesta edição. Apresentamos também os apoios e financiamentos que possibilitam a publicação da Revista.
Direitos autorais (c) 2026 Corpo Editorial da Revista Sala Preta https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A performance como área no ensino superior em Artes Cênicas no Brasil: Marcos Bulhões entrevista Lucio Agra e Naira Ciotti
Para discutir a relevância da Performance como área significativa no âmbito do ensino superior em Artes Cênicas no Brasil, Marcos Bulhões entrevistou Naira Ciotti e Lucio Agra, integrantes da equipe liderada por Renato Cohen que criou o curso Artes do Corpo na PUC de São Paulo. A reflexão sobre este experimento curricular pioneiro é o ponto de partida para uma conversa sobre os desdobramentos desta abordagem metodológica que integra criação, aprendizagem e reflexão crítica.
Direitos autorais (c) 2026 Marcos Bulhões, Lucio Agra, Naira Ciotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
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Panorama das relações entre a arte da performance e dos Estudos da Performance com a universidade brasileira
A publicação apresenta a transcrição da fala de Bia Medeiros na mesa Panorama das relações entre a arte da performance e dos estudos da performance com a universidade brasileira, realizada na abertura do 1º Colóquio Interinstitucional Performance como Área, em 5 de maio de 2022. Nesta edição da revista Sala Preta, dedicada à Questão da Performance como Área no Brasil, publicamos esta palestra como forma de homenagem póstuma à artista, professora e pesquisadora — que faleceu em 28 de novembro de 2024 — e de reconhecimento de sua imensa contribuição para a consolidação do campo e da Arte da Performance em nosso país.
Direitos autorais (c) 2026 Maria Beatriz de Medeiros (in memoriam) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Do ensino à transmissão: três práticas pedagógico-performativas para experiências com performance em espaços de ensino/aprendizagem
Este artigo analisa três práticas pedagógico-performativas para o ensino de performance, repetir, escutar e elaborar, experimentadas na disciplina ‘Prática Docente em Arte Contemporânea e Cena Expandida’, do curso de Artes Cênicas da Universidade de Brasília. A análise evidencia o caráter processual, coletivo e aberto ao inesperado das práticas performativas. Argumenta-se que a performance implica a transmissão de um saber, transformando a aula em programa e orientando o ensino por uma ética da criação e da experiência.
Direitos autorais (c) 2026 Igor Passos Pires https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Os Estudos da Performance são imperialistas?
Neste texto, o teórico estadunidense Jon McKenzie apresenta aquilo que nomeia como a estrutura oculta que subjaz os Estudos da Performance. McKenzie organiza esta estrutura a partir da análise de comentários e percepções de pesquisadores e artistas periféricos ao eixo EUA/Reino Unido — que sustenta o cânone, as tendências e a língua dominantes na área. A pergunta central investigada neste texto, que já está posta no seu título, reflete percepções que são também comuns em território brasileiro, no que concerne o imperialismo dos Estudos da Performance. Portanto, esta tradução, neste momento da pesquisa em performance no país e no contexto deste Dossiê, busca contribuir com a melhor elaboração do local específico e de abordagens críticas para as possíveis dimensões da performance como área no Brasil.
Direitos autorais (c) 2026 Jon McKenzie; Alessandra Montagner https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“Odiar o teatro”: intersecções da performance nas peças teatrais de Marina Abramovic
Este artigo analisa como a carreira artística de Marina Abramovic complexifica a relação dicotômica entre performance e teatro que ela mesma propôs. A partir da análise de três peças teatrais de Abramović (Biography, Delusional e Seven Deaths of Maria Callas), argumenta-se que a linha entre essas duas linguagens é tênue e passível de trânsito. Aproximamos conceitos da performance — performativo, ordem de presença e evento — de conceitos do teatro — teatralidade, personagem e ordem de representação —, mostrando como essas categorias se interpenetram. A reflexão de Cohen evidencia que essa hibridização também marca a prática brasileira. Conclui-se que a oposição entre essas linguagens é insuficiente para descrever a complexidade da prática cênica, até mesmo da própria Marina Abramovic.
DOSSIÊ A QUESTÃO DA PERFORMANCE COMO ÁREA NO BRASIL
Direitos autorais (c) 2026 Luna Madsen Barbosa de Matos, Marcelo Puppi Munhoz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Onda negra: notas sobre o conceito de Performance Negra
Este artigo propõe uma reflexão teórica sobre o conceito de performance negra, a partir de uma perspectiva contracolonial e crítica da geopolítica do conhecimento. Metodologicamente, orienta-se pelo pensamento de Diana Taylor e Leda Maria Martins, que compreendem os estudos da performance como forma de produção de conhecimento. Neste debate, refletir sobre o conceito de performance negra é reconhecer um conjunto de ações artísticas, políticas e poéticas elaboradas por artistas que se autodeclaram pessoas negras (pretas e pardas) e cujas criações dialogam com questões étnico-raciais, colocando o corpo negro como lugar de produção de conhecimentos críticos sobre a sociedade brasileira.
Direitos autorais (c) 2026 Rodrigo Severo dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
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A institucionalização da performance: sobre a inclusão de ações em museus brasileiros
A fim de contribuir para os estudos da performance, o artigo relata a elaboração do Guia para preservação de obras de arte da performance em museus públicos brasileiros (2025), lançado pelo Grupo de Pesquisa Musealização da Arte: Poéticas em Narrativas (UFBA/UnB) com financiamento do Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico e distribuído pelo Instituto Brasileiro de Museus. Após breve histórico da mudança de mentalidade que viabilizou a aquisição de ações performáticas por coleções de arte e a descrição dos impasses vividos por profissionais de museus capacitados para a preservação da arte material, é apresentado um recorte das etapas do projeto e dos apoios angariados, bem como aprendizados para a admissão da performance como área acadêmica no Brasil.
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As pesquisas pioneiras de Renato Cohen: Grupo de Estudos da Performance da PUC/SP – persona, pedagogias e apontamentos para o futuro
Neste breve relato, apresentamos a trajetória do Grupo de Estudos da Performance da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC/SP, CNPq), criado em 2002 por Renato Cohen (1956-2003) em diálogo com os estudos da performance desenvolvidos no âmbito acadêmico e artístico. O Grupo de Estudos teve diversas configurações ao longo desses anos, perpassando linhas de pesquisa e formatos de encontros tão diversos quanto a própria área. Os conhecimentos produzidos foram compartilhados por meio de eventos acadêmicos e artísticos, propondo uma abordagem inovadora no processo de ensinar-aprender em Artes na universidade. De modo específico, também aborda ações em pedagogia da performance, iniciadas no Grupo de Estudos e continuadas por meio de seus professores e alunos.
Pontifícia Universidade Católica de São Paulo
Direitos autorais (c) 2026 Samira Brandão, Lucila Andreozzi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Linguajando performance: entr’vistas - Fernanda Raquel e Maria Victoria Abdalla entrevistam Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Coletivo Parabelo e João Perci Schiavon
Por meio de entrevistas com os artistas e pesquisadores Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Coletivo Parabelo e João Perci Schiavon, esse material apresenta um recorte sobre a performance na contemporaneidade do sudeste brasileiro, fornecendo pistas, sem esgotar as possibilidades de mapeamento que insurgem neste vasto território. Para isso, parte-se de indagações sobre a sua nomeação, o que a define, como se forma uma performance, como é possível pensá-la considerando os territórios institucionais já constituídos e onde ela se encontra hoje, agora, no Brasil. Por meio de uma cartografia tecida entre perspectivas que atuam em espaços heterogêneos, constela-se a performance em lugares variados, como na escola, na clínica psicanalítica, no museu, no ambiente doméstico e na cidade.
Direitos autorais (c) 2026 Fernanda Raquel, Maria Victoria Abdalla, Ana Luisa Santos, André Parente, Mário Ramiro, Bárbara Kanashiro Mariano, Denise Pereira Rachel, Diego Alves Marques, João Perci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“Corpo pós-pandemia”: (re)significações da relação corpo-espaço e da casa
Este artigo aborda a relação entre o corpo e o espaço residencial durante a pandemia global do coronavírus. Desde então, estudos sobre a espacialidade na arquitetura se mostraram urgentes para compreender como o confinamento transformou os modos do corpo-sujeito perceber os espaços. Portanto, apresenta-se discussões sobre a afetação de tal fenômeno em graduandos em Dança da Universidade Federal de Viçosa – Minas Gerais. A pesquisa qualitativa é um Estudo de Caso, realizado com práticas corporais de sensibilização em dança, com o intuito de dialogar sobre a percepção corpo-espaço dos participantes. Os resultados apresentaram redimensionamentos corporais, incluindo a retração de movimentos, a dependência dos ambientes virtuais e a ausência de flexibilidade no ambiente do lar.
Direitos autorais (c) 2026 Ronaldo Mansur, Andréa Bergallo Snizek, Matheus Menezes Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro do oprimido e negritude: reflexão de uma prática pedagógica em teatro negrorreferenciada
O presente texto tem como principal objetivo apresentar um relato de experiência em Teatro do Oprimido (TO) pautado na temática da Negritude, a partir de três oficinas realizadas em Macapá (AP). Partindo do pressuposto de que o Teatro do Oprimido tem como essência abordar questões sociais e os processos de opressão existentes na sociedade, focamos no recorte racial, inserindo na prática realizada metodologias negrorreferenciadas por entender a necessidade de ênfase na questão afro-brasileira, bem como estabelecer este saber como elemento para uma vivência diferenciada e ampliada à técnica em questão. Este trabalho reflete sobre a prática de TO com pessoas negras, além de fazer uma breve trajetória histórica da relação Teatro do Oprimido e Negritude, contextualizando ambientes e pessoas.
Direitos autorais (c) 2026 Emerson de Paula https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Possíveis caminhos para performar na (a) escola
Este artigo apresenta reflexões sobre a presença da performance no ambiente escolar a partir de experiências desenvolvidas em sala de aula. As ações propostas buscam performar o espaço escolar, atribuindo novos sentidos por meio dos corpos dos estudantes. Ao longo do texto, discutem-se caminhos para a inserção da performance nas práticas pedagógicas, especialmente no que se refere à noção de professor-performer e às possibilidades da performance no contexto escolar. Os resultados indicam que a performance se constitui como aliada fundamental da prática docente, potencializando processos criativos e a ressignificação do espaço escolar.
Direitos autorais (c) 2026 Aline Vasconcelos Barreto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O corpo-ponte de uma artista combativa: Patricia Freitas entrevista Micaela Cyrino
O texto a seguir apresenta a transcrição de uma entrevista recente com a performer paulistana Micaela Cyrino, cujas obras são marcadas pelo engajamento com questões sociais, como a luta por uma saúde pública de qualidade e pela equidade de gênero e raça. Entre seus trabalhos mais marcantes, figuram-se Cura (2015) e $OROPO$ITIVA (2019), performados no Brasil e no exterior, e que também estão presentes em arquivos do Hemispheric Institute gerido pela Performance School, filiada à Universidade de Nova Iorque. Nesta conversa, Cyrino desvela quais são suas principais influências estéticas e éticas, bem como assinala quais são os pontos basilares e os desafios atuais da arte negra e contra-hegemônica.
Direitos autorais (c) 2026 Patricia Freitas dos Santos, Micaela Cyrino https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Encruzilhada: performance negra e performance art com perspectivas para o corpo negro
O artigo discute as confluências entre performance negra e performance art, destacando o corpo como território de memória, resistência e criação. As autoras evidenciam como a performance negra, enraizada na diáspora africana, afirma humanidade, produz subjetividade e atua como estratégia antirracista. As práticas artísticas negras — híbridas, ritualísticas ou engajadas — reafirmam a oralidade, a ancestralidade e a denúncia das violências coloniais e contemporâneas. No Brasil, experiências como as de Lucimélia Romão, Priscila Rezende, Mônica Santana e outras artistas demonstram como essas performances desestabilizam epistemologias eurocêntricas, expõem o racismo estrutural e reivindicam o direito à vida e ao gozo.
Direitos autorais (c) 2026 Monica Pereira de Santana, Lucimélia Aparecida Romão https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O Brasil como problema no teatro, o teatro brasileiro como problema histórico
Direitos autorais (c) 2025 Luiz Paulo Pimentel de Souza, Mariana Soutto Mayor, Paulo Bio Toledo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A luz cênica engendrando bricolagens no teatro infantil
Este artigo propõe uma reflexão sobre o papel da luz cênica no teatro infantil como linguagem poética, capaz de desenvolver a imaginação e fomentar múltiplas leituras. Fundamentado nos conceitos de bricoleur, de Claude Lévi-Strauss, e nos estudos de Gaston Bachelard sobre a imagem poética como fenômeno variacional, entende-se o espectador, especialmente a criança, como agente ativo na construção de sentidos, articulando fragmentos visuais com base em suas subjetividades. Sustentado ainda pelos postulados de Lev Vigotski sobre os mecanismos da imaginação criativa, o estudo investiga como os processos próprios do desenvolvimento infantil, são ativados pelo desenho de luz, atribuindo a esse espectador um olhar bricoleur diante da cena.
Direitos autorais (c) 2025 Fernanda Guimarães Mattos Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Registro das pesquisas e pesquisadores do Programa de Performances Culturais, na Faculdade de Ciências Sociais – UFG
A presente investigação teve como objetivo registrar e inventariar as pesquisas desenvolvidas no Programa de Pós-Graduação em Performances Culturais (PPGPC) da Faculdade de Ciências Sociais, da Universidade Federal de Goiás (UFG). Fundamentada em uma perspectiva interdisciplinar das performances como práticas sociais, artísticas e políticas, à luz de Victor Turner, Robson Corrêia de Camargo e outros pesquisadores da área, foi realizado um levantamento sistemático na base de dados institucional da UFG. Identificadas as dissertações e teses, suas categorizações foram a fonte de amostragem e serviram como reflexões acerca do registro dos estudos em performances culturais.
Direitos autorais (c) 2026 José Henrique Rodrigues Machado, Vânia Dolores Estevam de Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O Programa de Pós-graduação em Performances Culturais da UFG: formação de artistas e debate sobre Performances Negras
O Programa de Pós-graduação em Performances Culturais da UFG foi criado em 2012, na área interdisciplinar da CAPES, na EMAC, como alternativa de formação para profissionais das artes em Goiânia. Foi transferido para a Faculdade de Ciências Sociais e, em 2025, para o Media Lab/UFG, quando passou a se chamar Programa de Pós-graduação em Artes, Culturas e Tecnologias. Apesar das mudanças institucionais, nota-se a sua vocação interdisciplinar e o fato de contribuir para a formação de múltiplos artistas. O artigo destaca a atuação de pesquisadoras negras e a produção de estudos que articulam Performances Culturais e identidade negra, apresentando revisão bibliográfica e um panorama sobre a constituição, transformações e permanência do Programa frente à noção de Performances Negras.
Direitos autorais (c) 2026 Renata Kabilaewatala, Luciene de Oliveira Dias, Warla Giany de Paiva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A dança em tempos pandêmicos: vivências e sentidos no espaço virtual sob olhar fenomenológico
Este artigo apresenta uma análise fenomenológica da experiência vivida por jovens integrantes do Laboratório de Estudos do Corpo (LEC) durante a pandemia de covid-19, com ênfase nos efeitos do isolamento social sobre a prática da dança em ambiente virtual. A investigação foi conduzida por meio de entrevistas em profundidade, registros visuais e diários de aula, com o objetivo de compreender como os nove participantes ressignificaram o espaço doméstico e os próprios corpos, desenvolvendo novas formas de expressão e resistência corporal. A análise dos dados foi realizada com base na abordagem fenomenológica, buscando captar os sentidos atribuídos pelos participantes às suas vivências. Os resultados revelam que a dança constituiu-se como uma estratégia de enfrentamento emocional, reinvenção de vínculos afetivos e fortalecimento da corporeidade, mesmo diante das restrições técnicas e espaciais impostas pelo contexto pandêmico. Conclui-se que, apesar do distanciamento físico, a prática artística foi preservada, reafirmando a potência do corpo em movimento como forma de resiliência e superação.
Direitos autorais (c) 2025 Kaio César Cellli Mota, Michele Viviene Carbinatto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Direitos autorais (c) 2025 Henrique Rochelle, José Veríssimo, Marilia Velardi, Suzana Schmidt Viganó https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O esticar de formas dramatúrgicas em proposições para um público-participante: Um estudo das peças Manifesto Transpofágico, Azira’i – um musical de memórias e Hoje não saio daqui
Este estudo tem como premissa investigar formas dramatúrgicas que comportam em suas estruturas jogos performativos, aberturas da experiência cênica para o acaso, levando em conta a relação com um público-participante corresponsável pela cena. Tais proposições serão analisadas a partir de três peças brasileiras contemporâneas: Manifesto Transpofágico (2021), de Renata Carvalho, Azira’i – um musical de memórias (2024), de Zahy Tentehar e Duda Rios, e, Hoje não saio daqui (2020), da Cia Marginal e Jô Bilac. Textos escritos majoritariamente por autores-atores para seus próprios corpos, levando em conta suas identidades dissidentes. Partindo de pressupostos autoficcionais e fabulações críticas, tais vozes acessam estruturas sociais maiores contribuindo para a cena decolonial.
Direitos autorais (c) 2025 Juliana Pamplona https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dramaturgia do encontro: o planejamento de aula como prática dramatúrgica
Este artigo propõe levar à compreensão o planejamento de aulas de teatro como prática dramatúrgica. Inspirando-se na noção contemporânea de dramaturgia como composição do sensível, o texto levanta a ideia de “dramaturgia do encontro” para deslocar o planejamento de sua função prescritiva e normatizadora para um gesto criativo, sensível e coletivo. A partir de uma leitura crítica das reformas curriculares e da centralidade contemporânea das habilidades e competências, o artigo investiga como é possível habitar a contradição do presente sem renunciar à criação. Planejar, aqui, é compreendido como construção estética de atmosferas, campos de presença e zonas de latência, em que a aula se configura como escritura provisória de mundos possíveis.
Direitos autorais (c) 2025 Filipe Brancalião Alves de Moraes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Os Ossos do Barão, de 1963: memórias do encontro entre Jorge Andrade e Maurice Vaneau
Por meio de vestígios de texto e cena teatral, este artigo pretende propor um retorno ao início da década de 1960 e, assim, lançar um olhar para os criadores de uma das montagens teatrais de maior sucesso de bilheteria do período: Os Ossos do Barão, de 1963. Escrita por Jorge Andrade, a peça foi encenada por Maurice Vaneau no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). O encontro resultou numa montagem que ficou alguns anos em cartaz, atraindo espectadores e crítica e, hoje, nos ajuda a entender a presença de diretores estrangeiros no Brasil e um modo de produzir teatro que consolidou a presença de diretores/encenadores nas décadas seguintes.
Direitos autorais (c) 2025 Luiz Humberto Martins Arantes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dramaturgias negras: ou sobre inscrever a cor e o corpo como texto
Este artigo, fruto também de pesquisa de doutoramento, visa analisar as dramaturgias negras – termo utilizado no plural para designar tanto o texto escrito quanto o performado – como escrituras pulsantes, implicadas em instaurar outras realidades por meio da apreensão po[ética] dos processos sociorraciais brasileiros, reelaborar esteticamente as experiências negras e dar a ver epistemologias da cena que visibiliza a negrura na sua diferença, criatividade e relevância. A partir das dramaturgias de Grace Passô e Anderson Feliciano, pretende-se refletir sobre como esses artistas inscrevem a cor e o corpo como texto para produzir efeitos de linguagem que, num processo de concepção formal, pensam as contradições da sociedade e a experiência teatral e tecem camadas múltiplas e fabulares da(o) sujeita(o) negra(o).
Direitos autorais (c) 2025 Soraya Martins Patrocinio https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Violência e racialidade na dramaturgia contemporânea
Este artigo parte do conceito de necronarrativa, proposto por Aldri Anunciação, para investigar como a violência e a racialidade se articulam na dramaturgia contemporânea brasileira. A análise se concentra em peças que abordam o genocídio e o encarceramento em massa da juventude negra e periférica, como Buraquinhos ou o vento é inimigo do picumã (Jhonny Salaberg), Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos (Dione Carlos) e Cavalos pretos são imensos (Bárbara Esmenia). As obras destacadas ampliam as perspectivas raciais e de gênero ao subverterem estereótipos e proporem novas poéticas que confrontam um imaginário historicamente construído por dramaturgos brancos. O artigo deriva da tese Terça sem teatro: blackface, agência e representações negras na dramaturgia contemporânea, defendida por mim com apoio da bolsa CAPES.
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Teatro brasileiro moderno: tradições interpretativas e vetores de difusão conceitual
O artigo apresenta um balanço teórico das principais interpretações em torno da ideia de teatro moderno e identifica algumas problemáticas relacionadas à sua difusão. Para tanto, são analisadas as perspectivas que observam o fenômeno por meio do advento da encenação e por meio de inovações dramatúrgicas, para, em seguida, serem examinadas sua inserção no contexto brasileiro e seus vetores básicos de disseminação conceitual. Objetiva-se, assim, o entendimento dos processos históricos e intelectuais que viabilizaram sua construção e seus usos.
DOSSIÊ: TEATRO BRASILEIRO COMO PROBLEMA HISTÓRICO, O BRASIL COMO PROBLEMA NO TEATRO
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Dança contextual e mediação cultural no projeto Pele: ações entre o Theatro Municipal de São Paulo e as ruas da cidade
Com o intuito de problematizar como a arquitetura e as regras de funcionamento de teatros tradicionais podem perpetuar valores colonialistas e gerar relações violentas de poder pautadas na segregação, esta pesquisa fricciona a dança contextual, o Theatro Municipal de São Paulo e as ruas de seus arredores. A partir do resgate da história do Theatro Municipal de São Paulo, o artigo discute as criações artísticas e ações de mediação cultural desenvolvidas durante o projeto Pele: entre o corpo, a rua e o Theatro, refletindo como as ações de infiltrar, tensionar, virar do avesso e margear puderam atuar nas rachaduras das paredes sólidas de seu edifício, alargando os pontos de contato entre o interior do Theatro e as ruas de seu entorno.
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