A Revista Sala Preta é uma publicação quadrimestral do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGAC) vinculado a Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Iniciada em 2001, a Revista é um dos primeiros periódicos brasileiros especializados em Artes Cênicas e atualmente é uma das revistas da área de Artes avaliada como “A1” pelo programa QUALIS/CAPES. Após dez anos de existência em versão impressa, a revista inaugurou em 2011 a sua edição eletrônica. A partir da edição número 11 de 2011 optou-se pela produção somente em suporte digital. Esta decisão editorial teve o intuito de tornar a revista mais ágil, facilitando tanto a colaboração quanto a leitura de pesquisadores e artistas interessados em temáticas instigantes e abordagens inovadoras no campo das artes cênicas. Com este novo suporte a revista pôde ter seu plano de distribuição alterado e passou a receber acessos e artigos de todas as partes do mundo. A partir de 2022, depois de um período de interrupção de sua publicação em 2021, a Revista Sala Preta se re-estrutura, aderindo a um formato de gestão horizontalizado, pensado e mantido por um novo grupo de editores, que também promoveram ajustes nos formatos e seções da revista, readequando-a para novos tempos. Atualmente, a Sala Preta aceita submissões de Artigos, Entrevistas, Críticas, Resenhas, e Traduções, tanto em fluxo contínuo como para dossiês temáticos, que serão publicados em três números por volume/ano.
Universidade de São Paulo, Escola de Comunicações e Artes
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O Brasil como problema no teatro, o teatro brasileiro como problema histórico
Direitos autorais (c) 2025 Luiz Paulo Pimentel de Souza, Mariana Soutto Mayor, Paulo Bio Toledo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A luz cênica engendrando bricolagens no teatro infantil
Este artigo propõe uma reflexão sobre o papel da luz cênica no teatro infantil como linguagem poética, capaz de desenvolver a imaginação e fomentar múltiplas leituras. Fundamentado nos conceitos de bricoleur, de Claude Lévi-Strauss, e nos estudos de Gaston Bachelard sobre a imagem poética como fenômeno variacional, entende-se o espectador, especialmente a criança, como agente ativo na construção de sentidos, articulando fragmentos visuais com base em suas subjetividades. Sustentado ainda pelos postulados de Lev Vigotski sobre os mecanismos da imaginação criativa, o estudo investiga como os processos próprios do desenvolvimento infantil, são ativados pelo desenho de luz, atribuindo a esse espectador um olhar bricoleur diante da cena.
Direitos autorais (c) 2025 Fernanda Guimarães Mattos Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A dança em tempos pandêmicos: vivências e sentidos no espaço virtual sob olhar fenomenológico
Este artigo apresenta uma análise fenomenológica da experiência vivida por jovens integrantes do Laboratório de Estudos do Corpo (LEC) durante a pandemia de covid-19, com ênfase nos efeitos do isolamento social sobre a prática da dança em ambiente virtual. A investigação foi conduzida por meio de entrevistas em profundidade, registros visuais e diários de aula, com o objetivo de compreender como os nove participantes ressignificaram o espaço doméstico e os próprios corpos, desenvolvendo novas formas de expressão e resistência corporal. A análise dos dados foi realizada com base na abordagem fenomenológica, buscando captar os sentidos atribuídos pelos participantes às suas vivências. Os resultados revelam que a dança constituiu-se como uma estratégia de enfrentamento emocional, reinvenção de vínculos afetivos e fortalecimento da corporeidade, mesmo diante das restrições técnicas e espaciais impostas pelo contexto pandêmico. Conclui-se que, apesar do distanciamento físico, a prática artística foi preservada, reafirmando a potência do corpo em movimento como forma de resiliência e superação.
Direitos autorais (c) 2025 Kaio César Cellli Mota, Michele Viviene Carbinatto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
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O esticar de formas dramatúrgicas em proposições para um público-participante: Um estudo das peças Manifesto Transpofágico, Azira’i – um musical de memórias e Hoje não saio daqui
Este estudo tem como premissa investigar formas dramatúrgicas que comportam em suas estruturas jogos performativos, aberturas da experiência cênica para o acaso, levando em conta a relação com um público-participante corresponsável pela cena. Tais proposições serão analisadas a partir de três peças brasileiras contemporâneas: Manifesto Transpofágico (2021), de Renata Carvalho, Azira’i – um musical de memórias (2024), de Zahy Tentehar e Duda Rios, e, Hoje não saio daqui (2020), da Cia Marginal e Jô Bilac. Textos escritos majoritariamente por autores-atores para seus próprios corpos, levando em conta suas identidades dissidentes. Partindo de pressupostos autoficcionais e fabulações críticas, tais vozes acessam estruturas sociais maiores contribuindo para a cena decolonial.
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Dramaturgia do encontro: o planejamento de aula como prática dramatúrgica
Este artigo propõe levar à compreensão o planejamento de aulas de teatro como prática dramatúrgica. Inspirando-se na noção contemporânea de dramaturgia como composição do sensível, o texto levanta a ideia de “dramaturgia do encontro” para deslocar o planejamento de sua função prescritiva e normatizadora para um gesto criativo, sensível e coletivo. A partir de uma leitura crítica das reformas curriculares e da centralidade contemporânea das habilidades e competências, o artigo investiga como é possível habitar a contradição do presente sem renunciar à criação. Planejar, aqui, é compreendido como construção estética de atmosferas, campos de presença e zonas de latência, em que a aula se configura como escritura provisória de mundos possíveis.
Direitos autorais (c) 2025 Filipe Brancalião Alves de Moraes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Os Ossos do Barão, de 1963: memórias do encontro entre Jorge Andrade e Maurice Vaneau
Por meio de vestígios de texto e cena teatral, este artigo pretende propor um retorno ao início da década de 1960 e, assim, lançar um olhar para os criadores de uma das montagens teatrais de maior sucesso de bilheteria do período: Os Ossos do Barão, de 1963. Escrita por Jorge Andrade, a peça foi encenada por Maurice Vaneau no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). O encontro resultou numa montagem que ficou alguns anos em cartaz, atraindo espectadores e crítica e, hoje, nos ajuda a entender a presença de diretores estrangeiros no Brasil e um modo de produzir teatro que consolidou a presença de diretores/encenadores nas décadas seguintes.
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Dramaturgias negras: ou sobre inscrever a cor e o corpo como texto
Este artigo, fruto também de pesquisa de doutoramento, visa analisar as dramaturgias negras – termo utilizado no plural para designar tanto o texto escrito quanto o performado – como escrituras pulsantes, implicadas em instaurar outras realidades por meio da apreensão po[ética] dos processos sociorraciais brasileiros, reelaborar esteticamente as experiências negras e dar a ver epistemologias da cena que visibiliza a negrura na sua diferença, criatividade e relevância. A partir das dramaturgias de Grace Passô e Anderson Feliciano, pretende-se refletir sobre como esses artistas inscrevem a cor e o corpo como texto para produzir efeitos de linguagem que, num processo de concepção formal, pensam as contradições da sociedade e a experiência teatral e tecem camadas múltiplas e fabulares da(o) sujeita(o) negra(o).
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Violência e racialidade na dramaturgia contemporânea
Este artigo parte do conceito de necronarrativa, proposto por Aldri Anunciação, para investigar como a violência e a racialidade se articulam na dramaturgia contemporânea brasileira. A análise se concentra em peças que abordam o genocídio e o encarceramento em massa da juventude negra e periférica, como Buraquinhos ou o vento é inimigo do picumã (Jhonny Salaberg), Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos (Dione Carlos) e Cavalos pretos são imensos (Bárbara Esmenia). As obras destacadas ampliam as perspectivas raciais e de gênero ao subverterem estereótipos e proporem novas poéticas que confrontam um imaginário historicamente construído por dramaturgos brancos. O artigo deriva da tese Terça sem teatro: blackface, agência e representações negras na dramaturgia contemporânea, defendida por mim com apoio da bolsa CAPES.
Direitos autorais (c) 2025 Marcos Nogueira Gomes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro brasileiro moderno: tradições interpretativas e vetores de difusão conceitual
O artigo apresenta um balanço teórico das principais interpretações em torno da ideia de teatro moderno e identifica algumas problemáticas relacionadas à sua difusão. Para tanto, são analisadas as perspectivas que observam o fenômeno por meio do advento da encenação e por meio de inovações dramatúrgicas, para, em seguida, serem examinadas sua inserção no contexto brasileiro e seus vetores básicos de disseminação conceitual. Objetiva-se, assim, o entendimento dos processos históricos e intelectuais que viabilizaram sua construção e seus usos.
DOSSIÊ: TEATRO BRASILEIRO COMO PROBLEMA HISTÓRICO, O BRASIL COMO PROBLEMA NO TEATRO
Direitos autorais (c) 2025 Henrique Brener Vertchenko https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dança contextual e mediação cultural no projeto Pele: ações entre o Theatro Municipal de São Paulo e as ruas da cidade
Com o intuito de problematizar como a arquitetura e as regras de funcionamento de teatros tradicionais podem perpetuar valores colonialistas e gerar relações violentas de poder pautadas na segregação, esta pesquisa fricciona a dança contextual, o Theatro Municipal de São Paulo e as ruas de seus arredores. A partir do resgate da história do Theatro Municipal de São Paulo, o artigo discute as criações artísticas e ações de mediação cultural desenvolvidas durante o projeto Pele: entre o corpo, a rua e o Theatro, refletindo como as ações de infiltrar, tensionar, virar do avesso e margear puderam atuar nas rachaduras das paredes sólidas de seu edifício, alargando os pontos de contato entre o interior do Theatro e as ruas de seu entorno.
Direitos autorais (c) 2025 Laila Renardini Padovan https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Da decadência à crise: o teatro brasileiro no contexto da modernidade (décadas de 1910 e 1920)
Este artigo examina o discurso em torno da “crise do teatro” no Brasil nos anos 1910 e 1920. Analisa como essas discussões refletem mudanças mais amplas na sociedade e transformações no mercado de entretenimento urbano, particularmente com a ascensão do cinema e de outras formas modernas de lazer. O estudo está estruturado em três seções: a primeira contextualiza a “crise teatral” como um fenômeno global, examinando como o cinema e a urbanização afetaram o papel social e simbólico do teatro; a segunda discute as respostas a essa crise, destacando os esforços para manter o poder simbólico do teatro, como produções voltadas para a elite, e as adaptações para um modelo mais acessível de “teatro por sessões” inspirado no cinema; e a terceira explora as tentativas de integrar elementos da cultura moderna e forjar uma identidade nacional no teatro, com influências do modernismo, do teatro argentino e da cultura afro-brasileira. O artigo argumenta que a modernização do teatro brasileiro não foi marcada por rupturas abruptas, mas por adaptações graduais que revelam uma complexa interação entre tradição e inovação.
Direitos autorais (c) 2025 Daniel Polleti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O processo artístico-pedagógico de Memorada: reflexões sobre teatro e intraculturalidade
Este artigo analisa o espetáculo Memorada, relacionando-o à busca por perspectivas históricas críticas e contra-hegemônicas no teatro brasileiro. Criado como trabalho de conclusão de curso no Teatro Universitário da Universidade Federal de Minas Gerais em 2023, o espetáculo propõe um diálogo entre história, memória e esquecimento no Brasil. O que sustenta a preservação de algumas memórias e o silenciamento de outras? A quem interessa o ditado “brasileiro tem memória curta”? Revisitando momentos do processo artístico-pedagógico e passagens da obra, este estudo investiga a relação entre teatro e intraculturalidade como uma estratégia metodológica, ética e estética no contexto da formação teatral ao lidar com temáticas que permeiam múltiplas realidades e diversidades do país.
Direitos autorais (c) 2025 Júlia Camargos de Paula, Raysner de Paula Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mecanismos de fomento, circuitos de produção teatral e sustentabilidade financeira de artistas da cena
Este estudo se propõe a traçar características de diferentes modos, sistema e circuitos de produção teatral no contexto latino-americano. O objetivo é de, a partir das definições traçadas, levantar fontes de financiamento e estratégias de sustentabilidade de artistas da cena circunscritos no contexto brasileiro. A pesquisa foi realizada a partir da revisão bibliográfica sobre o tema, tendo como referencial pesquisadoras do campo da economia da cultura, políticas, produção e gestão cultural. De forma geral, conclui-se que há necessidade de diversificação das fontes de receita para realização da atividade teatral, bem como para a sustentabilidade pessoal de trajetórias artísticas.
DOSSIÊ: POLÍTICAS PÚBLICAS E ECONOMIA DAS ARTES CÊNICAS
Direitos autorais (c) 2025 Heloisa Marina https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Por um “teatro decente”: transformações do trabalho teatral na capital do vice-reino do Brasil-Rio de Janeiro (1808-1822)
O trabalho investiga o processo de mudança dos modos de organização do trabalho teatral no Rio de Janeiro, disparado pela vinda da família real portuguesa, em 1808. Até então, a única casa de espetáculos existente na capital do vice-reino, a Casa da Ópera de Manoel Luiz Ferreira seguia padrões de arquitetura, repertório, cenários, indumentárias e formas de organização dos teatros públicos portugueses setecentistas, mas com uma característica peculiar: a maior parte dos seus artistas eram luso-brasileiros, negros e mestiços, livres e escravizados. Tal realidade singular, que favoreceu o surgimento nos palcos do lundu, muda gradualmente com a vinda da corte dos Bragança para o Rio de Janeiro, em que há a ordenação para a construção do Real Teatro São João, o “teatro decente”, nas palavras do próprio príncipe regente D. João, em 1813, e com favorecimento para a contratação de atores e atrizes europeus. Ao explorar essa mudança em curso nas formas de trabalho teatral, a pesquisa busca constituir a cena colonial até a chegada da família real, em 1808, interrogar sobre o paradeiro dos artistas locais e buscar vestígios de sua presença na cena oitocentista.
Direitos autorais (c) 2025 Mariana Soutto Mayor https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Os Dois ou o Inglês Maquinista (c. 1840-1843), de Martins Penna: um estudo de caso sobre teatro e tráfico negreiro
A partir do estudo de caso da comédia Os Dois ou o Inglês Maquinista, de Martins Penna (1815-1848), o artigo relaciona teatro e escravidão no Brasil da primeira metade do século XIX. São utilizadas fontes impressas, manuscritas, digitais e hemerográficas para abordar a questão do tráfico negreiro ilegal, tendo como exemplos principais o traficante português José Bernardino de Sá e o navio Espadarte, referido na comédia. O estudo revela perigosas relações entre as autoridades governamentais, os traficantes e o comércio de escravizados. São apresentadas informações sobre os tipos de embarcações utilizadas no comércio negreiro e em seu combate, exemplificando as condições desumanas das viagens marítimas, tanto no período da legalidade como no da ilegalidade do tráfico transoceânico de africanos escravizados.
Direitos autorais (c) 2025 Luiz Costa-Lima Neto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro de canto de rua: Cecílio Sá e o teatro amador popular e religioso em São Luís na primeira metade do século XX
O artigo investiga a trajetória de Cecílio Sá e sua contribuição para o teatro amador popular e religioso em São Luís do Maranhão na primeira metade do século XX. Com base em procedimentos da pesquisa documental, revisão bibliográfica e estudo de caso, examina-se a influência das manifestações culturais locais em suas montagens, ao evidenciar a interação entre religiosidade, cultura popular e prática teatral, fundamentando-se, sobretudo, em fontes como Sá, Leite, Borralho e os jornais O Imparcial, Diário de São Luiz, O Pacotilha e O Combate. A análise destaca a relevância de sua produção para a história do teatro ludovicense, ressaltando seu papel na formação de um repertório dramatúrgico ligado à identidade regional e na ampliação do acesso às artes cênicas.
Direitos autorais (c) 2025 Gilberto Martins https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
De Machado a Vianinha: empenho na consolidação do teatro nacional
O artigo analisa, de forma comparada, as providências de Machado de Assis para a consolidação do sistema literário nacional e as providências de Vianinha, em conjunto com Augusto Boal e outros, para a formação do sistema teatral brasileiro. O processo de construção e consolidação do sistema teatral brasileiro é analisado pelos pontos de vista histórico e estético, com ênfase na produção dramatúrgica do período, que supera dialeticamente os limites do Realismo Dramático com o Realismo Crítico, mediante forte influência de Bertolt Brecht. A pesquisa demonstra como atuaram com destacado empenho na consolidação de tradições artísticas brasileiras, marcadas pela expressão crítica da realidade local e pelo contraponto com a norma cosmopolita. Uma das principais evidências do argumento é o ensaio de Vianinha “Momento do teatro brasileiro” (1958).
Direitos autorais (c) 2025 Rafael Litvin Villas Bôas https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ópera Café, de Mário de Andrade: um ensaio de teatro político no palco imaginário do modernismo paulista
O objetivo deste artigo é apresentar uma leitura de uma das primeiras experiências do teatro político brasileiro, a ópera Café, de Mário de Andrade, sustentando que ela se configura a partir da convergência de dois impulsos de criação: de um lado, o aproveitamento estético da perspectiva do povo, com vistas a atrair um público popular e intervir sobre ele; de outro, a ideia de um éthos assumido pelo artista, o qual se incumbe da tarefa de conduzir o público a um caminho libertário e transformador contra as forças sociais opressivas. Procura-se mostrar também o papel estrutural que o rito sacrificial de morte e ressureição desempenha na ópera.
Direitos autorais (c) 2025 Philippe Curimbaba Freitas https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A emergência do Grand-Guignol no Brasil: um estudo sobre Dominó Negro (1916)
O presente artigo visa apresentar um estudo inédito sobre a incursão do Grand-Guignol no teatro brasileiro a partir do século XX, por meio das turnês de companhias estrangeiras, mas também a partir da difusão do termo para classificar dramaturgias nacionais que apresentassem em suas estruturas elementos em comum com a linguagem francesa. Tomando como exemplo o caso da peça Dominó Negro (1916), de Guilhermina Rocha, o artigo visa trazer à luz um gênero que ainda é pouco abordado dentro da Academia, buscando compreender como o Grand-Guignol pode ser encarado, dentro do período pré-modernista, como uma tentativa de modernização do drama.
Direitos autorais (c) 2025 Sofia Fransolin Pires de Almeida, Larissa de Oliveira Neves https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O que podemos levar na bagagem depois das chuvas? O processo curatorial da 31ª edição do Porto Alegre em Cena
O artigo revisita a experiência curatorial da 31ª edição do festival Porto Alegre em Cena, que, diante da catástrofe climática que atingiu o estado do Rio Grande do Sul nos meses de abril e maio de 2024, realizou uma edição voltada aos artistas gaúchos. O objetivo é refletir, a partir deste estudo de caso, sobre arte e curadoria colocadas em relação com as questões climáticas e ambientais. Com a pergunta-título O que podemos levar na bagagem depois das chuvas?, os autores articulam a proposta de um navio-mundo, de Malcom Ferdinand, para pensá-la como forma possível de habitar o mundo na perspectiva de uma política do encontro.
Direitos autorais (c) 2025 Virgínia Maria Schabbach, Bruno Segura Mros https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Da liberdade como benefício e encenada como mágica: uma crítica à tecnologia emancipatória posta em cena pelo movimento abolicionista nos teatros (1880-1888)
Ao longo da década de 1880, teatros brasileiros se tornaram arena da militância abolicionista. Neles foram realizadas diversas conferências emancipadoras, cujo programa era diversificado: discursos se alternavam com números musicais, cenas teatrais, declamações de versos, entre outras modalidades de manifestação artística e política. Um dos pontos que mais chama atenção nessas conferências é o fato de que ali, em cena, distribuíam-se cartas de alforria para pessoas escravizadas, sendo sua libertação convertida em espetáculo, com tintas de mistério e efeitos catárticos. Neste artigo, analisamos a tecnologia performativa que articulou as práticas teatrais aos ideais de liberdade e cidadania, interrogando sua conexão com a lógica escravista e os mecanismos de tutela da liberdade mesmo após a alforria.
Direitos autorais (c) 2025 Luiz Paulo Pimentel de Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Políticas públicas e artes cênicas na terra dos poetas: implementação das Leis Aldir Blanc I, Paulo Gustavo e PNAB em Capivari (SP)
Este artigo analisa a implementação das Leis Aldir Blanc I, Paulo Gustavo e da Política Nacional Aldir Blanc (PNAB) no município de Capivari, interior de São Paulo, com foco específico no campo das artes cênicas, e o impacto desses fomentos para Cia Ui de Teatro, companhia em atividade na cidade há quase duas décadas. A partir de uma abordagem qualitativa e documental, a pesquisa investiga como essas políticas públicas culturais foram apropriadas, geridas e executadas em uma cidade conhecida como “Terra dos Poetas”. O estudo busca compreender, à luz de autores como Rolim e Massa, Tolila e Costa, os impactos dessas legislações emergenciais sobre os agentes culturais locais, destacando os desafios enfrentados, os mecanismos de participação social e os efeitos práticos na cadeia produtiva das artes cênicas. A análise também propõe reflexões sobre a efetividade dessas políticas em contextos municipais e sobre sua contribuição para a descentralização do acesso aos recursos culturais.
Direitos autorais (c) 2025 Vivian Cristina Vieira Ui https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Estruturas de financiamento e produção teatral no século XIX: o empresário José de Almeida Cabral em São Paulo (1871-1874)
Este artigo investiga os últimos anos da carreira do empresário de teatro José de Almeida Cabral (1818c.–1886) para analisar estruturas de financiamento e produção de suas companhias dramáticas nos primeiros anos da década de 1870. Utilizando fontes primárias como documentos, assim como periódicos da época e bibliografia específica, percorremos a última fase de atuação de seu trabalho como empresário de teatro, que ocorreu em São Paulo. Como contextualização, também apresentamos resultados de pesquisas anteriores que indicam três modos de financiamento presentes no período: loterias, acionistas e redes de apoio. Concluímos que as redes de apoio foram cruciais para a manutenção das companhias dramáticas do empresário.
Direitos autorais (c) 2025 Andrea Carvalho Stark https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Políticas e mercados do espetáculo de dança contemporânea: abordagem socioeconômica do mundo coreográfico
Desde a década de 1970, na França, a política implementada pelo Ministério da Cultura e pelas coletividades territoriais favoreceu um crescimento regular do setor da dança contemporânea. Um sistema de economia mista foi estabelecido: a intervenção pública – subvenções às companhias e às estruturas de difusão – ocorre juntamente com a livre ação dos mecanismos de mercado. Este artigo traça um percurso de pesquisa em dança com base em uma investigação empírica de vários anos dentro do meio coreográfico, cujo principal objetivo é compreender os processos de alocação de recursos econômicos. Ele também demonstra a necessidade e a riqueza dos encontros interdisciplinares.
Direitos autorais (c) 2025 Patrick Germain-Thomas; Henrique Rochelle https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Economia da dança em São Paulo: produtores, produtos e consumo de arte em um mercado subvencionado
Este artigo apresenta uma caracterização de três elementos fundamentais da economia da dança: seus produtores, seus produtos e seu consumo, por meio de observações da literatura da economia da cultura, análise de documentos e dados públicos, e entrevistas com agentes do setor. Focando a cidade de São Paulo, o estudo propõe uma aproximação inicial ao modelo econômico de mercado subvencionado, descrito para a dança contemporânea francesa, que serve como referência para a pesquisa. Além de avaliar a aplicação desse modelo para São Paulo, o artigo investiga aspectos fundamentais da natureza dos produtores, suas demandas trabalhistas e seus processos de produção; as especificidades do produto deste setor, entendido sob dois ângulos distintos, frente a seus processos produtivos e mercadológicos; e a estrutura de mercado e consumo, à luz das políticas públicas e do interesse de consumidores intermediários e finais nos produtos produzidos.
Direitos autorais (c) 2025 Henrique Rochelle https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Entre o acesso e a participação: perspectivas para as artes cênicas na democracia cultural
O artigo explora a relação entre políticas culturais e práticas de democratização e democracia cultural no Brasil, com foco nas artes cênicas. O texto analisa a fragilidade das políticas públicas culturais no país, bem como os desafios de gestão e a necessidade de modelos mais inclusivos e participativos. O conceito de democracia cultural é aprofundado em contraste com a democratização da cultura, destacando a importância de ações que envolvam diferentes comunidades e enfatizem a diversidade. Como breves exemplos de modelos participativos, são apresentados os desafios e as resistências políticas e estéticas da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz e da Terreira da Tribo, em Porto Alegre (RS). O artigo defende a necessidade de ações culturais estruturadas em valores estéticos, sociais e políticos, que promovam o empoderamento cidadão e a transformação cultural efetiva.
Direitos autorais (c) 2025 Rodrigo dos Santos Monteiro, Christine Greiner https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro autônomo de trabalhadores: financiamento comunitário por um teatro independente
O artigo analisa, de forma panorâmica, experiências de teatros populares e de trabalhadores desde o final do século XIX, abordando desde as experiências europeias no contexto de crescimento urbano e ascenso do naturalismo até o movimento de teatro operário autônomo ou auto-ativo, vinculado ao crescimento do movimento operário e revolucionário. Além disso, examina importantes experiências de teatro popular e de trabalhadores no Brasil. O estudo propõe refletir sobre os mecanismos de financiamento desses grupos, como o esquema de assinaturas, o financiamento estatal e o apoio de organizações operárias, como sindicatos e partidos. Discute-se também a relação entre essas formas de financiamento e os objetivos dos grupos teatrais, bem como suas conexões com as comunidades em que estão inseridos, incluindo a dinâmica entre amadorismo e profissionalismo no âmbito desses coletivos.
Direitos autorais (c) 2025 Fernando Bustamante https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teatro sob o Véu do Autoritarismo: entrevista com Edson Roberto Santana
Nesta entrevista realizada em 2019, o ator, diretor e dramaturgo Edson Roberto Santana, um dos fundadores do Grupo Núcleo, compartilha relatos dos bastidores do Teatro de Arena em seus anos finais e aborda o processo de criação das técnicas do Teatro Jornal, em colaboração com Augusto Boal. Também relata sua participação em montagens teatrais históricas do Teatro São Pedro e a militância do Grupo Núcleo com o movimento estudantil e com as comunidades periféricas de São Paulo, durante os anos 1970.
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